Hoy más que nunca la gastronomía ha adquirido el valor que se merece, considerándola además de uno de los mayores placeres de la vida, un arte inigualable. Ahora, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza ha querido fusionar arte y cocina; consiguiendo dar forma al ‘El Thyssen en el plato’, un extraordinario recetario configurado por 25 platos ideados por otros tantos chefs españoles de renombre; un diálogo entre arte y gastronomía; un viaje a través del gusto, entendido como sentido y como estética.
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El museo Thyssen-Bornemisza nos presenta una nueva propuesta artística que hará las delicias de todos los amantes de la cultura e historia comanche. El próximo 3 de noviembre se inaugura ‘La ilusión del Lejano Oeste‘, una exposición que propone, por primera vez en España, seguir los pasos de los artistas que en el siglo XIX se adentraron en los territorios del Oeste norteamericano. Todo con el objetivo de mostrar sus paisajes, desconocidos y exóticos, y de representar las formas de vida de los indios americanos que desaparecían ante sus ojos por efecto de un programa ideológico, político, militar y colonizador. Estos artistas contribuyeron a crear desde muy pronto una “ilusión” del Lejano Oeste, combinando el entusiasmo romántico y la admiración genuina con los tópicos, prejuicios y expectativas que enturbiaban la mirada del hombre blanco; una imagen que en adelante se convertiría en el mito del indio salvaje, viviendo en las praderas en comunión con la naturaleza, muy alejado de la visión que el cine popularizaría años más tarde y que estuvo centrada en mostrar el punto de vista de los ocupantes y las fatigas y peligros a los que tuvieron que enfrentarse.
A través de una selección de pinturas y fotografías de artistas como Karl Bodmer, George Catlin, Henry Lewis, Albert Bierstadt, Edward S. Curtis o Carleton E. Watkins, entre otros, la exposición presenta este apasionante capítulo, poco conocido aquí, de la historia del arte. Algunos de los lienzos pertenecen a la propia colección permanente del Museo, la única en España con obra de estos pintores, reflejo de la pasión del barón Hans Heinrich Thyssen- Bornemisza por las narraciones literarias, cinematográficas y artísticas sobre el Oeste.
La exposición podrá visitarse desde el 3 de noviembre hasta el 7 de febrero del próximo año.
La fotografía de moda se ha convertido en todo un referente artístico para fotógrafos y directores de arte que, cada vez más, conciben las editoriales de moda como un medio de expresión artística y no como herramienta publicitaria. Vogue es, sin lugar a dudas, la precursora de este tipo de fotografías que han conseguido «enganchar» no sólo a los lectores, sino a críticos y personalidades del mundo artístico a lo largo de los años. Ahora, el Museo Thyssen-Bornemisza se convierte en un seguidor más de la mítica publicación, acogiendo desde el 30 de junio la exposición fotográfica ‘Vogue like a painting’.
Una muestra con sesenta y una imágenes de inspiración pictórica, procedentes de los archivos de la revista Vogue y realizadas por algunos de los fotógrafos más destacados de las últimas tres décadas. Las fotografías de esta muestra han sido seleccionadas de manera rigurosa por su enorme semejanza con referentes pictóricos. En algunas se utiliza el relieve escultórico y en otras la luz tiene una factura pictórica. Muchas de las imágenes seleccionadas nos hacen pensar en cuadros y artistas concretos como Vermeer, Hopper y Millais; Balthus, Van Eyck, Botticelli y Zurbarán. El hilo común que recorre toda la muestra es, como afirma su comisaria Debra Smith, una suerte de ralentización: “una atemporalidad en la pose de las modelos; una especie de lapso mental en el que todo está muy, muy quieto”.
La exposición está organizada en torno a los grandes géneros pictóricos, como son el retrato, el paisaje o los interiores, de manera que la herencia pictórica de la fotografía se percibe de forma aún más evidente. El público podrá dejarse seducir por Irving Penn, maestro de las líneas puras y de lo exquisito; Annie Leibovitz, icono y retratista oficial de iconos; Peter Lindbergh, señor del drama en blanco y negro; Paolo Roversi, retratista de lo puro; Mario Testino, dueño de la luz; la teatralidad de Tim Walker y la llamada de la fuerza de Mert Alas y Marcus Piggott; Patrick Demarchelier, el verdadero clásico, siempre deseado; Steven Klein y su visión cinematográfica de la fotografía de moda y muchos otros.
