Mes: mayo 2014 (Página 2 de 9)

El savoir faire de Anónima by cm

carmenAnónima by cm es el ejemplo perfecto de la delgada línea que existe entre mundo del arte y la moda. Una marca experimental, basada en la recuperación de las técnicas artesanales y en la experimentación artística, fundada por Carmen M. Castañeda, una joven madrileña amante del mundo artístico-visual y fiel creyente de la exclusividad y la elegancia.

Recuperando las técnicas del bordado de Alta Costura, dentro de un marco más conceptual y experimental, Anónima by cm crea series bordadas y numeradas con un «hilo argumental» como dibujo, donde todas sus piezas conforman una narración de principio a fin. De esta forma, cada pieza es testigo de un proceso único con una historia, tratada como una obra de arte en sí misma y donde cada una completa su serie al igual que la complementa. Entre sus creaciones podemos encontrar pajaritas, cuellos, blusas, corbatas… todo ello realizado siempre con materiales de gran calidad, como organizas de seda, hilos de algodón o pedrería, y son  llevados a cabo a través de exquisitas técnicas que van desde la aguja hasta el crochet de Lunéville.

Temas como el surrealismo, la teatralidad, la andróginia o la atemporlidad sumergen dentro del universo Anónima by cm. Una apuesta diferente, arriesgada y original la de Carmen M. Castañeda, a la que hoy entrevistamos en Malatinta.

¿Cómo nace Anónima by cm?

Después de estudiar y trabajar en diferentes ámbitos artísticos y vivir una temporada en el extranjero, Anónima by cm surge como necesidad de expresión y de enfrentamiento conmigo misma. Aparece una CM más madura y fuerte, con ganas de mostrar su mundo interior, y encuentra en Anónima el lenguaje perfecto para hacerlo.

Estudiaste Bellas Artes y más tarde diseño de moda para finalmente unir ambas disciplinas, ¿qué es lo que más te atrae del mundo del arte?, ¿y de la moda?. ¿Cómo surge ese binomio de arte y moda?

En el arte, lo que más me fascina es su libertad de expresión. Y el ejercicio que te exige para conocerte a ti misma. En moda, su capacidad de transformar el “cuerpo”, escondiéndolo o resaltándolo de maneras diversas.

Su binomio, creo que no fue elegido. Son parte de mi formación, de mis experiencias, de mis referencias. Del intento de buscar un  lugar con el que identificarme y no encontrarlo.

Aún así, para mí no son dos disciplinas sino una misma expresada de diferentes formas.

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¿Qué supuso para ti estudiar en escuelas tan prestigiosas como L’École Lesage de Paris o en el London College of Fashion y en la Central Saint Martin de Londres? ¿Qué destacarías de cada una?

Fue un gran reto tanto a nivel personal como profesional. Fue abrir los ojos como nunca lo había hecho. Soñar. Imaginar. Y ver todo un nuevo gran abanico de posibilidades.

Del L´École Lesage de Paris, la minuciosidad, el perfeccionismo y su exclusividad  – las clases son de 6 estudiantes -. Además de la exquisita sensación de estar aprendiendo en un lugar donde han pasado grandes maestros.  Del London College of Fashion, me quedo con sus instalaciones maravillosas y su gran profesorado, magos técnicos y visionarios. Y de la Central Saint Martin, su extravagancia, su multiculturalidad, su color… un lugar donde todo es posible.

A pesar de la situación actual del mercado, decidiste hacer un producto de lujo con series limitadas y numeradas, ¿por qué?

No es algo que decidiese conscientemente. Fue mi carácter y mi experiencia los que marcaron  este camino. No creo en la producción y el consumismo masivo,  sino en la diferencia y la individualidad. En un producto de calidad, original y que tenga un valor añadido intrínseco, ya sea por sus materiales, por su elaboración o por su concepto. Un producto que tenga su propia historia y un valor artístico. Aunque el camino sea más difícil, creo que vale la pena tomar ese riesgo.

¿En qué te inspiras a la hora de crear?

