Autor: Mar Cadi (Página 2 de 4)

El diseño del todo a un euro

Si, si… En tiempos de crisis hay que buscar la forma más barata de conseguir algo. ¿Pero a quién queremos engañar? Ya sea en momentos en los que tenemos que apretar el cinturón hasta cortarnos la respiración o cuando podemos permitirnos sentirnos generosos y dejar propina hasta al camarero que nos ha tirado el café por encima las ofertas son un reclamo que pocos podemos evitar. ¿A quién no le ha tentado alguna vez un dos por uno, se ha paseado por un outlet o ha regateado con el dueño de ese puesto en el mercadillo del pueblo? Pues eso. Pero el hecho que nos dejemos llevar por precios tentadores no significa que no podamos escoger con sabiduría.

Por ejemplo, aunque queramos decorar nuestra casa con los muebles y los elementos decorativos más caros y exclusivos del mercado no dejaríamos de pasarnos por el tan recorrido Ikea para comprar ni que sea un set de vasos de colores o una cortinas para la habitación del niño.

Pues lo mismo pasa con el Bazar Chino que tenemos al ladito de casa. Son como mini ikeas esparcidos por todo el territorio y con horarios demasiado flexibles. En estos pequeños comercios podemos encontrar todo el menaje indispensable para la cocina, ideas para almacenamiento y decoración para cualquier acontecimiento importante del año.

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No es de estañar, entonces, que alguna vez nos hayamos encontrado paseando por sus pasillos para completar el diseño de alguna estancia y/o darle un aire oriental a las paredes de nuestro hogar.

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Encontramos auténticas joyas del vintage perfectamente precintadas. Ollas como estas que nos recuerdan al menaje que tenia nuestra abuela y que pueden ser nuestros por 9,99 euros.

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O elementos para la cocina con diseño vanguardista para almacenar lo que sea que queramos almacenar.

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Elementos muy propios de nuestra tierra como estas aceiteras que le pueden dar ese toque campestre a nuestra cocina por dos euros.

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Y un atractivo set de escobas, cubos, barreños y cuencos multicolor que aunque no sean de alta calidad combinan con esos muebles de lineas finas y modernas que nos acabamos de instalar.

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Pero no todo lo que puedes encontrar en un chino tiene un diseño ikeniense o ikeniano (de Ikea) o con reminiscencias de los años 60, también y por supuesto existen los elementos de diseño oriental que dan ese punto étnico a nuestra vajilla o colección de estatuillas que decoran nuestra estantería. De hecho, estos bazares han popularizado estos gatos con el brazo móvil.

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Algunos diseñadores como el estudio Lo Siento han encontrado en estos gatitos dorados inspiración para crear esculturas efímeras como la que hicieron para la muestra de arte SWAB. Pincha aquí para ver el vídeo de la instalación.

No solo a los mortales de a pie nos van estos pequeños paraísos del todo a un euro. A famosos como la cantante Alaska y su madre, la mexicana América, les vuelven locas este tipo de establecimientos. En un capitulo del reality «Alaska y Mario» vimos como la madre de la cantante adquiría tantaitantos mini dragones en un Chino de la Plaza de la Luna en Madrid o se entusiasmaba al ver platos de colores en otro bazar de la capital.

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Queda claro que el precio no es el único reclamo de estas tiendas. Y es que si es bonito y, sobretodo, a ti te gusta porque no comprarlo a mejor precio.

 

Escultura efímera del gato dorado multiplicado por 100

Making off de la instalación que el estudio de diseño ‘Lo Siento’ hizo para la feria de arte del SWAB.

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Cestas con estilo navideño

Barquillos, vino, galletas, salchichón, polvorones, unos berberechos, un vermut y si tienes mucha, mucha suerte también un jamón. Eso es lo que te pueden regalar tus jefes estas navidades si eres de aquellos afortunados que a final de mes recibes, a parte de una nómina medio decente, una cesta de Navidad. En Malatinta no nos vamos a meter en qué y en qué no debería el departamento de Recursos Humanos decidir incluir en ese paquete para dibujar una sonrisa en la cara de sus empleados estas Navidades. Pero un sobrecito lleno de euros no estaría mal…

Como esto puede que no esté en los planes de vuestros empleadores, en Malatinta vamos a intentar darles algunas ideas para que almenos aquello que escojan para vuestra cesta de navidad tenga cierta coherencia estética.

