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La hora de los veteranos

La urgencia en los hábitos de consumo, van generando en nuestro mundo interior pequeños monstruos voraces, carentes de sentimiento y apego por cualquier pasado que haya podido ser mejor. La memoria en nuestros días, no tiene espacio para el reposo y el sosiego.

De entre la maraña de artistas que emergen y logran mantenerse existe ese reducto de artistas que, a pesar de su edad, siguen demostrando un excelente estado de forma; ya sea renovando su viejo repertorio en conciertos especiales, o publicando nuevos discos con los que estiran aun más su leyenda.

John Cale, legendario líder de la mítica Velvet Underground, ha anunciado un concierto especial para celebrar el 50 aniversario de unos de los álbumes fundamentales de la década de los 60. Grabado entre 1966 y 1967, el disco ha pasado a la historia, entre otras cosas, por su inmortal portada con el plátano de Andy Warhol presidiéndola. El pasado 26 de mayo, en París, tuvo lugar el primero de los dos conciertos en clave de homenaje a dicho LP,  y al cual ahora se une esta segunda fecha, en Liverpool el 26 de mayo de 2017.

Velvet Underground

La semana pasada nos hacíamos eco de la publicación del decimocuarto álbum de Leonard Cohen. El propio artista ha declarado que “está listo para morir” y más tras el fallecimiento de Marianne Ihlen -uno de los amores de su vida y protagonista de la eterna So Long, Marianne- a la que dedicó unas palabras a modo de emotiva despedida ‘our bodies are falling apart and I think I will follow you very soon’- ‘nuestros cuerpos se caen a pedazos y creo que te seguiré muy pronto’. A pesar de lo trágico de su mensaje, el canadiense nos ha regalado otra joya, donde pasea, con su lúgubre voz, por pasajes lisérgicos rememorando sus primeros años de cantautor cercano al folclore, con una producción deliciosa, cuidada y orquestal que ha corrido a manos de su hijo, y también músico, Adam Cohen.

En 2014, Chrissie Hynde cantante y referente de The Pretenders, publicó su primer disco en solitario ‘Stockholm’. Dos años más tarde, decidió darle continuidad a dicho proyecto; pero, lo que en un primer momento iba a ser su segundo LP, ha terminado convirtiéndose en un nuevo trabajo de la banda, que a punto está de cumplir cuatro décadas. Las riendas de la producción las ha tomado Dan Auberbach, cantante y también productor de The Black Keys, que ha otorgado un sonido más áspero, árido y directo a la banda.

Chuck Berry anunciaba hace dos semanas que se encontraba grabando en el estudio, tras 38 años sin material nuevo publicado. El legendario guitarrista de 90 años, quien sabe si a modo de despedida, dedica este trabajo, “Chuck”, a su mujer Themetta, 22 años menor, “mi querida. Me hago viejo. He trabajado en este disco desde hace mucho ¡Ahora puedo colgar las botas!”. 

‘Pace Trail’, el trigésimo séptimo álbum de Neil Young, se publicará en diciembre. Casi de manera sorpresiva llega el anuncio de nuevo material del canadiense, tras estar todo un año de gira. Diez temas, principalmente acústicos, componen la obra de una de las figuras más veneradas del rock. Aunque él no ha venido a despedirse, sino para quedarse.

Grandes discos que cumplen 25 años

Año 1991. Comienza una nueva década lastrada social y políticamente por la caída del muro de Berlín que, si bien, abre un camino de cierta esperanza en Occidente. La cultura pop se había apoderado de las pistas de baile a base de sintetizadores, lentejuelas, hombreras y ritmos horteras mientras el rock y el heavy metal ganaban adeptos en la perpetua mutación de géneros y gustos musicales. En el segundo año de la década varios fueron los discos publicados, que sin saberlo, se convertirían hoy en historia viva. Este año se celebra el 25 aniversario de varios de estos larga duraciones que aún siguen sonando y rugiendo con fiereza.

NIRVANA – ‘NEVERMIND’

A pesar de contar con muchísimos críticos que lo infravaloran, a pesar de contar con fans acérrimos que quizás lo sobrevaloren, es indiscutible que Nevermind, tanto para unos como para otros, es más que un disco de rock. Todo un tratado para una generación inmiscuida en la desidia de la postmodernidad y que encontraban en el recién parido grunge una vía de escapatoria para sumirse en las profundidades del esquivo comportamiento de su líder al que tanto idolatraban y con el que tanto empatizaban. Sea como fuere a sus 25 años Nevermind sigue siendo uno de los discos imprescindibles de la historia de la música contemporánea, por ello el famoso bebé de la portada posó recientemente rehaciendo la icónica portada en clave de homenaje.

