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La tierra marciana de Ridley Scott

Basada en la novela de Andy Weir, The Martian es a los ojos de Ridley Scott, la historia de supervivencia de un hombre en el terreno más hostil de todos: Marte. La premisa principal de The Martian resultará interesante, sobre todo para los niños (ya crecidos) que fallamos en nuestro sueño de ser astronautas y como consecuencia nos apasionan hoy las películas del espacio.

themartian2Mark Watney, que así se llama nuestro superviviente, es un astronauta (y botánico) abandonado en Marte durante una misión interrumpida por una fuerte tormenta espacial. Watney se verá así obligado a intentar sobrevivir en el planeta rojo, a la (larga) espera de que alguien vuelva para recogerle y llevarle a casa. Resulta curioso que The Martian funcione como comedia mejor que como cualquier otra cosa, tanto en sus momentos tensos como en los que no lo son. Nos queda la duda de si es algo buscado, pues su guión denota cierto humor sarcástico en algunos momentos, pero no estamos seguros de que fuera así en pasajes más tensos que, curiosamente, también hacen reír.

Por otra parte, no cae en saco roto el tremendo trabajo de impacto visual de la imagen: el contraste del interior-exterior (nave-planeta): esos blancos impolutos en el interior y ese grano cobrizo exterior resultan espectaculares hasta en el primer fotograma. Y es que The Martian comienza con una escena sin tregua alguna. En el primer minuto el espectador ya se verá en el planeta rojo y con una tormenta espacial encima. Resulta curiosa la manera tan directa en la que comienza la película, sobre todo comparado con lo que viene detrás. No es que The Martian se haga complicada por extensión, pero quizá sí por haberla enfocado hacia su vertiente más mediática. Digamos que la película, a medida que avanza, gana en textura y pierde en coherencia interna.

Es horrible comparar The Martian con Interstellar, pero me themartian1van a permitir decir que estando en el espacio, con Matt Damon a la cabeza del meollo y Jessica Chastain también en el reparto la comparación tenía que salir. Y mejor que lo asumamos más pronto que tarde.

Quien haya visto Interstellar y no haya pensado que Ridley Scott ha cogido a Matt Damon para darle una buena lección de comportamiento, miente. Y quien por el contrario no haya visto Interstellar y viendo The Martian no haya pensado que la situación de Damon ya dramática de por sí, se multiplica exponencial, constante, (innecesaria) y repetitivamente, también miente.

Si Ridley Scott hubiera hecho simplemente un Naufrago versión espacial, estaríamos posiblemente hablando de The Martian como una auténtica ‘masterpiece’, y una ‘masterpiece’ con una exquisita música ochentera además. Sin embargo, confluyen en la película otras subtramas que nada o poco tienen que aportar a lo que interesa aquí: la supervivencia.

The Martian tiene algo muy bueno y es que es precisamente son esas lecciones de comportamiento a Matt Damon, a partir de ahora Mark Watney, las que funcionan en la película. Funciona la trama del hombre superviviente. Funciona y resulta realmente interesante ver cómo vive una persona en la más absoluta soledad de un planeta desconocido y funciona ver que se puede crear donde nada había antes. Que se puede sobrevivir en el medio y sobre todo que se puede sobrevivir AL medio. Con algo de ingenio, eso sí. Funciona incluso la vena filosófica que se atisba en el personaje. El viaje interior de Watney, del que somos partícipes durante la primera mitad de la cinta, gusta.

themartian3Ahora bien, las idas y venidas de la NASA, sus discusiones, su patriotismo exacerbado y su exaltación in extremis (típica tirada de papeles por los aires incluida) junto con la integración en la trama de otros países y el DEMASIADO EXTENSO embrollo que entre todos organizan para rescatar al polizón perdido, la verdad es que nos importa…cero. Nada. Desgraciadamente no podemos decir que son cosas que “están fuera de lugar” porque no hay mejor lugar para que ocurran que el hecho de que un astronauta se ha perdido en Marte… Pero lo cierto es que nosotros lo único queremos ver a Mark Watney adelagazar, coserse él mismo las heridas y quemarse la cabeza con un quemador casero. Queremos ver a Mark Watney en soledad y el reto de hacer un huerto espacial con riego automático por condensación de agua, queremos ver al hombre crear. Y no, no queremos que su rescate sea televisado (QUÉ?).

