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Calendario Pirelli ahora desnuda famosas emocionalmente

El calendario Pirelli es casi tan famoso como la Navidad misma y tan esperado como Papá Noel y los Reyes Magos. Sin embargo, el almanaque llega antes y se disfruta también algo más, porque ya comienza a calentar motores con la presentación de cuatro de las imágenes que nos acompañarán a lo largo del próximo 2017. En esta ocasión y como ya anunció la compañía, dejan a un lado los desnudos para centrarse en su faceta más artística a través de fotografías que, como suele ocurrir en sus casi nueve décadas de historia, marcarán tendencia.

[Así subió la temperatura con el calendario Pirelli 2015]

En esta ocasión, los cuerpos despampanantes de modelos semidesnudas dejan paso a imágenes de alto contenido artístico protagonizadas por actrices de Hollywood de la talla de Nicole Kidman, Penélope Cruz, Helen Mirren, Julianne Moore, Jessica Chastain, Kate Winslet, Robin Wright o Uma Thurman, que nos acompañarán mes a mes a lo largo del próximo año para señalarnos el paso del tiempo hasta poder recibir de nuevo con los brazos abiertos este cuidado almanaque.

IMPORTANTE: Las famosas modelos, ¡NO LLEVAN MAQUILLAJE!

Uma Thurman

Uma Thurman

Nicole Kidman

Nicole Kidman

Julianne Moore

Julianne Moore

Robin Wright

Robin Wright

Los diseños de vestuario más icónicos de los Óscar

Un año más, la gala de los Óscar ya está aquí. Será el próximo 28 de febrero cuando podremos disfrutar de la esperadísima alfombra roja para ver las mejores galas de nuestras celebrities favoritas y cuando conoceremos si por fin, nuestro querido Leo se va con su más que merecida estatuilla para casa o si, por sexta vez –que se dice pronto- se va de vacío. Puro morbo. Y con motivo de esta nueva edición, el portal Stylight se ha puesto manos a la obra para traernos una genial recopilación con los 15 diseños de vestuario más impresionantes de toda la historia de los Óscar. Porque seamos honestos, las películas sin un buen vestuario, no serían las mismas. Y es que, que levante la mano el valiente que pueda imaginar a Frodo Baggins con vaqueros y camiseta o a Darth Vader luciendo un traje a lo Barney Stinson. No, no y no. ¡Incluso los mejores actores necesitan el diseño adecuado para convencer a los espectadores de su papel! Porque como bien dijo Edith Head, ganadora de ocho veces al Óscar en esta categoría: “Jugamos con la idea de convertir a los actores en lo que no son.

Vestimentas históricas, trajes de fantasía, vestidos de ensueño y diseños que no fueron galardonados, pero que claramente se lo merecían, han sido los 15 elegidos. ¡Pasen y vean!

Trajes históricos que jamás olvidaremos

Los trajes históricos son una herramienta de caracterización fundamental. Y es que, permiten reflejar una situación mucho más realista que nos haga pensar que estamos viendo la realidad de una época. Para ello se necesitan incontables horas de trabajo y de investigación para diseñar los espectaculares trajes, siendo fieles a la época.

Lo que el viento se llevó

El vestuario de esta película influenció la moda de las novias de boda durante décadas. ¡Incluso Dior se dejó influenciar por la popular película para crear su icónico “New Look”.

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My fair lady

Sin duda, uno de las creaciones más bonitas de la historia del cine. No es de extrañar que el famoso vestido que lució Audrey Hepburn en My fair lady fuera subastado en 2011 por 3,7 millones de dólares.

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Titanic

El inolvidable vestido rojo de Rose en Titanic estaba decorado con piedras de vidrio y se necesitaron más de 1.000 horas de trabajo para crearlo. Este traje aparece en la memorable escena en la que Jack detiene a Rose justo en el momento en el que intenta saltar de una de las barandillas de la cubierta del barco. ¿Alguien no recuerda esa escena?

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Braveheart

A pesar de que los escoceses de la época no llevaban faldas medievales, la pieza sirvió de inspiración para la colección otoño-invierno 2015 de Prada. Incluso personalidades como Marc Jacobs, Gerard Butler y Ewan McGregor lucieron faldas escocesas en distintos eventos.

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El Padrino

Camisa blanca, traje negro y rosa roja. La trilogía de Francis Ford Coppola sin duda, ha convertido este look en auténtico icono de la historia del cine.

