Angustia, humor, emotividad y sobre todo, la degradación del ser humano, es lo que nos presenta NemO´s con sus personajes reflejados como enormes murales. Italia, España, Amsterdam, Londres, etc…, en definitiva, ninguna ciudad se escapa de ser marcada por este joven italiano. Ya os enseñamos su última intervención en la Academia El Enclave de Madrid, en la que la lluvia empapaba su obra Rain?, para más tarde acabar en el Oltre il Muro de Sapri (Italia), que aunque el mal tiempo acompañó durante todo el festival, consiguió finalizar su obraAntes y después collage.
Categoría: Artista del Mes (Página 4 de 5)
Gusto, sencillez y un estilo inconfundible es lo que define al artista de este mes. Lucas Moraes, criado y curtido en el mundo de la moda y el diseño, nos presenta una oferta distinta a lo que normalmente estamos acostumbrados a ver, gracias a un estilo sencillo el retrato,la tinta y el lápiz cogen forma. Éste joven brasileño recién afincado en Madrid nos presenta su primera serie Realise de bird within in you y, es que, la libertad es la base de su trabajo.
Medios de comunicación, ilustraciones para editoriales, festivales, carteles y carátulas de discos, todos quieren contar con la colaboración de esta artista valenciana. Preparando la cuarta edición de su libro Qué hacer cuando en la pantalla aparece The End, con otro recién publicado y otro, que veremos el próximo marzo, Paula Bonet es una ilustradora todo terreno que ha sabido adaptar sus trabajos a las exigencias del momento. Con más de 200.000 seguidores en Facebook y sobre pasando los 11 mil followers en Twitter, Paula se ha convertido en la ilustradora estrella, consiguiendo acercar al público eso que se llama ilustración.
Frescura, naturalidad y sinceridad, es lo que os traemos este mes. Nacida en plena Toscana, muy cerca de Florencia, cuna del arte por excelencia, Martina Billi nos presenta sus trabajos de pirograbado y bolígrafo sobre el material más noble y, que pocos se atreven a utilizar. Ser diferente es lo que define a un artista, y Martina ha conseguido, en poco tiempo, llamar la atención de un público necesitado de cosas nuevas e impactantes.
Un dibujo fresco y creativo, definen a esta italiana que un día decidió convertir nuestro país en el primer escaparate para su obra. Porque nos encanta la frescura, la naturaleza, el buen hacer y, por supuesto, la Toscana, hoy Malatinta habla con Martina Billi.
Si alguien te preguntara quien es Martina Billi, ¿qué le contestarías?
Dibujante e ilustradora nacida en Italia y afincada (momentáneamente) en Madrid.
El pattern de Malatinta está diseñado este mes por ti, ¿qué quisiste reflejar en él?
El pescado representa algo que siempre esta en movimiento, difícilmente se le ve quieto y el hecho de que forme de un círculo «mordiéndose la cola» hace que el movimiento sea potencialmente infinito. También al alimentarse de su propia cola se nutre así mismo, simbolizando la capacidad que cada uno tiene de regenerarse.
Florencia, cuna y capital del arte, dónde clásicos y contemporáneos se dan la mano, ¿por qué decidiste dejar una ciudad como Florencia por Madrid?
©Martina Billi
Florencia es en sí una ciudad clásica, que deja poco espacio a cualquier manifestación de arte contemporáneo. Los tímidos intentos que la ciudad promueve estan íntimamente ligados a espacios institucionales y protagonizados por personajes ya muy conocidos en el mundo o en el mercado del arte.
Esto crea un panorama poco dinámico y poco sorprendente, cerrado a las nuevas propuestas. La visión queda atrapada en el tiempo y en el espacio, provocando que la tradición y excelencia artística que hizo de esta ciudad un punto de referencia durante mucho tiempo, ahora nos atrape, haciendo imposible o muy difícil la reinvención de nuevos espacios o presentación de nuevas ideas. Sin duda, la belleza de la ciudad sigue siendo fuente de inspiración, aún habiendo pasado siglos, pero hay poca conexión con el mundo actual.
¿Crees que en España tenemos esa cultura artística que tanto intentan potenciar?
En las grandes ciudades, debido al flujo siempre cambiante de gente, suele haber la voluntad y apertura necesarias para la formación de espacios de creación dinámicos y multidisciplinares. Creo que se podría investigar una nueva y más concienciada forma de juntarse en espacios independientes y lejos de lo institucional. Estos espacios darían la posibilidad de compartir conocimientos, interactuar con personas que ya trabajan y, desarrollar una figura profesional. Lamentablemente todavía estamos más ocupados en competir que en compartir.
¿Qué piensas que te ofrece el dibujo que no te da la pintura?