Si los 11 meses del año el packaging suele ser una de las estrategias que siguen las marcas de comida y bebida para atrapar a nuevos clientes, Navidad no debería ser ninguna excepción. Para que un producto refleje el espíritu de estas fiestas debería inspirarse en los colores que predominan y dan sentido a la Navidad.

El blanco simboliza los primeros copos de nieve que empiezan a caer por estas fechas. El blanco representa Ese velo blanco que cubre las calles de los lugares más montañosos e invita a pasar el día al lado del fuego con una bebida caliente en tus manos. Una estampa que sin duda respira navidad por los cuatro costados.

El verde de los abetos. Esos abetos que asumen un absoluto protagonismo en los comedores de casi todos los hogares.

El rojo es el color de Santa Claus, el color de la mayoría de decoración que ponemos en los árboles de Navidad, el color de la flor de Pascua, la planta de la Navidad que florece por esta época del año. Y, por supuesto, el rojo es el color de la ropa interior que los más supersticiosos llevan en nochevieja para asegurarse buena suerte para el año venidero.

Así que los colores que deberían teñir vuestra cesta de Navidad son el rojo, el blanco y el verde. Estos son unos ejemplos de productos cuyo packaging gira entorno a estos colores tan apropiados para estas Navidades y que bien podrían ser los protagonistas de vuestras cestas o almenos de vuestras alacenas estas fechas.

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Juanma Garcia Escobar es el ilustrador responsable de estos diseño para la Caja Roja de Nestlé estas Navidades.

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Para bajar todos estos alimentos que seguramente nos comeremos en estas fiestas podemos comprar este té tan navideño y beberlo en estos vasos tan festivos.

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Y si se te cae alguna lagrimita al recibir esta cesta tan esperada podéis acudir a la socorrida marca:

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Cuando haces Pop ya no hay stop

El Pop Art nació a mediados del siglo pasado fruto de una gran depresión del país en el que el sueño eterno es su bandera. Partió de los carteles publicitarios y se inspiró en el glamour de las estrellas de Hollywood. Era un arte optimista, divertido y con un mensaje cuanto menos pegadizo.

Andy Warhol, figura líder de este movimiento, empezó su carrera en una empresa publicitaria antes de darse cuenta que podía imprimir latas de sopa Campbell en grandes lienzos y venderlos de la misma manera que los anuncios publicitarios vendían sopa o cocacola.

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Llevaba una peluca plateada. Vivia en una fábrica pintada de color plata en Nueva York. Se rodeaba de jóvenes como  Nicole, Lou Reed y Edie Sedgwick. Ella también llevaba el pelo de color plateado. El decía que en el futuro todo el mundo seria famoso almenos 15 minutos de su vida. Le gustaba la fama, le gustaba el dinero y le gustaba e hizo arte de los dos temas.

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Otros como Lichtenstein pintaba el mundo como si fuera un cómic. Lichtenstein imitaba las técnicas industriales de la producción en masa en el mismo sentido que la reproducción mecánica había imitado las técnicas de los artistas. A esto se le llamó Parodia.

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Claes Odemburg reproducía a escala monumental objetos de la vida diaria. Su intención era cuestionar que constituye una imagen icónica en una sociedad moderna que a su vez se basa en el consumo de enseres de poca vida útil.

Pero no a todo el mundo le gustaba Pop Art. El historiador de arte Warburg decía que pop Art era superficial. A lo que Warhol respondió que era verdad. Se definió como profundamente superficial. De hecho el Pop Art encontró una manera de producirse en masa.

Como Andy Warhol explicó en su día:

«Una vez tu tienes el Pop, nunca más podrás ver una señal del mismo modo y una vez piensas en Pop nunca verás del mismo modo América».

No es de estañar entonces que el diseño le deba tanto al Pop Art. Su filosófia y las obras de arte han inspirado a diseñadores gráficos, de interiores, de mobiliario, industriales o de producto de todo el mundo en diferentes generaciones. Estos son unos ejemplos en los que el Pop Art ha influenciado en el diseño de objetos diarios.

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Ettore Sottsass diseñó esta máquina de escribir Olivetti, en 1958.