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El Gran Hotel de Budapest

La diseñadora del vestuario es la oscarizada Milena Canonero, una habitual en los films de Wes Anderson. «Uno tiene que sumergirse en su mundo. Me encanta su mundo. Parece ingenuo, a primera vista, pero es muy sofisticado y tiene muchas capas», contaba en una entrevista. Sin duda, la pieza estrella de la película son los uniformes morados.

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Diseños de fantasía

Los mundos de fantasía no existen hasta que se crean los trajes y el set, por ello, los diseñadores de vestuario de cine suelen tener mucha libertad en sus creaciones. No es necesario seguir las reglas históricas para vestir a un Hobbit o a Darth Vader. Y claro, eso, puede dar como resultado icónicas piezas con las forrarse a base de merchandaising. Así que no, no es moco de pavo.

Mary Poppins

Marc Jacobs se inspiró en el vestuario de Mary Poppins para su colección de primavera 2009.

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Star Wars

El famoso casco de Darth Vader está inspirado en los cascos que usaban los nazis en la Segunda Guerra Mundial. El diseñador de vestuario John Mollo añadió una máscara de gas, una chaqueta de motociclista, botas negras de cuero y una capa de monje.

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El señor de los Anillos

Su merchandising es uno de los más diversos en la historia de los Óscar. No sólo incluye los trajes, sino también las medias de pie de Hobbit o el anillo de Sauron, que se pueden comprar a módicos precios.

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Alicia en el País de las Maravillas

Diseñados por Colleen Atwood con la colaboración del propio Tim Burton, los trajes de la película son, claramente, uno de los puntos fuertes del film.

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Diseños de ensueño

Mientras algunos trajes necesitan suciedad o sangre para parecer auténticos, hay otros que son famosos por su belleza y delicadeza, como las creaciones de El gran Gatsby o El cisne negro.

El cisne negro

El magnífico tutú negro estaba hecho de tul negra y decorado con cristales de Swarovski y plumas negras. Aunque la diseñadora de vestuario Amy Westcott no resultó premiada, es uno de los diseños de película más espectaculares de la historia.

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El gran Gatsby

El vestido de cristal de Carey Mulligan fue una colaboración entre la diseñadora Catherine Martin y Miuccia Prada. Esta última realizó más de 40 vestidos de personajes secundarios.

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Moulin Rouge

El collar que Nicole Kidman utilizó en varias escenas de Moulin Rouge es hasta hoy la joya más cara fabricada para una película. Diseñado por Stefano Canturi, la pieza posee 1.308 diamantes y un zafiro de 2,5 quilates y se estima que su valor supera el millón de dólares. Además, la película influenció el estilo del 2001: corpiños y faldas de tul se podían ver en las colecciones de alta costura de Yves Saint Laurent y Balenciaga. ¡Pero también se podían comprar corsés en tiendas como Topshop!

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Nominados a los Óscar 2016

El premio Óscar al “Mejor diseño de vestuario” este año está muy reñido. Tanto La chica danesa (Paco Delgado) como Cenicienta y Carol (ambos, Sandy Powell) cuentan con espectaculares piezas de vestuario. Dado que en los últimos 10 años, sólo trajes históricos o de fantasía han sido premiados, cualquiera de esas tres películas tienen muchas posibilidades de llevarse la estatuilla, sobre todo Sandy Powell, que ha sido nominada dos veces.

El renacido

El director de El renacido, Alejando González Iñárritu, tenía tanto interés en que los trajes fueran lo más realistas posibles que contrató a una persona para que aplicase grasa artificial de oso a la ropa. Así era como los tramperos originales protegían sus indumentarias.

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La chica danesa

Paco Delgado se inspiró en Jeanne Lanvin y Coco Chanel para diseñar el vestuario de La chica danesa. ¿Quién sabe si los vestidos de silueta larga traerán de vuelta la moda de los años 20?

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¿En serio eso es un muñeco?: de Lady Di a Cher o Superman

Jugar con muñecas no es sólo de niñas. De hecho, sería recomendable no dejar una de las siguientes piezas de coleccionista en manos de los pequeños de la casa, ya que se tratan de auténticas obras de arte que reproducen con una fidelidad asombrosa a algunos de los famosos y personajes de ficción más ansiados de los últimos tiempos. Desde los protagonistas de la saga ‘Crepúsculo’ al completo, más allá de Kristen Stewart o Robert Pattinson, a cantantes de la talla de Cher o Madonna, actores como Orlando Bloom o Nicole Kidman, y personajes como Mary Poppins o Superman tienen ya una réplica en miniatura realizada por las magistrales manos de Noel Cruz.