PEARL JAM – ‘TEN’

Pearl Jam Ten

¿De los Beatles o los Rolling? ¿De Nirvana o de Pearl Jam? Las dos pregunta trampa para eruditos y puristas –que al poco tiempo se trasladaría a la eterna guerra entre Oasis y Blur-. Para muchos, Pearl Jam es el auténtico representante del grunge del que Nirvana se había convertido en adalid más por casualidad que por ambición. Seattle se convertía en el epicentro del rock alternativo con ambas bandas lanzadas al estrellato de manera inmediata -con compañeros de generación como Soundgarden que también lanzaban su Badmotorfinger- dando un puñetazo sobre la mesa de las radiofórmulas.

RED HOT CHILI PEPPERS – ‘BLOOD SUGAR SEX MAGIK’

Blood Sugar Sex Magik

Su quinto disco consiguió que la simbiosis entre rock, funk y su rap con tintes punk tuviera sentido en términos comerciales. Curiosamente comparte fecha de lanzamiento con Nevermind, 24 de septiembre. El sonido del grupo californiano se consolida y madura de la mano del productor Rick Rubin que los convierte en una de las bandas con mayor éxito hasta el día de hoy. “Give It Away” o “Under The Bridge” son los singles memorables extraídos de un álbum que, a pesar de ellos, es mucho más que dos buenas canciones.

U2 – ‘ACHTUNG BABY’

U2 Achtung Baby

La etapa berlinesa de U2 tuvo como consecuencia directa un giro estílistico marcado por el rock alternativo y las pistas de baile. Tras las maratonianas giras de The Joshua Tree (1987) y Rattle and Hum (1988) los irlandeses se presentaban con un single de presentación The Fly que dejaba desconcertada a la prensa especializada que no tuvo más remedio que claudicar ante un cancionero mucho más crudo y áspero pero tremendamente efectivo.

METALLICA – ‘BLACK ALBUM’

Metallica

La sombra de Nothing Else Matters es alargada. Otro giro estilístico que abrió las puertas del olimpo del rock a Metallica que con este Black Album dejaron atrás las canciones de largo recorrido comprimiendo los temas sin dejar de lado el poso sesudo y duro que les había caracterizado. Un viraje hacia el rock más comercial y de estadios que se vio recompensado en las listas de ventas siendo, hasta hoy, el disco de metal más vendido de la historia.

MICHAEL JACKSON – ‘DANGEROUS’

Michael Jackson Dangerous

El último gran disco del rey del pop mezcla rock, soul y funk de una manera mucho más cuidada. Un disco rico en matices, con más de 32 millones de copias despachadas, que dejaba atrás la eterna colaboración con Quincy Jones centrándose más en el ritmo que en la melodía.

BLUR – ‘LEISURE’

Blur Leisure

El álbum de debut de Blur dejaba entrever todo el potencial de uno de los grupos abanderados del britpop que reinarían junto a Oasis, Suede, Pulp o The Verve a lo largo de toda la década. Las reminiscencias al sonido Madchester se cuelan en temas como There’s No Other Way o Bang que inevitablemente nos recuerdan a unos Happy Mondays rejuvenecidos. Himnos como She’s So High –su primer single- o Sing –que un lustro después se incluiría en la banda sonora de Trainspotting- dejaban prever que estábamos ante una banda que lo tenía todo para triunfar.

R.E.M – ‘OUT OF TIME’

REM Out Of Time

El álbum se alzó con 3 premios Grammy en los que se incluía el premio al Mejor Disco de Música Alternativa siguiendo la estela del éxito masivo de Losing My Religion y Shiny Happy People –que curiosamente la extinta banda ahora defenestra-. El disco se ha colado en infinidad de listas de prensa especializada entre los 100 mejores discos de la historia suponiendo el salto definitivo del grupo a la liga de los grandes.

Un momento a solas con Nick Cave

Para la mente de un artista, los sucesos que transcurren a lo largo de su vida trascienden de una manera más acusada que en el resto de mortales. Por ello, la influencia y el poso que éstos dejan quedan reflejados de alguna u otra manera en su posterior trabajo. Esas huellas son fundamentales para entender el porqué de cada uno de los pasos que llevan hasta el final de ese camino.