La muestra incluye, además, dos vestidos: el impresionante “Queen Orchid” de la diseñadora china Guo Pei, que dialoga con el retrato que Irving Penn hizo de Cate Blanchett como Isabel I de Inglaterra, y un diseño de Valentino con motivos florales en la sala de fotografía de exteriores y jardines. Yolanda Sacristán, directora de Vogue España, explica que “fue Vogue la precursora de la fotografía de moda cuando, ya en la década de 1920, empezó a reemplazar sus portadas ilustradas por imágenes de artistas tan revolucionarios como Edward Steichen, quien llevaba desde 1911 experimentando con el retrato de moda. Fue él mismo junto con otros grandes colaboradores de Vogue -Cecil Beaton, Horst P. Horst e Irving Penn, principalmentequienes transformaron el género en una forma de arte excepcional, sentando las bases de la fotografía moderna”
Ayer se estrenó en el museo Thyssen-Bornemisza la exposición más esperada de esta temporada, en la que los «mitos» más importantes del pop se reúnen para mostrar al público las obras que les llevaron a formar parte de esta corriente. Bajo el título Mitos del Pop, el museo nos presenta una muestra que desde Arte pop del Museo Reina Sofía de 1992, no se había vuelto a ver nada igual. Más de veinte años después, la comisaria Paloma Alarcó, Jefe de Conservación de Pintura Moderna del Museo Thyssen, propone una visión renovada de esta corriente artística desde la perspectiva que nos ofrece el siglo XXI. Con una selección de más de cien obras, que incluyen tanto la experiencia pionera del pop británico como el pop clásico norteamericano y su expansión por Europa.
Una exposición en la que se pretende rastrear las fuentes comunes del pop internacional y realizar una revisión de los mitos que tradicionalmente han definido al movimiento. El objetivo es mostrar que las míticas imágenes de artistas tan significativos como Warhol, Rauschenberg, Wesselmann, Lichtenstein, Hockney, Hamilton o Equipo Crónica, entre otros muchos, esconden un irónico y novedoso código de percepción de la realidad, un código que aún sigue vigente en el arte de nuestros días. La exposición reúne obras procedentes de más de cincuenta museos y colecciones particulares de todo el mundo, con préstamos destacados de la National Gallery de Washington, la Tate de Londres, el IVAM valenciano o la prestigiosa colección Mugrabi de Nueva York, por citar solo algunos.
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A diferencia de otras exposiciones antológicas o de retrospectivas de algunos de sus principales representantes que han tenido lugar en los últimos años, mostrando el pop como precedente de muchas corrientes artísticas contemporáneas, el planteamiento que propone la comisaria es enlazarlo con la tradición de la pintura, y reivindicar esas raíces que la propia colección permanente del Museo pone de manifiesto con su recorrido por más de setecientos años de historia de la pintura que culmina con la obra de algunos de los grandes nombres del arte pop.
La exposición estará abierta al público desde el próximo 10 de junio al 14 de septiembre de 2014. La entrada costará 11 € para los adultos, siendo gratuita para aquellas personas en situación de desempleo.
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Salvador Dalí, Paul Delvaux, Yves Tanguy, Joan Miró, René Magritte, Max Ernst, grandes pintores surrealistas que el museo Thyssen-Bornemisza nos presenta, bajo la tutela del filósofo y crítico de arte José Jiménez.
163 obras que conforman una colección monográfica en la que lo onírico se hace protagonista de un lienzo en blanco en constante evolución. La muestra recoge en toda su variedad y riqueza, los diversos soportes en los que se despliega esta relación: pintura, dibujo, obra gráfica, collage, objetos y esculturas, fotografía y cine. Una exposición que nos acerca a los pensamientos y sueños más íntimos y profundos de los genios surrealistas. En la que la geometría y la incoherencia aparente, provocan en el espectador una atmósfera de introspección interna. Especial es el enriquecimiento y ampliación del mundo interior, principal objetivo de los surrealistas. En ella podemos observar la enorme influencia que ha ejercido este movimiento artístico en posteriores, como el contemporáneo y su gran interés por descubrir nuevas formas de entender el arte.
El imaginario crea su unión perfecta, gracias a la influencia que tuvo la mujer en el surrealismo, en concreto se desprenden –once: Claude Cahun, Kay Sage, Nadja, Toyen, Dora Maar, Leonor Fini, Remedios Varo, Dorothea Tanning, Ángeles Santos, Meret Oppenheim y Leonora Carrington– como musas de sueños y pensamientos utópicos.
Gracias a centros como el Centre Pompidou (París), la Tate Modern (Londres), el Museum of Modern Art o el Metropolitan Museum (Nueva York), entre muchos otros disfrutaremos de esta magnífica colección desde el próximo 08 de octubre hasta el 12 de enero de 2014.
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