Este artista comenzó a modelar sus propios muñecos de acción cuando aún era un crío en su Filipinas natal. Para él jugar con un G.I. Joe o un Action Man no suponía ningún reto, pero hacer que estas figuras de plástico articuladas tuvieran su propia personalidad y rasgos distintivos sí que eran toda una diversión. Sin embargo, se trataba de un hobby más que no dejaba de ser una mera curiosidad. Sin embargo, en edad adulta recobró el interés por esta práctica que le ha dotado de reconocimiento internacional e incluso la admiración de algunos de los famosos que ha reproducido a pequeña escala.

Cuando se mudó a Estados Unidos junto a su esposa y su hijo comenzó a tomarse cada vez más en serio esto de moldear las facciones de los muñecos para que se pareciesen con una exactitud pasmosa a algunos personajes conocidos. En un principio fue un entretenimiento para que su mujer tuviese una colección única, pero el boca a boca ayudó a que su arte se convirtiese en algo que admirar por parte del público en general. Con ello decidió abrirse una cuenta en Facebook, que ya cuenta con más de 150.000 seguidores que esperan con expectación su siguiente creación. También está amasando una holgada fortuna gracias a subastar sus creaciones en eBay, que no se venden como meros muñecos repintados, sino como obras de arte que llevan la firma de Noel Cruz, que no es poco.

Les dejamos con algunos de sus mejores trabajos:

Sitges Día 5: Juventud divino tesoro

youthHemos abierto el quinto día de festival con la mejor película con la que podíamos hacerlo.
Es imposible pasar de puntillas ante lo que es Youth, ante lo que significa, ante lo que plantea, y también ante la forma en que lo plantea. Como es habitual, Sorrentino presenta una imagen potentísima, unos encuadres perfectamente milimetrados, una fotografía exquisita, todo ello conforman los elementos de un todo prácticamente perfecto, idílico al menos en la apariencia: ese balneario en los Alpes Suizos donde se dan cita los protagonistas de su película. Youth se mueve entre el efectismo de la imagen preciosista y la imperfección de los unos personajes protagonistas apáticos, perdidos. Y así, entre diálogos verdaderos y situaciones entre lo cómico y anodino, el combo ganador del director nos la vuelve a jugar y esta vez va directo al alma.

Paolo Sorrentino es un gran explorador del paso del tiempo. Ya lo vimos en La Grande Bellezza, y lo hemos vuelto a vivir en una versión más cruda en Youth. El director sigue explorando su visión de la decadencia y de la pérdida (desde la pérdida de la juventud, hasta la de un ser querido o hasta la pérdida de la propia memoria). Decadencia y pérdida, dos conceptos ligados a esa juventud que da título a su nueva película. Michael Caine da vida a un compositor de orquesta ya retirado que pasa sus días en un balneario de lujo en la montaña. El lugar es todo lo idílico que podría ser, tanto por su situación como por sus cuidados, así que allí, además de acudir personas ya retiradas, acuden todo tipo de personajes de las altas esferas –esos por los que parece que el tiempo jamás pasa- en busca de simple descanso o de inspiración, como es el caso del personaje interpretado por Harvey Keitel, un director de cine algo cascado, con porrones de películas exitosas a sus espaldas y, sin embargo, con un grupo de jóvenes guionistas bajo el brazo para ayudarle escribir su nuevo exitazo cinematográfico. Ambos hombres comparten sus días en el balneario, además de sus alegrías (porque las tristezas no se cuentan entre amigos), resulta que también son consuegros y además de todo eso, comparten cierta apatía hacia la vida, o al menos hacia lo que les quede de ella. Ambos personajes se encuentran en ese último tramo de sus vidas, el final, el tramo en el que ven pasar los días y sus vidas se resumen con poco, si es que acaso son capaces de recordar algo de ellas.