Hace algo más de un año el hijo de Nick Cave fallecía en un trágico accidente al precipitarse por un acantilado. Dentro de la obsesiva y brillante mente del músico este terrible suceso tendrá su prolongación en el nuevo disco de la banda “Skeleton Tree” que verá la luz el próximo 9 de septiembre. Un día antes, en un único pase en más de 30 salas alrededor del país, se estrenará el nuevo film dedicado al artista “One More Time With Feeling”, un retrato cercano del proceso de grabación junto a entrevistas y la narración e improvisación del propio cantante.

Un nuevo documental que llega dos años después de “20.000 días en la Tierra”, un film en el que Nick Cave nos narra en primera persona un día cualquiera en su intensa vida: desde grabar en el estudio a ver una película con sus hijos o comer con un amigo mientras mantienen una charla trascendental, y donde las canciones de su tenso, lúgubre y aclamado “Push The Sky Away” suenan de fondo.

El decimosexto álbum junto a The Bad Seeds viene precedido del single “Jesus Alone” en el que canta “With my voice I’m calling you” dando sentido al perenne estado de tragedia que rodea al artista. O quizás esta sea la manera de afrontar su duelo.

Los conciertos imperdibles del MadCool

Aunque para muchos el momento álgido será cuando Vetusta Morla toque ‘La Deriva’ –por aquello del posible hundimiento del recinto sobre aguas del Manzanares-, desde la redacción de MalaTinta queremos proponeros nuestros conciertos imperdibles más allá de la excitación por asistir a las históricas actuaciones de The Who y Neil Young, o de comprobar si de verdad es suelo aguanta los embistes de The Prodigy y Die Antwoord. Para tratarse de un festival de nuevo cuño la cantidad y calidad de los artistas es inmensa por lo que hay que leer la letra pequeña para sumergirse en esta marea de decibelios.

LÅPSLEY

Un prometedor primer EP –Monday- publicado en 2014 le catapultó a la primera división de la escena musical británica. Electrónica, pop, R&B y ambient son las referencias de esta jovencita de tan sólo 19 años. Su dulce voz y los paisajes electrónico cercanos a la pausa y cadencia de James Blake hacen de su aterciopelado directo una auténtica delicia.

ÁNGEL STANICH

Difícil clasificarle; su cancionero baila por diversos estilos arraigados al folk-rock sureño mezclados con su particular voz nasal y donde se nota la producción de su colega Javier Vielba de Arizona Baby. Si no has tenido suficiente con Neil Young éste puede ser un concierto perfecto para poner el broche a una actuación épica.

LÍGULA

Una de nuestras apuestas personales y que nos trae por la calle de la amargura ya que coincide con el final del concierto de Neil Young. Si decides tomar aire fresco, la banda madrileña con su pop-rock intimista hará que no te arrepientas de haber escapado de la aglomeración del escenario principal. La joven formación cuenta con apenas un disco y un futuro prometedor.

FLUME

Con tan sólo 24 años ha conseguido despertar la atención de la prensa especializada. Una larga retahíla de remixes junto a un exquisito primer disco le han situado en la parrilla de salida de la electrónica de masas. Recientemente ha publicado el que es su segundo álbum de estudio, Skin, y que servirá de comienzo en el sprint final para cerrar el festival la noche del sábado.

MICHAEL KIWANUKA

Británico con orígenes ugandeses lleva el soul en la sangre. Habitual de la noche londinense en clubs de funky y soul ha girado con artistas de la talla de Alabama Shakes. Letras políticas para no dejar de mover el culo en la tarde del viernes.

WILD BEASTS

Adentrarse en el mundo de las bestias salvajes es toda una experiencia en directo. Con un sonido pulcro son capaces de crear una atmósfera envolvente y convertir su actuación en todo un ritual lisérgico. Su evolución hacia tintes más electrónicos y más maduros enriquecen su paleta sonora. Este año están de vuelta con el que será su quinto disco abriendo la jornada del sábado a las 19:00, hora ideal para disfrutar de su exquisitez.

GARY CLARK JR.

Una de las joyas del cartel para esta primera edición. Presentado en 2013 en la Casa Blanca como “el futuro del Blues” el texano descarga en su directo, en clave de rock, todas sus influencias que van desde Neil Young a Ben Harper llegando hasta Eric Clapton. La coincidencia con Wild Beasts puede que sea el solape más doloroso.