Algunos de los asientos en los que aposentamos nuestros traseros beben directamente de una misma fuente: El Arte Pop.

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Achille y Piergiacomo Castiglioni concibieron esta silla/bicicleta en 1958 para hablar por teléfono. Y los sinuosos muebles de Gaetano Pesce o Eero Aarnio parecen obras de arte en sí mismas.

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George Nelson también diseño esta lámpara que ha sobrevivido generaciones de pop arteros.

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Alison y Peter Smithson diseñaron esta casa del futuro. Se imaginaban a la gente del futuro disfrutando de aire acondicionado, mandos a distancia, microondas, televisores de plasma…

Si queréis ver más resultados de este potente binomio entre diseño y arte pop podéis viajar hasta Londres y acercaros a la muestra ‘Pop Art Design’, en el centro cultural Barbican. Tenéis tiempo hasta el próximo 9 de febrero.

 

El estilo del zumbido

Más de 16 millones de vespas se han fabricado y vendido alrededor del mundo des de que la primera moto salió al mercado en Milan, el año 1946. La Vespa debe su nombre al ingeniero al aeroingenierio Enrico Piagoo, hijo del fundador de la marca Piagoo. Cuando éste vió por primera vez el prototipo dijó: «Anda si parece una avispa». O lo que es lo mismo en italiano: Sembra una vespa.

En aquellos tiempos, este diseño conquistó los corazones de millones de motoristas. Era seductora, barata y muy cómoda sobretodo para las mujeres. Su diseño hacia posible que ellas empezaran a conducirla con falda. Vespa significaba diversión. Sobretodo en momentos muy difíciles para una Europa muy convulsa. Cuando Italia se recuperaba de los bombardeos aliados, la producción modesta de esta moto permitía su comercialización a precios muy competitivos.

Glamour de Hollywood

Las mujeres amaban la Vespa.  Dicen que su aparición en Vacaciones en Roma, la comedia romántica protagonizada por Audrey Hepburn y Gregory Peck, favoreció la venta de 100.000 modelos. La pareja más glamurosa de Hollywood, por aquella época, se pasaba toda la película recorriendo la capital italiana encima de una Vespa. Y lo único que quería la gente al salir del cine era hacer la mismo: comprarse una Vespa y hacer turismo motorizado por Italia.

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A medida que el precio de la gasolina ha ido subiendo, que el tráfico ha ido embotellando los centros urbanos y que el aparcamiento ha ido menguando, la mayoría de la población ha optado por moverse en moto. Y, a pesar de la competencia feroz, la Vespa ha ido siempre por delante en cuanto a ventas se refiere desde su primera aparición por las calles de Italia.

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Este año, Piaggio ha lanzado su model número 946, una moto que ha vuelto más que nunca a diseñarse en función de su model original. Tiene cuatro veces más poder de grenada y más control de tracción. Y tal como se promocionó have unos años, la empress ha lanzado un poderosa y femenina campaña de publicized con mujeres con pose chic conduciendo la nueva Vespa por Roma. La diferencia entre ells y Audrey Hepburn de 60 años atrás es que estas mujeres no están de vaccines. Ellas usan la Vespa para ir a trabajar. Y así con una visión más actualized, el zumbido de esta Vespa estará presente en las Ciudades de todo el mundo durante muchos años más.

El diseño también está en el asfalto.

Mira y ¡compra si quieres!

En inglés hay una palabra solo para denominar a la acción de ir a mirar escaparates (v. windowshop). Si existe una palabra (al menos en inglés) que representa esta acción es de suponer que es de vital importancia la manera como se presentan esos escaparates a los windowshopperos. Hay diferentes teorías de la comunicación por las cuales determinados objetos expuestos deben colocarse de esa o esta manera. Pero al final lo que vale es que ese escaparate atraiga al público casual de tal modo que los impulsen a cruzar el umbral de la puerta y salgan de nuevo a la calle con alguna bolsa en su mano.

Para construir una vitrina atractiva podemos recurrir a varios manuales para diseñar ese ‘vendedor silencioso’ que es el escaparate. Todas esas normas parecen estar encaminadas a indicar al escaparatista a diseñar siguiendo una serie de premisas básicas: Que el escaparate esté siempre limpio y luminoso, que se muestre  atractivo y sugerente, que se proponga una selección de artículos para el negocio y renovarlo cada 20 días.