El director napolitano ha decidido pasar de los doblesyouth1 sentidos y esta vez ha ido directo. Posiblemente el escenario escogido para ello sea excesivamente pomposo, razón de ser para que el directo exponga el sentido que para él tiene la juventud: belleza, vida. Desde aquellos Alpes suizos hasta el pasado más lejano de Fred Ballinger (M.Caine), Sorrentino repite su discurso acerca de los arrepentimientos y de las decisiones tomadas en el pasado. En Youth se habla de la juventud como una distancia corta, tan corta como que sólo se es capaz de asimilarla cuando ya no la tienes encima y tan corta como que en realidad depende no del paso del tiempo, sino del estado de ánimo, a lo que cada uno se lleve consigo de cada momento vivido. Pese al pesimismo que inunda el relato, Sorrentino deja una puerta abierta, en esa última secuencia en la que hemos de asumir que sí se puede superar el pasado, sí se puede mejorar y sí se puede ser feliz, siendo poseedores de la preciada juventud, o no.

nicolekidmanstrangerlandY tras la sorpresa de Youth nos topamos con una película australiana con estrellazas en el cartel y poco más. Con Strangerland, Kim Farrant nos presenta un drama que también alude a la pérdida como mal desencadenante del desequilibrio familiar. Nicole Kidman y Joseph Fiennes encabeza un reparto con unas interpretaciones bastante solventes y que son casi lo único que sostiene a una película que si bien tiene cosas muy positivas, termina por deambular entre lo increíble y lo vergonzoso en algunas secuencias. La película tiene un buen potencial pero que se ha desaprovechado. Strangerland acaba siendo un telefilm de manual  que da para el aprobado, y poco más. Pero lo que más pena nos da de todo: su fotografía, totalmente desaprovechada, con todo lo que tiene para dar la aridez australiana.

Pero Sitges te da lo mismo que te quita, y ENDORPHINEtras la pseudo-decepción de Strangerland tuvimos que toparnos con Endorphine, que nos despertó del todo el cerebro. El interesantísimo relato de André Turpin sobre el tiempo y su linealidad es sin duda una de las sorpresas del festival. Ya nos avisaba el director durante la presentación de la película de que era mejor tomársela como una experiencia, como un sueño, dejar que te inundase y disfrutarla. Lo cierto es que la onírica propuesta nos ha tenido 90 minutos descolocados y es siempre es bien.

the_assassinContinuando con la buena letra del día, aterrizamos en la sala para ver lo nuevo de Hou Hsiao Hsien: The Assassin. Algunos entraron en la sala pensando que iban a ver mamporrazos a diestro y siniestro, y se dieron de bruces contra la realidad con el primer plano de la película: dos burros durante un minuto más o menos. The Assassin no es una película fácil, no es por supuesto para un público mayoritario, pero bien es cierto que relata virtuosamente la historia de su asesina protagonista, Yinning, a la que le encargan secretamente acabar con una vida. Pero Yinning, además de asesina tiene unos códigos morales a los que tendrá que responder. Hou Hsiao Hsien ha hecho de su película algo absolutamente impactante, espectacular y totalmente abrumador. El uso que el director hace del color y el aprovechamiento de los espacios naturales es con diferencia lo mejor que vamos a ver en todo el festival, a nivel de fotografía estamos seguros.

Otra película que no es para todos los públicoscemeteryofsplendour y que fue nuestro último visionado del día: Cemetery of Splendour, de Apichatpong, que en dos horas de metraje mezcla sueños, con realidad con crítica política y se queda tan ancho. La película a pesar de todos sus silencios –que son muchos- aporta risas (de verdad) y si esto o la vida que desprenden todos sus personajes no basta para apreciarla, definitivamente debemos recomendar que se haga un esfuerzo por atender a otras pequeñas grandes cosas, pues la película tiene un plano final tan demoledor que desmontaría a la propia grúa que en él aparece.