En un instante, un recuerdo, una sensación. En un color, en un punto, en una materia.

En tus colecciones destacan accesorios como cuellos y pajaritas, ¿hay alguna razón en especial?

Sobre todo fue una decisión de formato. En un principio, se trataban de piezas pequeñas (pajaritas y cuellos) ya que me permitían la experimentación constante. Además, suponía un reto poder decir mucho en un espacio pequeño, pudiendo así trabajar en diferentes historias bordadas.

Por lo tanto, para mí el formato es secundario (pajarita, camisa, vestido, etc.). Realmente busco un soporte donde poder dibujar con un hilo. Y a veces surgen en pequeñas piezas o se trasladan en grandes superficies.

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¿En qué trabajas en estos momentos?

Estoy trabajando unos prototipos para una posible colaboración con una joyera de Nueva York y preparando una exposición en Londres.

¿Qué planes de futuro tienes para Anónima by cm?

Me gustaría mover Anónima by cm en diferentes escaparates: en pasarelas de diseñadores emergentes o en galerías de arte, a nivel nacional e internacional. También me gustaría colaborar con otros creadores de otras disciplinas.

Sobre todo, aquello que me permita seguir creando y aprendiendo en el proceso.

¿Hay algún diseñador con quien te gustaría trabajar?

Sí, por supuesto. Siento debilidad por el trabajo de Josep Font, Comme de Garçons, Viktor&Rolf, Alexander McQueen y la fascinante Schiaparelli.

¿Te gustaría ver a alguien en especial llevar tus diseños?

Por pedir, me encantaría ver vestida de Anónima by cm a Marion Cotillard o a Cate Blanchett.

¿Algún sueño por cumplir?

Una nunca deja de soñar.

Shooting model credits. Designer: Anónima by cm; Photography: Maku López; Make up&Hair: Lolita MAKE UP; Model: Karola Warzecha (Uno Models); Produced: MONSTER (Estudio fotográfico).

Los monstruos del día a día

Grabado íntegramente con su iPhone 5s, el artista Hombre_McSteez nos presenta su corto titulado Aug(De)Mented Reality.

Un vídeo en el que las situaciones más cotidianas , junto a celulillas de animación,  recrean unos «bichillos» divertidos y más que interesantes.

Palencia cuenta con el bar con más ginebras del mundo

Si nos pusiéramos a buscar la mayor variedad de ginebras, la ruta más lógica nos llevaría a Londres, a Nueva York, quizás a Barcelona. En esta lista el nombre de Palencia sonaría, como poco, desconcertante. Pero The Lemon Society ya está cambiando esta configuración. El bar que Javier San Segundo, economista  de 35 años, puso en marcha en 2009, ¡quiere el título! Para conseguirlo, de entrada hacen falta muchas botellas de gins. Sin olvidar una buena selección de tonics. Los últimos números van por encima de 370 y no paran de subir. La Biblia de los records, la Guinness todavía no ha dado su veredicto. The Lemon pretende hacer la solicitud oficial después del verano.

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El surtido de novedades se hace cada vez más complicado. Javier compra las nuevas botellas durante sus viajes o por internet. Sale de detrás de la barra, desaparece por unos minutos y vuelve con una botella con la advertencia “No se abre”, escrita a mano. Es una de las dos botellas que quedan en el mundo de una edición limitada de 209, la única empresa que produce ginebras kosher/cumplen las leyes de nutrición judías/.  Una de las “presas” más deseadas de este cazador de gins sería Nolets, la ginebra más cara del mundo que solo se vende en EEUU. Mientras, Javier nos va preparando mezclas con nombres de ginebras imposibles: Sikkim fraise, Hooghoudt n67, Nordes, Monkey 47 (contiene nada menos que 47 botánicos). Pero allí no se acaba el arsenal. Más de 50 tónicas desfilan en las estanterías, haciendo cualquier mezcla posible.