En The Martian, Ridley Scott no parece darse cuenta de dónde se encuentra el filón de su película (o no le importa ni lo más mínimo) y es ahí donde la cinta pierde en gran parte su razón de ser, enlazando un punto de giro con otro, adversidad tras adversidad, problema tras problema: entre la nave que está volviendo la Tierra y la NASA, entre jefes de otros jefes de la NASA, entre la NASA y los orientales, entre la NASA y la NASA (¡¿?). Problemas por todas partes. Demasiadas trabas, algunas de ellas extremadamente rebuscadas… que tienen como consecuencia el cansancio absoluto por toda la tremendez que allí tiene lugar. El empeño por mostrar la fuerza “del equipo” resulta extenuante, más levemente cuando entra en escena el maravilloso personaje de Rich Purnell y su “Proyecto Elrond” que aporta frescura y carcajadas limpias, además de un ambiente más distendido a una cinta que se nos había quedado en standby hace media hora a pesar de su repartazo.

Y es que cuando vas a ver una película del espacio y te ofrecen tremendeces, puedes comprar o no. Pero cuando vas a ver una película del espacio que ofrece algo más que tremendeces y te obligan literalmente a verlas, la cosa cambia. Y en este caso nosotros solo veníamos a ver el potato challenge

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El hombre frente a la naturaleza

Al mal tiempo, buena cara. Eso diEverest3cen. Y en Everest se aplican bien el cuento. Para empezar, la película, dirigida por Baltasar Kormákur es un chorreo de personalidades cinematográficas, unas mejor que otras en sus papeles. Hay que decirlo. Quizá la manufactura de guión no fue tan productiva como se presumía, y además de introducir más guionistas, la producción tuvo que empezar a introducir celebrities en la cinta…

Porque seamos francos: Everest tiene bastantes puntos huecos… ¿por qué los personajes se preguntan la razón por la que suben al Everest, habiendo llegado ya hasta allí?, ¿por qué algunos de los personajes son tan poco creíbles aún estando inspirados en personas reales? ¿POR QUÉ leches hay un jarrón de flores en un campamento base en medio del Himalaya? ¿por qué la película desinfla tanto en un tramo final absurdamente acelerado y brusco? ¿por qué demonios Hollywood se empeña en meter el 3D en absolutamente TODO? Estas son sólo algunas de las preguntas que por lo pronto se agolpan tras ver la película, pero lo que resulta aún más inquietante es que aún así Everest también tenga aciertos que subyacen, y que a la que escribe le resultan cuanto menos interesantes y destacables.
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En la película, hay algo que llama la atención a pesar de que se hace brevemente y casi de pasada, pero de manera muy contundente; y es poner en entredicho a las compañías organizadoras de excursiones en la zona: “ojalá alguno de los alpinistas regrese habiendo hecho cima este año”, una simple frase para resumir el grado de interés y buena publicidad que buscan este tipo de negocios de cara a la galería. Una galería, por cierto, maltrecha a raíz de la tragedia retratada en la película.