El regreso de Alejandro Amenábar

Déjenme comenzar este texto con una reflexión/idea/apunte que me ronda la cabeza y que hoy por hoy me parece innegable: Alejandro Amenábar es, le pese a quien le pese, uno de esos niños del cine español que acarrea en sus espaldas con el peso de hacer cine calificado (erróneamente) como “exportable fuera del país”. Y me explico: personalmente creo que no existe el cine “no exportable” y sobre todo creo fervientemente que cualquier película le puede interesar a cualquier persona en cualquier parte del mundo. PERO, bien es cierto que en España, el cine cuesta y cuesta demasiado: cuesta demasiado escribirlo, producirlo, distribuirlo y exhibirlo. Demasiado como para invertir además en una promoción adecuada y como para venderlo fuera de según qué límites, por lo general nacionales o como mucho europeos. Es una pena, pero es así. En cierta manera el modelo español está cambiando y evolucionando, pero sigue siendo complicado hoy en día. Así como esto es cierto, también lo es que algunos de nuestros directores autóctonos se han hecho un hueco (por lo que sea) fuera de nuestras fronteras y trabajando igual en el territorio nacional que en el extranjero, su cine aúna el trabajo con equipos (tanto técnicos como artísticos) de fuera del país y hacen una clase de películas que “no parecen españolas”, frase que todos hemos escuchado hasta la saciedad, frase que afirman equivocadamente aquellas personas que, tristemente, crean que el cine español solo es uno: siempre el mismo. También es cierto que son algunos de estos niños del cine español los que se llevan la mayor parte de las subvenciones y los que consiguen mover su cine y ser conocidos también fuera del país. Y esto tiene sus pros y sus contras. Personalmente creo que por tener más oportunidades su cine quizá se valora menos, o quizá la crítica es más dura e impasible, como si tuvieran que dar más que cualquier otro director. Es una visión personal pero así lo creo y, en parte, también lo comparto, aunque con matices: cada película es única y genuina y hay que mirarla y tratarla aisladamente por lo que es, tanto por lo bueno como por lo malo. Exactamente igual que el paciente que acude al médico. Cada uno tendrá sus cositas, pero no recetas el mismo jarabe al que tiene tos qregresion1ue al que tiene fiebre. El problema es que algunos sí que lo hacen y es aquí donde viene la confusión y el problema. Alejandro Amenábar es como digo uno de estos niños del cine español que ya han dado el salto y se han hecho un hueco en el cine a nivel mundial. Tanto es así que estrellas del calibre (tanto interpretativo como económico) de Nicole Kidman o, ahora, Emma Watson, protagonizan sus películas. Su cine es personal, con infinidad de referencias y ciertamente venido a menos en los últimos años, aunque algo es innegable: el mimo que pone en sus películas sigue siendo el mismo que el primer día. Hoy hablamos de Regresión, su nuevo thriller, que no es ni mucho menos su mejor producción y que tiene mil fallos y es tremendamente previsible pero… no por ello menos disfrutable.

Hace unos días escuchaba un programa en la radio en el que Alejandro Amenábar estaba de invitado afirmando categóricamente que comenzó sus primeros años de escuela en un colegio de curas, para pasar más tarde a ser agnóstico y después a ser ateo. Mientras lo escuchaba no dejaba de replantearme lo curioso (y a la vez lógico) que me parecía que en todas sus películas hasta la fecha (quizá excepto en Tesis y Abre los ojos) el tema religioso se tratase tan profunda y tan directamente. Cada director encuentra su filón o curiosidad y Amenábar ha tocado este tema desde varios puntos en cada una de sus películas. En Regresión, nos adentramos en la historia de detective Kenner, responsable de resolver un caso de abusos sexuales por parte de un padre amnésico, a su hija, una joven de 17 años totalmente traumatizada por los abusos. Con el fin de volver a los hechos, el padre se someterá a una regresión mientras la comunidad vive en constante alerta por los supuestos cultos satánicos llevados a cabo junto con los abusos de la menor.

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Amenábar explora en su cinta el morbo del satanismo. Siendo francos, es este un tema bastante trillado ya, pero que sin embargo personalmente creo que le sirve al director para tratar más en profundidad otro tema mucho más importante y mucho más real: el poder de la autosugestión exarcerbada y, por extensión, la obsesión. En este aspecto Amenábar consigue transmitirnos la agonía y la tensión de una persona escéptica (el investigador Kenner) que para creer tiene que ver, y que no cree pero sin embargo sí que acaba viendo. El increíble poder de la imaginación, lo llaman. Amenábar arma una película casi obsesiva en cuanto a coherencia interna y esto, de nuevo, tiene sus pros y sus contras. Y digo contras porque no hay en Regresión espacio para la conmoción por parte del espectador, para la sorpresa; todo en la película es tan coherente y está tan milimétricamente pensado que irremediablemente termina por ser de fácil pronóstico.  Todo encaja, no hay nada que podamos tildar de incoherente. Pero precisamente la falta de locura es uno de los puntos que echamos de menos de Amenábar.