Como las normas están para romperlas Malatinta quiere proponeros una serie de ejemplos de escaparates donde en el mejor de los casos solo se ha seguido una de estas reglas y a veces ni eso. La premisa que sí siguen todos y cada unos de estas vitrinas es la razón principal por la cual existen estos escaparates en primer lugar: ‘impactar‘.

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En Marzo de 2006 Machintosh quisó lanzar el por aquel nuevo Ipod Hi FI con un escaparate que simulaba un cristal roto. De esta manera, se reforzó el poder del dispositivo. Un diseño de escaparate que sin duda causó impacto.

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En este artículo no podíamos dejar de lado a una de las cadenas de tiendas británicas de productos de alta gamma, Selfridges. Conocidos por sus puestas en escena un tanto surrealistas, en 2012 y para combatir la feroz competencia de los portales de internet Selfridges montó un dispositivo de audio y video para exponer el trabajo conjunto de diseñadores de moda y artistas visuales. Los transeúntes podían ver una prenda de ropa al tiempo que disfrutaban viendo y escuchando su proceso de creación.

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El año pasado Dolce Gabbana decidió abrir su colección de Invierno al público simulando un puesto de verduras frescas en sus tiendas de Barcelona y Madrid. Algunos se preguntaran que tiene que ver fruta con ropa de diseño. Pues vendría a ser lo mismo que mezclar churros con merinas. El resultado es estridentemente sugerente.

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Una librería de Berlín pensó que era buena idea irse a la materia prima de la que nace un libro para ganar su batalla contra la moda de los libros electrónicos.

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Este escaparate pertenece a un establecimiento de tejidos de largo recorrido en el Paseo de Gracia de Barcelona llamado Gratacós. Esta vitrina es considerado uno de los top 10 mejores diseños de Escaparates de la Ciudad Condal. Fue premiado a la mejor imagen de la tienda proyectada en el exterior de Eje Shopping Line por la combinación de los tejidos propios de la firma con otros elementos ajenos al sector y sorprender, así, al viandante.

El binomio del reciclaje de altura

Remy y Veenhuizen. Veenhuizen y Remy. En este caso el orden de los factores no altera el producto. Tejo Remy y René Veenhuizen son un tándem de diseñadores holandeses capaces de construir auténticas obras de arte para la casa con materiales reciclados.

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El reciclaje y la reconversión es el leitmotiv que determina su trabajo.

«Transformamos lo familiar e incorporamos las circunstancias haciendo que el material con el que trabajamos sea el mundo en sí mismo. Esto nos permite crear nuestra propia libertad en términos de diseño», aseguran.

Cada vez más la gente se da cuenta del poder del reciclaje. Algo que cumplía una función en un pasado puede que transformado adquiera otro contexto y un nuevo uso. «Construimos imaginando. La decoración, la función y la forma son un todo inseparable».

Remy y Veenhuizen no son pragmáticos. Ellos exploran y descubren. Cuando se ponen a diseñar no hay normas y el resultado es siempre desconocido. Ellos parten del material antes de ponerse a dibujar líneas y se preguntan: «¿puede esto convertirse en algo más de lo que vemos?». El azar determina así la actitud que toman ante el diseño.

«No hay una única y posible solución, se trata de tener en cuenta la arbitrariedad».

La simplicidad es una de las máximas para estos holandeses. «Lo simple suele ser muchas veces la solución ante nuestro problemas. Muchas veces usamos los pasos más sencillos para solucionar los problemas estructurales que se nos presenta», dicen.

No son sólo un estudio de diseño de muebles que comercializa sus productos al público en general. Su trabajo es considerado como piezas de arte que se han expuesto en museos como el Moma en Nueva York o el Victoria de Londres.

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El cofre de cajones, la silla de alfombras o la lámpara hecha de botellas de leche son algunos de sus diseños que han llegado a conseguir reconocimiento internacional. Parece ser que una de las piezas que más les orgullece destacar es el baúl cajonero que ha sido considerado uno de los mejores diseños holandeses de los últimos cien años. «Es una pieza que ya es considerada un diseño iconico», dicen.

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