everest5Otro de sus aciertos es haber dejado a la montaña jugar su función: no encontramos en la película un antagonista como tal, no hay un villano, ni alguien que quiera hacer el mal. Hablamos de un grupo de alpinistas que encuentran su mayor peligro en la montaña en sí. Eso, contradictoriamente, podría haber sido un error catastrófico. Pero Kormákur es consciente de que de haberle dado rienda suelta a todo el potencial de catástrofes que puede sacarse de esa maravilla natural, la película podría haberse convertido en cualquier film de desgracias causadas por las fuerzas de la naturaleza. Así que aquí se hace todo lo contrario, y se deja que sean los protagonistas, las personas, los que lleven las riendas de esa aventura tan peligrosa en la que se convierte coronar un monte como el Everest, un pico que a los ojos del director de fotografía Salvatore Totino es, si cabe, aún más espectacular. La película nos deja escenas aéreas memorables y que son una auténtica maravilla para la vista (la modelo ayuda, está claro). Una maravilla que hubiese resultado aún más espectacular si –de nuevo- el (en este caso inapreciable) 3D no estuviera por medio apagando más que avivando la luz propia que de por sí ya tiene el Everest.

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Sin duda es esta la manera de encarar la película para que resulte satisfactoria: dejando que sea la propia montaña la que te maraville, sin pararte demasiado a pensar en la cantidad de personajes que hay y sin esforzarte por localizar en el tramo final a cada uno de ellos: fácil perderse entre tanto traje y tanta gafa de ventisca.

Pero para el que se agobie: oxígeno y a disfrutar de un paisaje que pocos van a tener la suerte de poder tocar alguna vez. Con eso nos quedamos.

¡Programación a la vista! Sitges 2015 en 3, 2, 1…

Parece que fue ayer cuando correteábamos por Sitges en busca de una entrada para Under the skin, What we do in the shadows, The babadook o It follows, pero esta época del año ya casi ha llegado de nuevo y la que escribe, no puede tener más ganas de la nueva edición del Festival Internacional de Cine Fantástico de Sitges.

Esta misma semana se hacía pública la programación y, como ya viene siendo un hábito, hay un poco de todo. Cintas radicales del género, otras más light, otras que sorprenderán y otras que pasarán desapercibidas (esperemos que las menos).

macbethLa programación de la sección Oficial Fantàstic Competició contará con propuestas de nacionalidades emergentes en el cine del género, como el film turco Baskin, de Can Evrenol que apunta a ser un festival del gore en toda regla, también estará presente el cine estadounidense con lo nuevo de Sean Byrne (The Loved Ones) y su film The Devil’s Candy, relato sobre posesiones satánicas. El toque –extra- de originalidad puede ponerlo Bone Tomehawk, de S. Craig Zahler, un western reconvertido en una película de terror protagonizada por dos líderes de generaciones: Kurt Russell y Matthew Fox. Macbeth, la nueva película de Justin Kurzel, que une a Michael Fassbender y a Marion Cotillard bajo un mismo objetivo, también se estrenará en las pantallas sitgeras. Aún nos queda por saber si alguno de estos dos pesos pesados del star system hará acto de presencia en Sitges.

Esta sección también acogerá otros filmes como The Final Girls, de Todd Strauss -¿se convertirá su protagonista, Taissa Farmiga, en una “amiga” del festival?- ; Demon de Marcin Wrona, sobre el hallazgo de unos huesos humanos en el terreno de la futura casa de una pareja; Journey to the Shore de Kiyoshi Kurosawa, un relato fantástico sobre una viuda que perdió a su marido en el mar, o la danesa What we become, de Bo Mikkelsen, acerca de un brote mortal de gripe y el aislamiento total de una familia por intentar evitarlo. Apichatpong también aterrizará este año en Sitges con su Cemetery of Splendour, que ya viene con el hype subidito desde el pasado festival de Cannes y que por fin tendremos oportunidad de ver en nuestro país.

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Películas como The Boy (Craig MacNeill), Endorphine (André Turpin), y el nuevo título de Alex van Warmerdam, ganador del año pasado con Borgman, Schneider vs. Bax, se suman a las películas ya anunciadas hace algunas semanas: Love, de Gaspar Noé; Victoria, de Sebastian Schipper; Green Room, de Jeremy Saulnier; The Gift, de Joel Edgerton; Turbo Kid, de François Simard, Anouk Whissell y Yoann-Karl Whissell; Yakuza Apocalypse: The Great War of the Underworld, de Takashi Miike; Life, d’Anton Corbijn; Le tout noveau testament, de Jaco Van Dormael, o Last Days in the Desert, de Rodrigo García, entre otros.