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The Lemon nace como un referente de la cultura Clubber, “en la forma de vivir la noche y de ayudar a morir al día”. En sus inicios la tendencia de las ginebras va viento en popa, igual que la crisis. La “Lemon áctitud”(con acento sobre la a) apuesta también por la música en directo, la gastronomía y un descarado marketing y relaciones públicas para colocar a Palencia en el mapa turístico de una manera más sofisticada y divertida.

La clara apuesta por el arte se nota en los refrescantes murales con los que se topa cualquiera que va a los servicios. Unos murales realizados por el artista Iván San Martín por encargo del estudio de publicidad XY. Un proyecto que consiguió el Oro en la categoría de Diseño Gráfico en los premios de Castilla y León de Publicidad del año 2010. Los carteles de los eventos salen de la factoría de la autodidacta Virginia Bilbao y su By Vir-B Cartelería. Transcurrido un año desde la primera colaboración con esta palentina, licenciada en historia del arte, The Lemon decidió exponer todos sus carteles. Estos encajaron a la perfección en el ambiente, entre popular y vanguardista, y se ganaron quedarse como parte de la decoración. El bar ha organizado concursos de relato breve y sonetos y también de fotografía bajo el lema “alegría, felicidad y buen rollo”. Pero aquí lo más importante siguen siendo las ginebras. Otra cita importante antes de acudir a los Guinness es Ginmotive, el I Salón Internacional del Gin y sus complementos los días 4 y 5 de junio en Madrid, donde están invitados.

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Para el final de la visita, ya a altas horas de la madrugada, Javier nos ha reservado el gin-tonic con la ginebra más cara en The Lemon. Es la Zuydam, 20 años de barrica, 35 euros la copa y 350 la botella. Está claro que en la lucha por el preciado título de “el bar con más ginebras del mundo” van a rodar cabezas. ¡Y botellas!

Marilyn y otras celebrities que sacan su lado ‘macarra’

tumblr_mo38ecLedV1qmsukao1_1280Las modas van y viene. Sobre todo vienen y nos las venden como lo más trend del momento, a pesar de que nuestras madres o abuelas ya lo lucían en sus años mozos. No obstante, también cabe la posibilidad de que las modas vayan. Es decir, que lo que ahora está a la orden del día pase a ser una tendencia entre nuestros antepasados. Lógicamente esto sólo puede realizarse de dos formas: metiéndole prisa a los genios de la física cuántica para que presenten ya la máquina del tiempo que tanto esperamos o, algo más sencillo, confiamos en el buen hacer con las artes digitales de Cheyenne Randall.

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Photoshopping-Tattoos-4Esta artista de Seattle goza de una gran popularidad en las redes sociales, especialmente en Instagram, donde sus montajes fotográficos con estrellas del celuloide de ayer y hoy han despertado un gran interés. Iconos del celuloide como Marilyn Monroe, Sophia Loren o James Dean comparten protagonismo con ‘jóvenes’ promesas de la talla de Julia Roberts, Bruce Lee e incluso nuestro actor más internacional Javier Bardem, en algunas de las escenas míticas de su trabajo en la gran pantalla. Pero no sólo los únicos en lucir unos cuerpos completamente tatuados, ya que también han pasado por sus manos desde Einstein hasta Pablo Picasso, Whitney Houston, Elvis Presley o los duques de Cambridge con heredero en brazos incluido.

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Sus protagonistas pasan de lucir el glamour que impregna Hollywood al street art más casual en sus cuerpos, alguno de ellos cayendo incluso en la categoría popular de ‘chonis’ muy a su pesar. Y es que ya decía Aristóteles que la virtud está en el término medio y nuestros afamados protagonistas, siempre desde la visión de Randall, han caído en el exceso luciendo desde calaveras hasta arañas u otros animales, rosas o flores de loto, símbolos étnicos, u composiciones geométricas en su piel.