Personalmente tiendo a pensar que los lenguajes comuniquen y se compenetren mutuamente. La pintura ha sido parte de mi experiencia y formación, aún a día de hoy sigue «participando» o haciendo incursión en algunos de mis dibujos o en la percepción que tengo de planos y superficies. Es una disciplina que requiere un tiempo un poco mas dilatado respeto al dibujo y unos tiempos de entrada un poco mas largos. El dibujo, que tambien necesita la misma dosis de concentracion me ofrece la inmediatez y dinamicidad que necesito para dar forma a una idea.
¿Por qué trabajos monocromos?
La ausencia de color ( o mejor el uso del blanco y negro) no es casual, viene de una enorme pasión por la fotografía, que también estudié. Durante años la fotografía en blanco y negro ha sido muy importante para mi, convirtiéndose en mi punto de referencia y fuente de inspiración. A través de la observación de innumerables revistas de fotografía que se coleccionaban en casa de mis padres a partir de los años 70, se ha ido formando en mi, una gran pasión por el blanco y negro. Siempre, para mi, la imagen dibujada ha sido ligada íntimamente con la fotografía en términos tanto de composición, como de atmósferas.
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Como tu misma comentas: «muchos de mis personajes aparecen como congelados en un momento preciso de reflexión, un instante muy íntimo y algo melancólico». ¿Piensas que tus obras dependen del estado anímico en el que te encuentres, cuando estas trabajando en ellas?
La verdad, supongo que cuando pasas tantas horas con un dibujo, es inevitable no interactuar con él. También, mi búsqueda pasa a través de estas zonas «muertas» o menos visibles que todos, o casi todos, experimentamos, por ejemplo, cuando reflexionamos sobre algo, en un momento de aburrimiento o de abstracción. Son zonas que suelen ser un poco solitarias, pero también son importantes en la formación de la identidad y sensibilidad de cada uno.
©Martina Billi
Todos tus trabajos tienen un nexo de unión, la madera. ¿Cómo surgió la idea de dibujar sobre ella?
He crecido en un entorno natural, al lado de Florencia, en plena Toscana, donde este material siempre a estado al alcance de todos. Cuando estaba en la universidad de Bellas Artes, pintaba con óleo sobre madera, pero solía hacer largas preparaciones en yeso que dejaban la superficie lisa y blanca. En realidad, la madera es un material noble, orgánico y que tiene su propia historia, ¿para qué taparlo y no mostrar su belleza? Desde entonces, uso la madera como soporte para mis dibujos.
Una ilustración que se desvincula de la animación, acercándose al realismo. ¿Qué dirías a todos aquellos que a día de hoy piensan que la ilustración depende al cien por cien de la animación?
Creo que en el vasto mundo de la ilustración hay espacio para todo. No creo que sea obligatorio conformarse con una idea establecida de cómo tiene que ser una ilustración, si no seguir las imágenes mentales que se forman en nuestro imaginario. En mi caso, son imágenes realistas que alcanzan un toque surrealista, sólo gracias a los montajes y a los collages que hago con varias piezas dibujadas.
Nos comentas, que ya en Madrid empezaste en distintos mercados y ferias de diseño independiente como la de Lavapiés, La Boca, Nomada Market, Mercado de Motores y en la ultima edición del Mercado Central de Diseño, en el Matadero. Lugares en los que los artistas más independientes y contemporáneos se reúnen para mostrar sus trabajos, pero…
¿Crees que en un país en el que la crisis ha hecho tanto daño, ésta es la única vía en la que el artista puede darse a conocer y vivir de su arte?
Empezando por el hecho de que es bastante complicado vivir del arte, ahora mas que nunca, estas ferias y mercados representan un escaparate donde es posible enseñar y vender nuestro trabajo. En mi caso, ya que llevo apenas un año en Madrid, ha sido fundamental participar en este tipo de eventos, en la medida en que he podido conseguir nuevos contactos de trabajo y darme a conocer. Puede ser una forma de juntar y valorar varios trabajos hechos a mano, creando un interés o llamando la atención del público hacía el diseño independiente de personas que tratan de trabajar en un país, en el que la crisis ha afectado cualquier ámbito laboral. Desde luego, creo que hay otras formas de promocionar o trabajar.
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Cada vez más, vemos como ilustradores de renombre o juniors que están empezando en el «mundillo» de la ilustración, se tiran a la piscina del tatuaje. ¿Crees que es compatible? o ¿el buen ilustrador no puede ser buen tatuador?