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También sabemos ya qué películas serán las encargadas de inaugurar y clausurar el festival: en la clausura, se proyectará la película Into the Forest, un thriller protagonizado por Ellen Page y Evan Rachel Wood, que narra la vida de dos hermanas que intentan sobrevivir en un futuro apocalíptico en el que un apagón masivo indica el fin de la humanidad. La obra inaugural corre al tanto del director Robert Eggers, The Witch, que ya se alzó con el premio a mejor dirección en el pasado festival de Sundance y entusiasmó a crítica y público por partes iguales

 

Como ya es habitual, el festival ofrece también otros géneros que youth_sorrentinosin ser fantástico, conviven con él, la sección Oficial Òrbita proyectará thrillers como La prochaine fois je viserai le coeur, original título protagonizado por Guillaume Canet; o la comedia británica The Legend of Barney Thompson, dirección e interpretación de Robert Carlyle. Por su parte, la sección Oficial Especials, mostrará la última aventura de los Monty Phyton, Absolutely Anything; también pasará por esta sección lo nuevo de Paolo Sorrentino, Youth, que viene precedida del éxito que maravilló a la crítica: La grande bellezza.

Anomalista_Charlie_KaufmanLa películas más transgresoras del festival se darán cita en la sección Noves Visions, reestructurado en dos grandes bloques: One y Plus. La sección One proyectará lo más nuevo de nombres reconocidos del panorama internacional: aquí se incluirán películas como Anomalista, de Charlie Kaufman, cerebro detrás de algunas de las grandes películas de Spike Jonze; o Cosmos, de Andrzej Zulawski, recientemente galardonada en Locarno. Por su parte, Plus, recogerá títulos que servirán para dar a conoce nuevos talentos: ojo a Der Nachtmahr, que promete ser una de esas películas que, para bien o para mal, no olvidas.

Fantàstic Panorama recogerá por su parte las películas más independientes, mientras que Documenta dará a conocer trabajos de no ficción sobre el género. Aquí se proyectarán películas imperdibles para los fans del sci-fi como Dark Star – HR Giger’s World sobre el “padre” del Alien.

Anima’t como ya es habitual proyectará las propuestas de animación más llamativas de la actualidad y, por su parte, Midnight X-treme hará las delicias a los más nocturnos del festival con su terror independiente.

No faltará tampoco el mejor cine asiáticoThe_Assassin a mansalva (con otra de Cannes, por cierto –The Assassin-), ni el ya mítico Sitges Clàssics, que este año cumple su 20 aniversario. Aquí se rendirá homenaje a la película Seven, de David Fincher, cuya temática protagoniza el cartel de festival en esta edición. Edición que por cierto gana una sala (la antigua sala Tramuntana) Sí. Lo sabemos, ya era dificil organizarse con tres salas + Brigadoon, y ahora veremos cómo nos organizamos con las películas divididas en cinco salas…

Pero ni una sala más ni una sala menos nos quitan la ilusión. Sitges ya está oficialmente a menos de un mes. El próximo lunes empezamos a hacer la parrilla de visionado para que no se nos escape nada. Las entradas salen a la venta cuatro días después, el 18 de Septiembre a las 12 de la mañana.

Y sabemos que está mal repetirse, pero vamos a empezar la cobertura del festival como la acabamos el año pasado: ¡LARGA VIDA A SITGES!