La caza de brujas de la industria discográfica

Por fin. Se acabó la eterna espera. Esa larga agonía que nos tenía con las uñas clavadas en el reposabrazos del sillón. El fin de semana pasado James Blake y Radiohead publicaron sus nuevos trabajos sin previo aviso. Por un lado, el productor británico editó The Colour In Anything (Polydor, 2016) la continuación de su aclamado Overgrown (Polydor, 2013). Sólo contábamos con la referencia del single Radio Silence por lo que la sorpresa fue mayúscula en las redes. Radiohead por su parte tiraron de ingenio y tras ‘borrarse’ de las redes sociales adelantaron su nuevo álbum con un par de teasers en su cuenta de Instagram, dos pequeñas piezas animadas que alimentaban las teorías sobre este nuevo trabajo, algo que se encargó de hacer la propia banda enviando unas misteriosas cartas a los fans inscritos en su página web con parte de la letra de Burn the Witch que, a posteriori, se ha convertido en el primer single de su noveno disco A Moon Shaped Pool (XL Records, 2016) publicado el domingo a escala mundial.

Dos nuevas maneras de concebir la mercadotecnia musical del siglo XXI. La crisis endémica de las discográficas no hace, sino, afianzar la apuesta de los artistas y bandas por la autoedición y publicación de sus trabajos ante la voracidad y la larga sombra de la piratería. El streaming de pago (Spotify, Deezer, Tidal, Apple Music) se ha convertido en la nueva vía de escapatoria –aunque Radiohead huya de este tipo de plataformas- sumada a la de la música en directo y aunque el vinilo goce de buena salud de sobra es conocido que el ‘boom’ por este formato tendrá sus días contados, por ello la publicidad y la expectación generada a través de este tipo de acciones ayudan en gran medida a que la rueda siga girando.

Ahora bien, ¿es algo tan fundamental en nuestras vidas? ¿Hasta qué punto nos hemos olvidado y hemos pasado de simplemente escuchar música a sólo atender a todo lo que rodea a la publicación con el consecuente morbo generado en ese tira y afloja para ver quién recurre a la idea más ingeniosa?

Estos son los casos más recientes -podríamos incluir el último disco de Beyoncé por ejemplo- pero atienden perfectamente a nuestra manera de consumir la música. Le hemos arrancado el rasgo que le hacía única: la atemporalidad. Ahora, en cuestión de semanas, las revistas más prestigiosas y las redes sociales se encargarán de enterrar estos trabajos que en el caso de Radiohead, les han llevado 5 años de distancia con su última referencia. Quizás por ello, el pasado domingo a la vez que distribuían su disco en formato digital anunciaban la publicación en formato físico para mediados de junio cuya edición deluxe incluirá un libro de 32 páginas. Evidentemente lo de los británicos no es el único caso, ni quizás hayan inventado la pólvora pero logran no dejar indiferente a nadie. Ya hicieron algo similar con su anterior The King of Limbs (XL Records, 2011) y su newspaper edition. Pequeñas obras de arte y coleccionismo que abren un abanico infinito de posibilidades conjugando ambas disciplinas.

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El problema radica cuando ya no se habla de música, atendiendo más a las cuestionables maneras de promocionarla. Esto ha sucedido recientemente con el grupo YACHT y su nuevo videoclip del sencillo I Wanna Fuck You ‘Till I Dead. En él recrean la filtración de una ‘sextape’ falsa, como si tratara de un vídeo robado. Su intención era destacar el sensacionalismo con el que la prensa amarilla y generalista trata cierta información. El caso ha creado revuelo ya que la prensa y fans lo han tomado como una burla, por lo que el grupo se ha visto obligado a emitir un comunicado pidiendo disculpas. Su única intención era conseguir la promoción suficiente, generar ruido para que el nuevo disco obtuviera la repercusión que, definitivamente, han tenido. Ahora bien, de la calidad de la canción ni se habla, ni se espera opinión al respecto.

Los artistas, pues, deben enfrentarse a millones de usuarios ávidos de nueva música, nuevas tendencias que compartir y publicar para poder sentirse realizados por estar a la última. Cambia la música y con ella los hábitos de consumo. La industria crece alrededor de unos parámetros que no están definidos completamente. ¿Cuál será el siguiente paso?

Nosotros seguiremos creyendo en la potencia y universalidad de la música.

