Ruben Lorca, cuando el arte no es una hoja en blanco

El arte es imposible resumirlo en una simple hoja en blanco y más, cuando cada día en nuestro país se marcha una joven promesa del arte para «labrarse un futuro» fuera de nuestro país. En 2013, 43.600 jóvenes se marcharon a vivir al extranjero para conseguir un «empleo» o perseguir sus sueños por los que tanto han luchado e invertido horas de estudio y sacrificio. Teniendo en cuenta que, la tasa de paro entre los jóvenes en nuestro país ronda el 51,8%, según la última Encuesta de Población Activa (EPA) del INE, es obvio reflexionar sobre la cantidad de artistas con un enorme potencial que estamos dejando escapar. Esto es lo que le ocurrió a nuestro artista de éste mes. Rubén Lorca, murciano y apasionado del arte dejó España para seguir su sueño: ser artista. Ahora, Cardiff es su casa y desde allí nos cuenta sus reflexiones a cerca de su trabajo y de la situación actual de la cultura en nuestro país.

Porque nos gusta la gente que lucha por sus sueños , que no se rinden y llevan el arte por bandera. Hoy, MalaTinta habla con Rubén Lorca.

¿Quién es Rubén Lorca?

Empezamos con una difícil…un artista murciano que ahora vive en Cardiff.

El fondo de MalaTinta lleva este mes tu sello, ¿cómo te planteaste éste reto?

Quería sobre todo que quedara patente el estilo que llevo entre manos, y que fuera algo representativo y propio.

Me llama la atención la manera en la que te defines como «artesano gráfico», ¿Cuál es tu función como tal?

Normalmente se califica a un artista por una de las actividades que desarrolla, pintor, ilustrador, fotógrafo. He estado tanto en contacto con el medio digital como técnicas tradicionales de ilustración y me parece original este modo de referirme a los artistas multidisciplinares que aúnan varios modos de trabajar con este juego de palabras que a priori parecen contradecirse.

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¿El artista nace o se hace?

Esta es una de las preguntas difíciles que no encontraron respuesta cuando la debatíamos en la universidad. Muy posiblemente dentro de todos nosotros haya un artista en potencia, como también un bombero o un abogado, pero una vez leí que el genio se hace con un 1% de talento, y un 99% de trabajo. El interés y la vocación artística pueden estar pero una experiencia y una formación concreta me parece importante.

No creo que haya que acudir a la universidad para ser artista, pero si para ser un profesional del arte y conocer sus estratos.

¿Fotografía o ilustración?

Sin duda ilustración, la fotografía me entusiasma pero yo me siento ilustrador. Por las nuevas tecnologías, redes sociales y el tipo de sociedad en que vivimos, tengo la impresión de que todo está montado para que uno haga unas fotos impresionantes. El campo de acción de la fotografía es infinitamente más amplio que el de la ilustración.  Todo el mundo tiene acceso a un artilugio con cámara de fotos a su alcance con cientos de filtros y valores pre-establecidos que dan resultados fastuosos, conozco decenas de personas que hacen fotografía y muchas menos que ilustren, pinten o dibujen, parece que parte de la sociedad se ha adueñado de la fotografía, la han aprehendido como algo inherente a su modo de vivir y expresión. Sin embargo esto de momento no esta sucediendo con la ilustración o el dibujo y me atrae.

Por otro lado, las distintas disciplinas artísticas pueden cohabitar entre ellas y potenciar sus cualidades, no creo que haya que elegir entre fotografía e ilustración,  creo que la intervención sobre una fotografía con distintos  materiales incluso el collage o el fotomontaje son métodos muy interesantes.

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La hoja en blanco: ¿amiga o enemiga?

Amiga sin duda. No me supone esfuerzo comenzar una obra. Otra cosas es cuando has empezado un trabajo y no sabes que decisión será la correcta o si no te encuentras cómodo con él y te niegas a desecharlo y empezar otro.  Ahí si que se convierte en enemiga por que trato de hacerlo lo mejor posible y si eres muy exigente hasta dar con el resultado optimo, incluso puede ser una cruzada obra-artista. Creo firmemente que ese momento conflictivo es vital para el artista, seguir una intuición, buscar ese elemento que sacie tu instinto es fundamental.