Las emociones de Pixar

A estas alturas, quién no haya sufrido, reído, llorado y gritado con una película de Pixar, es que no tiene corazón. Han pasado la friolera de 20 años desde que la factoría internacional de animación sacara a la luz su más famosa (aunque después vinieron auténticos hits) obra protagonizada por aquellos adorables juguetes parlanchines que nos acompañaron en nuestra infancia (bueno, y en nuestra madurez). Toy Story se estrenaba revolucionando las técnicas digitales de la animación y consiguiendo, de paso, todas las alabanzas posibles de público y crítica. A esta primera entrega de Toy Story le siguieron dos más, a cuál mejor, y muchas lágrimas en su final.

También le siguieron auténticas obras sobresalientes como Wall-E, Brave, Up o Buscando a Nemo y ¿quién no recuerda en todas ellas haber pasado un buen y un mal rato? Si algo caracteriza al mundo Pixar (y posiblemente sea su mayor e inigualable sello) es su capacidad para conseguir que el espectador empatice con los personajes casi de manera inmediata y en un par de pinceladas.

Como homenaje a todas esas sensaciones que nos han acompañado estos años en la gran pantalla, Lindsay McCutcheon (usuaria de Vimeo) editó un vídeo de unos seis minutos titulado Emotions of Pixar en el que se suceden una tras otra algunas de las escenas y momentos más míticos de la historia filmográfica de Pixar.

Si sois especialmente fans de Pixar, podéis ir preparando el paquete de pañuelos.

‘Del Revés’: el mundo de las emociones desde dentro

Ambiciosa, delirante, originalmente única y tremendamente divertida. Con razón Inside Out es la película que atrapó a toda la crítica de Cannes el pasado festival, y con razón lleva ya recaudados más de 250 millones de dólares.

insideout3Inside Out es en esencia, lo que muchos llevan intentando hacer en el cine durante años: tratar las emociones. Y posiblemente sea este el mejor coming-of-age que veamos en todo este año y en algunos más después.

Pete Docter firma la que es, sin miedo de decirlo, la mejor producción de Pixar desde Toy Story 3. Y sin duda la más original, y la que va a sacar de más de uno más lágrimas de las que se quieren soltar en medio de una sala de cine.

Inside Out cuenta la historia de Riley, una niña que se ve obligada a cambiar de ciudad por el trabajo de su padre; aunque en realidad la película cuenta la historia de las emociones que viven en la pequeña. Joy (Alegría), Fear (Miedo), Anger (Ira), Disgust (Asco) y Sadness (Tristeza) son las 5 piezas del volcán en llamas que es Riley (y que somos todos por naturaleza) los años previos a la pubertad.

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Este ámbito de la pubertad siempre ha sido uno de los filones más explotados en el cine, con sus más y sus menos acertadas películas y, obviamente, la originalidad de Inside Out no reside tanto en su premisa básica, como en la forma que adopta para desarrollarla y es que en ese sentido, Inside Out es una propuesta arriesgadísima y muy loca, cuya inteligencia y resolución son descacharrantemente sobresalientes.

Como sobresaliente es también la construcción del lugar en el queinsideout1 habitan las emociones de Riley, desde las islas de la personalidad, el almacén de recuerdos, el mundo de los sueños, el vertedero, hasta esas bolas-recuerdo a lo Minority Report… todo en Inside Out está pensado para los más pequeños, pero diría que más para los mayores que serán capaces de adoptar cualquiera de los elementos que conforman a Riley como algo propio, aunque en realidad solo estemos delante de cinco personajes que representan la personalidad de una niña de once años.

Estas cinco coloridas emociones viven en un centro de control/operaciones desde donde controlan a la pequeña, y la ayudan a tomar sus decisiones, aunque no siempre éstas salgan bien. Joy (Alegría, cuya voz es la de Amy Phoeler) es la emoción más importante de Riley y trata de mantener el optimismo en todo el centro de operaciones, sin embargo, se ve inmiscuida en un pequeño conflicto que dará paso a la aventura emocional (no solo para Riley, sino también para el espectador) que supone el visionado de Inside Out. Más aventura emocional será, si se me permite decirlo, para aquel que vaya a ver la película sin haber descubierto aún que en la vida, para ser felices no solo debemos vivir felicidad y que ésta no significa absolutamente nada sin la cara “menos alegre” de la moneda, la tristeza.