Es precisamente esta falta de locura y exceso de previsibilidad lo que regresion3hace que la cinta no sea redonda. Le falta originalidad sobre el papel. Y digo sobre el papel porque a pesar de tener un guión demasiado frecuente, sin embargo, de lo que no hay ninguna duda es de que Regresión tiene una manufactura absolutamente impecable. El buen hacer de Amenábar se nota, como se notaba en todas sus anteriores películas, el empeño y el cuidado con el que el director trata a “sus bebés” es totalmente abrumador. Al menos para una servidora. La espectacular fotografía (de Daniel Aranyó) es otro de los puntos fuertes de la película y junto con la música del ya habitual del director, Roque Baños –aún sin ser éste su mejor trabajo-, y Sonia Grande otra de sus habituales en vestuario, hacen un conjunto muy atractivo y plenamente disfrutable, aunque la película peque en muchos tramos de ser autoexplicativa y previsible. Amenábar aguanta una película sin exceso de sustos injustificados, aunque sí con algún que otro golpe de música calificable de tramposo. Nada imperdonable.

Además, y este es otro de los puntos a reconocerle a Amenábar, la dirección de actores es igualmente impecable y es que si algo hace bien es eso: dirigir a actores, especialmente a mujeres. Emma Watson está soberbia en un personaje complicado y con matices y sorpresas, respetando la coherencia en todas sus escenas y sobre todo fuera de todos los registros que le conocíamos hasta la fecha. Sin duda alguna, será ella una de las sorpresas de la película para el gran público y para sus fans.

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Regresión no es bajo ningún concepto la obra magna de Alejandro Amenábar, pero con sus pros y sus contras resultará curiosa para los seguidores de un director al que restar talento sería un craso error. Aunque solo sea por la manufactura y el mimo que inundan cada una de sus películas.

Berlinale ’15: willkommen!

Un par de días atrás arrancaba una nueva edición (la 65) de uno de los festivales cinematográficos que mayor acogida tiene en todo el mundo: la Berlinale.

EJURADO DE LA 65 EDICIÓN DE LA BERLINALEl pasado año, este festival fue el encargado de estrenar (y premiar) dos de las películas que con motivo de los Oscar están ahora en su punto más álgido: Boyhood y El gran Hotel Budapest. Dos películas que empezaban su carrera en el frío Berlín y que acabarán su circuito festivalero dentro de un par de semanas en la cálida alfombra roja del   Teatro Dolby de Los Ángeles. Este año, la Berlinale cuenta con Darren Aronofsky como presidente de un jurado completado por el actor Daniel Brühl, Bong Joon-ho, Martha de Laurentis, Audrey Tautou, Matthew Weiner y la directora Claudia Llosa.

Terrence Malick, Jafar Panahi o Werner Herzog son solo algunos de los directores que presentarán sus trabajos, esperando el clamor de público y crítica en los primeros meses de vida de sus obras. Muy contento no debe estar, por eso, Werner Herzog cuya película Queen of the desert, con Nicole Kidman liderando cartel y acompañada por Damian Lewis y James Franco, ya ha sido estrenada y … lo cierto es que las primeras críticas e impresiones no han sido nada halagüeñas. Otra que debe tener la misma sensación es Isabel Coixet. Su película Nadie quiere la noche, inauguraba el festival y algunos medios no han dudado en definirla como “pieza cara y desgraciadamente patética de cine sobrecargado”, habrá que ver para juzgar pero lo cierto es que de entrada la cosa pinta bastante mal.

Otra suerte han corrido películas como la del inglés Andrew Haigh, con su 45 years revolucionando la Berlinale en su primer pase.

La sección oficial competición de la Berlinale cuenta con 20 películas entre las que se encuentran, además de las ya citadas, El club, de Pablo Larraín (Chile), Taxi, de Jafar Panahi (Irán), también aplaudidísima, o Eisenstein in Guanajuato, de Peter Greenaway (Holanda, México, Bélgica, Finlancia).

Además, fuera de competición se proyectarán Every Thing Will Be Fine, de Wim Wenders, la esperadísima Cinderella, de Kenneth Branagh y Mr. Holmes, de Bill Condon.gray

La Berlinale cuenta además con una serie de proyecciones especiales, normalmente de un único pase. Este año podrán verse el anticipo de la primera temporada de Better Call Saul, el esperado Spin-off de Breaking Bad, Selma de Ava DuVernay o la archiesperada Cincuenta sombras de Grey de Sam Taylor-Johnson cuya única proyección está programada para el día 11.