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Siguiendo los pasos de Randall a la hora de customizar la piel de nuestras celebrities con tinta –en este caso digital y a golpe de clic- un peculiar compendio de imágenes realizadas por la página web Worth1000, que ha pululado por la Red para escoger los mejores trabajos con la temática que hoy tratamos. Son muchos los artistas del Photoshop y demás herramientas de edición fotográfica que consideran que las famosas –en este caso son todas féminas- habrían caído en la tentación de adornar sus privilegiadas curvas de no haber entrado en la fama. Algunas de ellas, como es el caso de Angelina Jolie o Lady Gaga, caen en las manos de estos artistas del artificio digital para plagar aún más si cabe de tatuajes sus deseados cuerpos. Quizá Madona o Jennifer Aniston, también protagonistas de esta particular galería, tomen nota y manden conectar la máquina de tatuar o simplemente se decanten por las calcomanías. Tiempo al tiempo.

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Diego Etxeberria llena la Charada de ‘amateurismo’

El pasado viernes se inauguró la primera exposición de Diego Etxeberria, Amateurismo. Una muestra que la sala Charada de Bilbao acogerá hasta el próximo 22 de junio, y en la que a través de imágenes tomadas por cámaras de usar y tirar, Etxeberria reflexiona sobre la perdurabilidad de lo momentáneo y el carácter forzosamente amateur del ser humano.

DE01Retratos de un mundo desasosegante y claustrofóbico a través del ocio nocturno, del turismo estacional y del encuentro casual de individuos solos que se creen en la necesidad de buscar compañía para ahuyentar el vacío existencial. Lugares comunes ya globalizados donde el autor y el propio espectador están presentes y que sirven para adjetivar la sociedad posmoderna.

Una serie de fotografías en las que el autor se nutre de personajes ensimismados en la cotidianidad que remiten a un mundo claustrofóbico y casi adolescente. Sin embargo es en el reflejo del fotógrafo sobre tales personajes y sobre las escenografías que habitan donde las imágenes adquieren todo su sentido y su fuerza narrativa se hace más presente. Haciendo de la frescura y lo coyuntural su obra.

Los lugares por donde transita Diego Etxeberria son los propios del ocio nocturno, del turismo estacional y del encuentro casual de individuos solos que se creen en la necesidad de buscar compañía para ahuyentar el vacío existencial. Lugares comunes ya globalizados donde el autor y el propio espectador están presentes y que sirven para adjetivar la sociedad posmoderna. Resulta tierno cuestionarse si dejamos en algún momento de ser adolescentes, de si abandonamos esa chillona actitud del no-quiero-nada-y-lo-quiero-ya, de si realmente existe un estadío posterior al que tengamos que llegar o si esto-es-todo-amigos. Uno de los fotógrafos que mejor ha reflejado lo momentáneo y la efímera perdurabilidad del ocio contemporáneo, el finés Jouko Lehtola, decía que buscaba reflejar la inocencia y la rabia de la edad adolescente, edad que no resultaba ni divertida ni agradable.

Su primera exposición individual en la que profundiza en todas esas constantes vitales que ha desarrollado en Desechables y en su libro recientemente publicado Minor, donde retrata una sucesión de momentos sin principio ni fin abiertos a la especulación del espectador.

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El plástico que mata cada año a más de un millón de aves

Un millón de aves y cien mil animales marinos mueren cada año, debido a la ingesta de bolsas de plástico que han sido arrojadas a mares y océanos. Con este anuncio la Academia Nacional de Ciencias de EE.UU, nos hacía partícipes de una terrorífica realidad, en la que nuestros oídos sordos tenían mucha culpa. Un estudio en el que las embarcaciones transoceánicas eran las principales protagonistas, ya que solamente ellas arrojaban al mar, más de 4 millones de kilos de plásticos.

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AD, un artista vanguardista en pleno Renacimiento

Volviendo la vista atrás en el tiempo, allá por el siglo XV, llegaba al mundo, un 21 de mayo de 1471, uno de los mejores artistas alemanes del Renacimiento. Su padre era un conocido orfebre con ascendencia húngara de la ciudad de Nuremberg y su madre también procedía de una familia de orfebres de esa misma ciudad. Con trece años tuvo que abandonar la escuela para iniciarse como aprendiz en el taller de orfebrería de su padre. Viendo que las dotes artísticas del adolescente se decantaban más por la pintura, una vez hubo aprendido las bases del grabado, su padre le envió al taller de Michael Wolhgemut, sin duda alguna el más prestigioso y el mejor introducido en los negocios de la ciudad alemana.