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Inside Out nos habla de una manera tan clara que asusta; nos habla de crecer y dejar paso a lo que vendrá, de olvidar, de filtrar recuerdos, o también ¿por qué no? de reavivar otros que ya creías en el vertedero… Habla de todo lo que al final acaba significando una cosa (no) tan simple como madurar o aprender a ser feliz. Porque sí, a ser feliz también se aprende. Y entre gag y gag, entre carcajada y carcajada (hay muchísimas), poco a poco vamos viéndonos reflejados en cada paso que toma el guión de Inside Out; y es que apunta directamente a nuestros recuerdos esenciales más personales.

Siinsideout6 de algo estamos ya seguros es de que Pixar hace tiempo que no hace películas para niños o, al menos, no solo para niños. Y el discurso que se puede hacer de Inside Out tras verla, bien les valdrá más a los padres que a los pequeños que estén sentados en la sala: hay que aprender de los problemas, hay que llorarlos, hay que dejar aflorar a las emociones, no cegarlas, y sobre todas las cosas, Inside Out habla de valorar también la tristeza; la misma que muchos encierran automáticamente y bajo llave. Por algo en Inside Out no existe un “villano”; y es que no hay que ser un lumbreras para darse cuenta de que el peor villano de todos, puedes llegar a ser tú mismo.

Señores, la vida no se resuelve solo con sonreír y pensar en positivo y el cine de animación nos vuelve a hablar altísimo y clarísimo, y nos vuelve a dar lecciones como pianos. En ese sentido, ojalá todas las películas fueran como ésta.

Y ahora una nota para quien ya haya visto la película: ¿Es o no es ya el “Triple Dent Gum» un recuerdo esencial en vuestras vidas?

¡Larga, larguísima, vida a Pixar!

Jurassic World: «la vida siempre se abre camino»

Veintidos años después del desembarco de la primera entrega del mito jurásico, llega a los cines Jurassic World, la cuarta entrega de una de las franquicias Hollywoodiense más famosas de todos los tiempos: Parque Jurásico. Es tan imposible no pensar en Parque Jurásico al sentarte en el cine a ver Jurassic World, como imposible es hablar de la segunda sin caer en el placer culpable de compararla con la primera. De hecho, error es no ver Jurassic World como lo que es: un ejercicio cinematográfico que más que innovar, intenta rendir pleitesía a su original.

Jurassic World parte de una base muy, muy complicada: unos fans muy entregados y, también, muy cabreados con sus dos anteriores entregas. Y es que seamos francos: ninguna de ellas estuvo a la altura de la primera, y ninguna de ellas supo mantener ni siquiera el espíritu de ésta. Jurassic World, por su parte, no sólo mantiene el tipo de principio a fin, sino que además consigue manejar bastante bien un guión con los justos y necesarios tintes cómicos para que nadie eche de menos al (adorable) personaje de Jeff Goldblum (Ian Malcom en Jurassic Park).

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JWSuperBowlTrailer-Raptors1Jurassic World sigue basándose en su fórmula clásica de cuatro pilares separados por azar. Nunca olvidaremos a los pequeños Tim y Lex, intentando huir de Isla Nublar de la mano de Alan Grant (Sam Neil) y Ellie Sattler (Laura Dern). Ahora, nuestro cuádruplo vencedor está formado por Owen Grady (Chris Pratt) amaestrador de velociraptores (¡SÍ, señores!), Claire (Bryce Dallas Howard) jefa de operaciones del parque, y los hermanos Gray (Ty Simpkins) y Zach (Tim Robinson) sobrinos de Claire en periodo vacacional visitando a su tía en el mayor parque temático que nadie (excepto el viejo Hammond) hubiera podido imaginar. El mundo de Jurassic World es ahora una realidad que no tardará en tambalearse para dejar paso a la aventura que más nos gusta: la de los dinosaurios descontrolados en un parque y un entorno bastante más moderno que veinte años atrás.