La retrospectiva de este año será acerca del tecnicolor. Grandes clásicos como Cantando bajo la lluvia de Stanley Donen y Gene Kelly, Que el cielo la juzque de John M. Stahl, La reina de África de John Huston, o Lo que el viento se llevó de Victor Fleming, podrán disfrutarse en pantalla grande. Todo un lujo.

Cannes: ‘la croisette’ a golpe de pincel

A dos días de conocer el palmarés de la 67 Edición del Festival de Cannes, ya se han dado a conocer algunas de las opiniones y críticas que pueden ser indicativas de por dónde podrían a ir los tiros en esta edición. Con muchas de las películas ya visionadas por jurado y público, a Cannes solo le queda alguna que otra fiesta y alguna que otra proyección.

Como ya os anticipábamos, Grace of Monaco, abría esta edición del festival fuera de competición, y no fue precisamente bien recibida. Lo cierto es que se veía venir, pero algo de esperanza nos quedaba, aunque solo fuera por Nicole Kidman. Si nuestra Grace levantase la cabeza igual le hubiera dado algún que otro consejo a la australiana, que parece un poco perdida no sabemos si entre botox o entre qué.

maps-to-the-stars-picture-wasikowska-04142014-101210No es novedad que Cannes venga cargado hasta los topes de películas dirigidas por personajes de renombre, y este festival no iba a ser menos. A competición se han presentado títulos como Maps to the stars, de David Cronenberg (recordamos con cariño y amor su Cosmópolis estrenada en Sitges 2012: proyección de la que la gente salía de la sala sin saber muy bien qué había visto)Jimmy’s Hall de Ken Loach, Adieu Au Langage de Mr. Jean-Luc Godard, Foxcatcher de Bennett Miller o  Deux Jours, une nuit de esos hermanos especialistas en no dejar indiferente a nadie y, si pueden, rompernos un poquito el corazón a base de palos de realidad: los hermanos Dardenne.

Es precisamente la de los Dardenne una de las grandes favoritas hasta ahora, al menos la que ha levantado más críticas positivas, no solo en el apartado de película, también en el de actriz. Y así, la francesa Marion Cotillard podría hacer premio por fin en su querido Cannes.MARION COTILLARD CHRISTINE PLENUS

Los que parece ya desterrados del pódium son Bennett Miller con Foxcatcher o Michel Hazanavicius con The Search, película que parece que ha llegado a ser incluso abucheada tras la proyección. Varapalo para este último, que ganó todos los premios habidos y por haber hace unos años con su The Artist.

El que tampoco ha sido bien recibido ha sido el actor reubicado en faceta de director, Ryan Gosling, que presentaba su película Lost River. Lo cierto es que ni por el tráiler ni por la sinópsis llegamos a hacernos una idea de lo que puede ser la cinta. Pero “lynchiana” parece bastante.  Juzgad vosotros mismos:

Sin duda alguna, Cannes se ha convertido, por mérito propio, una de las ciudades con más glamour del planeta. Las más grandes estrellas del cine mundial pasado y presente se han paseado por sus calles, han aparecido por alguna de sus fiestas nocturnas o han disfrutado de algún paseo en barco por sus costas.

Otra prueba del estilo tan personal que desprende esta ciudad francesa, son los murales gigantescos que el Ayuntamiento de Cannes ha venido desarrollando en algunas de las paredes de la ciudad desde el año 2002.  
Estos murales, por supuesto, no podían estar relacionados con otra cosa que no fuera el cine. Así, los transeúntes pueden toparse tan pronto con Charlie Chaplin como con Truffaut o James Dean en la esquina siguiente. Los residentes de Cannes, conscientes de la excitación y revuelo que levanta el conocido festival en los lugares más recónditos del mundo, lejos de escandalizarse por estos “cinematográficos graffitis” llevan apoyando la iniciativa desde que comenzó al principio, con tan solo 4 cuatro murales, y llegando a ser más de 15 en el día de hoy.

El proceso de estos murales, pese a lo que pueda parecer, ha pasado por las manos de la Agencia de Conservación Arquitectónica Francesa, quien en su día dio vía libre a las mastodónticas pinturas, que además de decorar los edificios se han convertido en un elemento indicativo para los turistas, ya que algunas de ellas son en sí mismas el edificio al que hacen referencia. Un ejemplo, es la pintura que ilustra algunos de los coches más famosos del cine situada en el Museo del Coche de Cannes. Y nosotros decimos… ¡ojalá todos los museos estuvieran indicados así!

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