Evidentemente hay proyectos con los que me siento desalentado, hay que ser perseverante y tenaz, pero cuando has intentado sacar el máximo de tu creatividad, lo único que puede arreglar ese desacierto es empezar otro trabajo. Me siento muy afortunado de poder expresarme y comunicar lo que pienso por medio de la ilustración.

Destacas que tus ilustraciones se caracterizan por tratar temas como la androginia o la religión, ¿Cómo definirías tu función como ilustrador?

Que la imagen es un elemento sumamente poderoso, es un tema nada fácil de asimilar y aceptar, quizá el ejemplo más claro sea el referente a la religión, incluso en nuestra época muchas personas llevan una estampa en la billetera, en el bolso o en coche, ya sea por devoción, superstición, protección, etc. Colgamos en nuestras casas fotografías de difuntos incluso las besamos y nos dirigimos a ellas. Creo que no somos conscientes del poder que un símbolo o imagen puede ejercer sobre nosotros.

Hoy día el ser humano está acostumbrado a que todo cambie con asombrosa rapidez, sin ir más lejos en la era digital en la que nos encontramos todo es fugaz casi imperceptible, estamos bombardeados por continuas representaciones, que si bien podemos valorar, también por norma se desechan con rapidez y se parte en busca de otra nueva experiencia visual que igualmente analizaremos en unos pocos segundos.

No es fácil crear una imagen lo suficientemente potente como para que el observador le dedique más de diez.

Lo que intento es atraer esa atención, esa intriga que permita al espectador continuar con la historia que yo, ya sea con una fotografía o ilustración comencé. Después de todo estas obras son meras extracciones de un instante en el tiempo que aún ni siquiera por el medio fotográfico podríamos encontrar màs que discretas analogías con la realidad.

Los personajes de mis trabajos son los elementos primeros de un discurso, de un aviso que busca respuesta,  o porqué no pregunta, por parte del que los contempla.

 ¿Piensas que el arte siempre debe tener un objetivo y una finalidad?

 Creo  que esta cuestión  está supeditada a la  época y la cultura  en la que situemos tanto a creador  como  a receptor.

Los primeros vestigios artísticos  primitivos parecen estar relacionados con actividades y prácticas de carácter mágico-religiosas, no creo que sean  muy distintas de las imágenes religiosas que se pasean en procesión por las calles de nuestras ciudades, sin embargo estas ultimas son consideradas en occidente arte elevado. Pero no producirán el mismo efecto si las observan los componentes de una  tribu indígena en Brasil, ya que desconocen nuestra cultura.

Entiendo el arte como una expresión por parte del  sujeto que lo produce, posiblemente habrá un público que reciba el mensaje que el artista quiso crear, si es que lo hubo, y otro que no, pero a su vez también recibirá un tipo de información y emitirá un juicio.

Eso me parece lo atractivo del arte, es un lenguaje diverso y elástico; a veces lo veo como lanzar un mensaje dentro de una botella desde lo alto de un acantilado, no sabes quien podrá recibirlo, si hablará tu lengua y podrá entenderlo, si valorará el esfuerzo que has hecho, creo que esto forma parte de la inseguridad y zozobra en la vida del artista.

Personalmente me parece importante agitar al espectador, que no quede impasible ante lo que ve, ese es mi objetivo y finalidad en lo que al objeto final se refiere.

Si el actual ministro de cultura José Ignacio Wert se sentara contigo y te preguntará qué hacer para mejorar la situación a la que se enfrentan todos los artistas que intentan hacerse un hueco en el mundo del arte ¿Qué le contestarías?

El sistema educativo y social no favorece el desarrollo creativo ni artístico. Así que, no pienso que el problema principal sea del partido político  en cuestión que se ocupe de gobernar el país. Bien es cierto que tanto  becas como ayudas se han visto reducidas últimamente.