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En el ámbito de los personajes, Jurassic world se mueve en un terr31724eno bastante sencillo, pero efectivo. Tampoco hace falta más. De los memorables personajes de la primera entrega (que básicamente eran TODOS) de ésta última quizá solo destaque el pequeño Gray Mitchell. El espíritu de Tim está presente en el joven Gray, rebajado al 50% de repelencia, eso sí. Gray representa la sabiduría de Tim y los miedos y la ternura de Lex. Y no, ya sabemos que nunca jamás olvidaremos frases como “he vomitado”, “¡Volvemos a estar en el coche!” o “galli-galli-¡gallimimus!” pero lo cierto es que con el personaje de Gray, el pequeño Tim y Lex se sienten de una u otra manera en Jurassic World, aunque no estemos en el Jurassic Park de Spielberg.

Y es que el bueno de Spielberg no se desentendió para nada del proyecto jurásico, pero no quería dirigir. Por ello le echó el ojo a un director apenas conocido en nuestro país (Colin TrevorrowSafety Not Guaranteed-) para dirigir Jurassic World. Y dio en el clavo. Sin comerlo ni beberlo, el señor Trevorrow se vio en la agridulce tarea de dirigir esta marabunta y ha terminado cumpliendo las expectativas o, como mínimo, aguantando el tipo.

8acRGDoJurassic World guarda la misma estructura clásica que Spielberg sabe hacer tan bien. ¿Y alguien esperaba carcajadas en Jurassic World? Pues las hay. En ese sentido, Jurassic World parte de una base ganadora que se llama Chris Pratt, en el papel de tonti-listo salvador, cachitas y, además, buena persona. ¿Típico? Sí. ¿Error? Para nada, pues funciona a la perfección.

Error es ver Jurassic World como algo que no es: una película innovadora, deudora de contarnos una historia súper original. Esto ya se hizo hace 22 años. Jurassic World no intenta ser Jurassic Park; Jurassic World intenta guardar y, sobre todo, reavivar y venerar la memoria de Jurassic Park. Son dos cosas bien distitnas. Es imposible no ver las decenas de auto-referencias, los guiños, los planos y las secuencias en cuyo transcurso nuestra memoria vuelve inevitablemente a 1993: los niños excavando los huesos de dinosaurio, los gallimimus corriendo por la pradera, el vehículo esférico siendo atacado, el braquiosaurio enfermo…por no mencionar la visita al antiguo centro de operaciones cuyo primer plano de la puerta y la entrada del Indominux Rex pone, literalmente, los pelos de punta. Por no hablar de la música de Giacchino, cuya dificil labor era la de, al menos, mantener el espíritu del eterno maestro John Williams, cosa que consigue a la perfección.

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Es un error de base ver Jurassic World como una película que ha llegado para quitarle la medalla al Jurassic Park primigenio, único y original. Jurassic World ha venido para hacernos querer volver a aquel parque. Querer abrir de nuevo sus puertas. Querer guardar la respiración porque se acerca un T-Rex. Querer volver a vivir la tensión de aquella cocina mítica. Querer volver a los jóvenes 90. Querer ser niños. O padres con niños. Volver a sentarnos en aquella butaca y disfrutar, simplemente disfrutar.

La muerte de Bart y el divorcio del matrimonio Simpson

Algo está revolucionando las redes sociales: la muerte de Bart Simpson, el hijo más macarra de la televisión por fin morirá en la temporada 27 en el especial de la casa del árbol. El encargado de poner punto y final a la vida del muchacho será su archienemigo, el actor secundario Bob, personaje recurrente que le tiene ganas desde que fue encarcelado en prisión por su culpa.

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