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Esa formación adquirida como orfebre fue siempre la base de un Alberto Durero que plasmaba con exactitud los detalles de sus obras y que realizaba con una precisión sorprendente dibujos y calcografías. No sólo eso. El bagaje adquirido con Wolhgemut le sirvió para tomar contacto con la xilografía, el dibujo al natural, los bocetos para artesanía y vidriera y el mundo del retrato.

Para ampliar su formación y su conocimiento viajó a diferentes ciudades como Frankfurt, Maguncia, Alsacia y Basilea. En Alsacia tomaría contacto con el arte holandés gracias a  los grabados de Martin Schongauer. Este grabador alemán consiguió mejorar la obtención de volumen gracias a un sistema de rayado que perfeccionaría posteriormente Durero.

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No contento con ello, el artista alemán viajó a Italia para tomar contacto con la tradición pictórica y las técnicas que se desarrollaban por los grandes maestros del Renacimiento. Su primer viaje, en torno a finales de 1494 le puso en contacto con la tradición veneciana, aunque lo que realmente le cautivó fue la obra de Giovanni Bellini. Los ricos colores y la sensibilidad del artista hicieron mella en su paleta y en su pincel, lo que le llevó a realizar la Madonna Haller, la primera obra de una serie de muchas donde ya se aprecia la influencia italianizante. El cuñado de Bellini era Andrea Mantegna y su obra pasaría a enriquecer las calcografías, la naturaleza y las formas de la obra del alemán.

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Sin embargo, el descubrimiento más importante que realizó en tierras italianas fue el aprendizaje de la técnica de la acuarela combinada con colores cubrientes. Esa serie de acuarelas le encumbran, junto con Piero di Cosimo, como uno de los mejores artistas del arte moderno al modo de Cézanne o los primeros impresionistas y de la pintura a la tinta china asiática. La libertad, la seguridad, la espontaneidad  y la naturalidad del trazo de Durero muestran que estas obras son lo más bello de este género a través de una nueva forma de entender la naturaleza, que sería posteriormente recuperada por los artistas del plein air.

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Este primer viaje le hizo regresar hacia 1506 de nuevo para seguir desarrollando la idea de belleza que le obsesionaba por completo. Por ello se dedicó al estudio del natural, que le llevó a captar el detalle del dibujo de forma microscópica. No es de extrañar que su obra gráfica eclipsara por completo a su obra pictórica, ya que los artistas contemporáneos estaban entusiasmados por el manejo y los contrastes del uso del blanco y el negro que empleaba para lograr esa exactitud milimétrica.

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De todo lo aprendido tanto en tierras alemanas como italianas, Durero desarrolló el resto de su obra entre Nurenberg y Países Bajos. Se convirtió en el artista alemán por excelencia, elevando su categoría a un nivel internacional. Sus grabados se difundieron por toda Europa y serían conocidos y copiados por artistas posteriores. Consiguió ser el punto de unión entre la pintura de la Edad Media y del Renacimiento en Alemania. Fue el primer artista alemán en redactar documentos autobiográficos y en dar independencia al género del autorretrato, que tantos artistas posteriores desarrollarían en Alemania como en Países Bajos. Fue un verdadero teórico del arte, con tratados muy concisos a la manera de Leonardo da Vinci.  Fue el primero en su tierra natal en desarrollar el dibujo del natural y del desnudo siguiendo modelos vivos. Y consiguió desarrollar la técnica del grabado y de la acuarela con un nivel sorprendente y con una visión moderna que sólo sería entendida y completada a partir del siglo XIX. De sus obras nos quedan más de mil dibujos, un centenar de calcografías y aguafuertes, una treintena de acuarelas, a lo que hay que sumar xilografías y óleos. Un artista que sigue sorprendiendo y que creó su propio monograma como marca de un artista de calidad y vanguardista. AD será siempre la firma inconfundible de un gran artista internacional.

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