Es totalmente cierto, cada vez más pintores e ilustradores intentan trabajar en el campo del tatuaje. Creo que las razones pueden ser varias, primero el tatuaje tiene una base de dibujo que no puede no llamar la atención de quien trata de hacer de esta disciplina su profesión; también la supervivencia puede ser otro motivo de acercamiento. En mi caso el interés por el tatuaje mezcla las dos cosas, nace por afinidad estética y se concreta en una tienda de tatuajes de Barcelona en la que he trabajado durante una temporada en 2007 cuando vivía allí. Para los que se nutren de imágenes, es difícil separar las disciplinas y los lenguajes y tampoco es tan útil, creo que es el deber de cada uno, elegir en lo que quiere profundizar e investigar, nada se improvisa de un día para otro y todo lo que nos interesa de verdad y que ejerce una influencia profunda se refleja en nuestro trabajo, el resto es mera apariencia.
¿Qué dirías a todos los estudiantes, amateurs o profesionales como tú, que intentan hacerse un hueco y vivir del arte?
Que no pierdan la esperanza ¡nunca! Y que defiendan el trabajo que hacen, frente a la ignorancia y a la indiferencia.
¿Una banda sonora?
Ultimamente pasa mucha salsa y mucha cumbia…
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Para terminar, darte las gracias por esta fantástica entrevista, pero no nos queremos despedir sin antes saber ¿qué nos depara Martina?
Espero que esto sea un año rico y lleno de colaboraciones. Hay muchas ideas y entusiasmo. Probablemente una exposición en septiembre con una amiga pintora y alguna participación en mercados, ¡todo lo que salga será bienvenido!
El mundo del arte esta en constante evolución, desde Malatinta, ya hemos comentado en numerosas ocasiones, la necesidad de búsqueda de nuevos formatos, técnicas y herramientas, mediante las que podremos trabajar y descartarnos de los demás. «Renovarse o morir», ese debe ser el código de todo artista, y ese código, lo ha sabido descifrar el artista que os presentamos hoy, Juan Osborne.
Ilusión, ganas y sueños por cumplir, conforman la receta perfecta para triunfar en el difícil mundo del arte. Una receta que bien mezclada cocina el mejor plato y, que a la artista que os traemos hoy le sobra. Jess Vainilla, quizás aún no os suene, pero su trabajo basado en las técnicas más tradicionales la ayudarán a destacar de entre un amplio abanico de jóvenes artistas.
En un momento en el que el arte digital está en cabeza, debido a la rapidez y a las necesidades exigidas por los clientes, las técnicas más tradicionales poco a poco se van quedando olvidadas en el banquillo, pero cuando conocemos a artistas como Jess nos sentimos obligados a hablar con ella. Porque nos gusta la creatividad, frescura y el arte más tradicional, hoy os presentamos a Jess Vainilla.
¿Quién es Jess?
Una chica creativa que usa la imaginación y los colores para transmitir al resto cosas que la pasan, cosas que siente, o algo que la es imposible expresar con palabras.
Este mes el pattern de Malatinta está realizado por ti, ¿qué quisiste reflejar en él?
Es sólo una pequeña reinterpretación del logo de Malatinta disfrazado de gafapasta; una ilustración bastante sencillita, en la línea de mis dibujos que no suelen ser recargados.
Si tu vida fuera una película, ¿cuál sería?
La cosa se complica. Todos tendemos a creer en nuestro pleno egocentrismo que nuestra vida «es de película» y que a cada uno nos pasan cosas súper excepcionales; de hecho, yo también me creo que tengo mi propia película.Me conformo con protagonizar la que vivo, pero de poder elegir, me gustaría estar en alguna película de Woody Allen, o alguna otra argentina de amor y (des)encuentros.
¿Por qué decidiste estudiar Bellas Artes?, ¿piensas que las universidades se adaptan a las nuevas tendencias y tecnologías?
En el bachillerato entré de rebote, incluso eché los papeles fuera de plazo. Me animó mi profesora de Plástica del instituto porque decía que valía para eso, yo ni si quiera me lo había planteado aunque me gustase y se me diera bien. Desde siempre tuve en mente hacer veterinaria… Luego una vez ya en el bachillerato artístico, no me asustó la idea de seguir por ese camino.
Respecto a si las universidades se adaptan a las nuevas tendencias y tecnologías, no voy a generalizar, pero desde mi experiencia puedo decir que es verdad que algunas quedan obsoletas en recursos y metodologías.También es cierto que las nuevas tecnologías requieren un gran inversión, pero ¡ojo! lo que yo he invertido en matrículas no ha sido poco.
Si tuvieras que elegir al artista que más ha influido en tu obra y estilo, ¿cuál sería?
Agüita con la pregunta. No sabría bien que decirte, todo empezó con unos libros de Clara·Tanit y Alberto Vázquez.Influencias podrían ser muchas, la verdad, aunque más que influencias son personas que te motivan a hacer lo que haces diría yo. Ahora, con las redes vas enlazando de artista en artista, y es un sinfín…Me gustan Aitor Saraiba, Noemí Villamuza, Paula Bonet, Liz Clements, me gusta lo que hacen, veo sus trabajos y me motivan a dibujar, pero siempre intentado ser original y diferente.