Opino que materias como la expresión plástica o corporal vienen siendo denostadas desde hace décadas en pro de otras como las matemáticas o el lenguaje, para mi ese es el principal problema de un artista. Es complicado en muchas ocasiones encontrar el apoyo y la comprensión de incluso gente cercana cuando decides realizar una carrera relacionada con el arte.

Bajo mi punto de vista es fundamental promover una formación creativa que permita a los niños desarrollar el potencial inventivo que por el mero hecho de ser niños poseen, no frenar ni acotar sus instintos.

Muchos de nosotros dibujábamos de pequeños por que no teníamos miedo a hacerlo a nuestro modo, sin reglas a seguir ni métodos, en muchas ocasiones casi inconscientemente son los adultos los que les dicen que los arboles son verdes y que los pies deben estar tocando el suelo.

¿Piensas que se puede vivir del arte?

 La gran mayoría de artistas  desde tiempos antiguos han tratado de compaginar lo que realmente les emociona  con  lo que se les “ordena”, si consigues convivir en equilibrio con estos dos factores  ya llevas mucho andado. Realmente supongo que dependerá del concepto que cada cual tenga en cuanto a la palabra arte. Según el mío, es muy difícil, puedo contar con los dedos de una mano a la gente que conozco y vive del arte tal cual yo  lo entiendo. Yo no soy uno de ellos, he trabajado de diseñador gráfico en una empresa de serigrafía textil, como teleoperador de emergencias, y siempre compaginando con trabajos de diseño gráfico como freelance, pero realmente nunca he dejado de producir obra, ya sea, pintura, fotografía, collages, etc.

Como decía antes, encuentro una línea gruesa entre lo que me “ordenan” y lo que haría aunque no recibiera una retribución.

¿Un referente?

Uno de mis artistas favoritos es Jerónimo Bosch, El Bosco, los personajes de sus obras me parecenincreíbles, impropios de un artista que nació en 1450, que incluso hoy siguen siendo objeto de estudios e interpretaciones. Los precursores del expresionismo alemán me parecen interesantes, hay que valorar no solo la obra y la literatura que se desarrolla con ella, sino también, el momento social en que se origina. La ruptura y la deformación de la realidad en pro de los sentimientos del artista era la peculiaridad de este grupo de pintores en los que se encontraban Emil Nolde o Kirchner, aun hoy esa tendencia me parece muy valiente y atrevida.

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No podrías vivir sin…

Reinventarme cada día. Si no tuviera conmigo mis útiles de dibujo crearía imágenes  con cualquier otro material, esparadrapo, cinta adhesiva, etc, sobre cualquier otra superficie que no fuera un papel en blanco, fotografías, cristal, asfalto.  Esa actividad me hace sentirme vivo.

Necesito estar en continuo estado de creación, es mi modo de vida, no concibo vivir sin crear, ya sea dibujando, fotografiando, restaurando un mueble o customizando unas zapatillas.

Para terminar no me gustaría despedirme sin antes preguntarte ¿qué se trae entre manos Rubén Lorca?

Hace unos meses que estoy viviendo en Gales, intentando abrirme un hueco por aquí y conocer gente nueva relacionada con el arte en general.

En cuanto a producción, estoy trabajando duro, técnicas tradicionales sobre todo, ilustraciones-collages con esparadrapo y tinta, potenciando un estilo  robusto y turbador, con el que me siento cómodo y disfruto mucho del proceso y del resultado final, en estas últimas obras aparecen una serie de sujetos que me gusta llamar los habitantes, quien sabe si con el tiempo pueda crear una recopilación de todos ellos en una especie de animalario o libro de familia universal.

No quiero dejar pasar la oportunidad de felicitar a toda la gente que compone Malatinta por su gran dedicación y agradecerles la oportunidad de participar en su publicación.

Por último saludar a los lectores, y por supuesto si alguien pasa por Cardiff que no dude en contactar conmigo para tomarnos  unas pintas o un café.