Tus ilustraciones se caracterizan por la capacidad de adaptarse a cualquier material y soporte, ¿piensas que aún no has encontrado el lugar idóneo?
En parte a veces depende del discurso; la madera por ejemplo me gusta mucho porque ofrece un lenguaje propio.Las blondas de pastelería son también grandes aliadas, delicadas y poéticas, como mis ilustraciones.No tengo un soporte predilecto, depende de todo un poco. El factor económico también es importante, hubo un tiempo en que me dediqué sólo a dibujar en pequeños cartones que encontraba por casa. También trabajo en digital, pero menos, es mucho más frío y soy más analógica.[photomosaic ids=»15119,15116,15112″]
Como tu misma señalas, estas «intentando» hacerte un hueco en el mundo de la ilustración «ahora tan de moda». ¿Crees que ahora el futuro está en la ilustración? ó ¿aún existe el pintor de galería?
Uhmmm… estamos en una época en que consumimos muchas imágenes para bien o para mal, pero a la vez que hay mucho «consumo visual», también hay mucha competencia, muchos creadores.Si que sigue existiendo el pintor de galería, pero parece ser que el ilustrador está ahora más cercano a todos los públicos; a lo mejor un chaval o chavala no te saben decir un artista contemporáneo, pero sí un ilustrador/a, aunque la persona a la que preguntemos no esté ligada al mundo artístico.
Hoy en día, las oportunidades laborales son más bien escasas y la cultura está relegada a un punto y aparte, me siento obligado a hacerte una pregunta, y es que, ¿en España hay futuro para el artista?
¡¡Si alguien sabe como se hace eso, que me lo diga por favor!!Faltan galerías, a diferencias de otros países donde podemos encontrarlas en cada esquina, faltan oportunidades para artistas emergentes, pero sobre todo, falta interés y un público al que dirigirse.Lo dijo Juan Castaño en vuestra entrevista: «La ilustración creo que sigue siendo considerada por muchos como un arte de segunda[…] No tiene el reconocimiento que se merece dentro del mundo del arte y por muchos artistas incluso». Echo en falta quizás más oportunidades, pero las galerías a fin de cuentas son negocios, si no tienes ya un nombre, lo veo complicado.
Cuando te sientas sobre la «temida hoja en blanco» ¿qué se te pasa por la cabeza?
A parte del miedo a cagarla, pasan cosas que ya pasaron la noche previa antes de dormir por mi cabeza. Cosas que siento, tras mis ilustraciones siempre hay un impulso, un sentimiento que no fue azaroso, sino testigo.
Ilustraciones en las que los animales adquieren el papel protagonista, ¿por qué ellos?
Ayyy, la espinita de veterinaria. Soy animal y animalística a tope. Los dibujo, porque son incluso más sensibles que nosotros, sólo que ellos no pueden dibujarse.Uno de mis primeros proyectos que realicé estando aún en la facultad, Antropomorfos, muestra animales con cuerpos de personas, con esa dialectica del doble sentido, preguntándonos, cual de los dos es más humano o más animal…[photomosaic ids=»15115,15113,15118″]
Todo artista se nutre de sueños. Cuéntame el tuyo.
Ay, ojalá algún día la gente reconociera mis ilustraciones en un libro, en un anuncio, en una portada de un disco… Para mí «vivir del arte» es demasiado utópico-complicado, me conformaría con lo anterior. ¡Ah!, también me gustaría llegar a tatuar, lo intentaré; aunque el miedo a no poder rectificar me puede, una piel es mucho más que un papel, y ¡no se borra! pero me encantaría intentarlo.
Si tuvieras que elegir un momento de tu vida, por ¿cuál te decantarías?
Nunca supe contestarlo, ni sabré.
¿Qué nos depara Jess Vainilla?
Ojalá que grandes cosas. Trabajo a diario en ello, y voy a seguir intentándolo, aquí o algo más lejos. Estoy empezando un proyecto que puede ser que sea algo más grande, pero no digo más por si al final se queda en menos… También colaboro con ilustraciones en algunas revistas y fanzines, y ahora, he empezado con el mundo de las camisetas, totebags y demás, a ver como nos va con ello.
Según la RAE, «arte» es la manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo real o imaginado con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros; o eso debería ser. Convertirse en todo un ilustrado del arte no es sinónimo de artista, ni de ser capaz de reflejar ilusiones y genialidad, por eso para Claudia Alvarado, el ser «autodidacta» no la ha parado en su camino de mostrar al público su obra y de colaborar con importantes marcas.