Muse: un repaso por sus giras más exitosas

Escenarios gigantescos sacados de películas de ciencia ficción, platillos volantes donde acróbatas de trajes plateados descienden al centro de la pista, pasarelas eternas, edificios que suben hasta el cielo. Desembarca en Madrid el Drones World Tour, la nueva gira del grupo británico Muse. Tras casi un año rodando por la carretera aterriza en nuestro país -5 y 6 de mayo en el Barclaycard Center de Madrid- una de las giras más esperadas del momento.

Muse, en esto de los directos, juegan en otra liga. Han sabido exprimir al máximo la fórmula con una constante evolución ascendente para desarrollar espectáculos al alcance de muy pocos. La originalidad mezclada con tintes épicos y de nuevos mundos acercan el apocalíptico y visionario punto de vista de la banda donde el rock se convierte en epopeya. Un viaje hacia el centro de un imaginario en el que la lucha del hombre contra sí mismo centra un discurso conceptual y en el que Matthew Bellamy, líder y compositor principal del grupo, intenta acercarnos su particular visión de un futuro incierto donde la opresión del poder por las altas esferas se convierten en el centro de su narrativa.

Más allá del politiqueo implícito a lo largo de su discografía, Muse ha sabido llevar a su terreno la grandeza de los conciertos en recintos de gran capacidad, ya sea en su versión en emplazamientos cerrados o en grandes estadios y festivales al aire libre. Drones Tour tiene mucho de The Wall de Pink Floyd, de las giras maratonianas de U2 -quien no recuerda a los irlandeses saliendo de un limón gigante en al excelsa gira Popmart Tour del ya lejano 1997- referencias que al fin y al cabo han sabido absorber para hacerlas propias y convertirlas en auténticas marcianadas.

En esto también rozan la perfección. La calidad de sus últimos discos puede ser más cuestionable pero la fiesta está garantizada en cada uno de sus conciertos, por ello, hemos querido hacer un pequeño repaso al tinglado que han montado en cada una de sus giras.

Fue con el Black Holes and Revelations Tour en 2006 donde se inició la senda de Muse por los recintos de gran capacidad. La legión de fans a nivel mundial que habían reclutado tras los discos Origin of Symmetry y Absolution, del 2001 y 2003 respectivamente, parecía más que suficiente para reservar un pequeño hueco en la historia del rock para los británicos.

La cohesión entre épica, glam y el montaje escénico era total. La portada del disco ya mostraba a unos jugadores de póker sentados alrededor de una mesa sobre el planeta rojo. Una imagen cargada de simbolismo que se traduciría tanto en sus letras como en los escenarios. Sobre las tablas, unas inmensas parabólicas presidían un decorado acorde a un setlist que cerraban con la apocalíptica Knights of Cydonia. 

 

Con la publicación de The Resistance en 2008, la formación dio un paso adelante creando una suerte de ópera-rock mirando de tú a tú al mítico Quadrophenia de The Who. El tour se dividió en dos partes; en los recintos cerrados, con una media de aforo de unos 15.000 espectadores, el montaje escénico consistía en 3 edificios abiertos a la mitad con una pequeña plataforma en ellos para cada uno de los integrantes. La referencia principal esta vez era  1984 de George OrwellUnited States of Eurasia, sin ir más lejos-. Resistance se convirtió en el himno de la gira que se tradujo en DVD recogiendo los conciertos que el Palacio de los Deportes de Madrid acogió en noviembre de 2009.

La segunda parte de la gira estuvo dedicada a los conciertos de estadio. Caracterizados por su grandilocuencia, el escenario se convirtió en un enorme edificio de forma triangular que se prolongaba hacia la mitad del terreno de juego. De allí, en lo más alto, un enorme platillo plateado planeaba el cielo  desde el cual un acróbata ataviado con trajes del mismo color descendía deleitando al público con sus estéticas acrobacias para, a continuación, cerrar la fiesta con una lluvia pirotécnica.

En 2012, Muse ya eran la banda de referencia alrededor del globo por lo que podían permitirse todos los excesos posibles. Con la publicación de The 2nd Law, el grupo siguió adentrándose en la problemática constante del hombre frente al mundo. Basado en la segunda ley de la termodinámica, la portada del disco representa las vías del cerebro humano. Otro recorrido más hacia el centro del universo antropomórfico de Matthew Bellamy. El giro estilístico es más que evidente, la esencia del grupo se difumina hacia espacios muchos más abiertos en una mezcla de estilos que distan mucho de la distorsión eléctrica de sus comienzos.

 

El tour de nuevo es un fiel reflejo de la pomposidad del repertorio extenso del grupo y las referencia a anteriores giras. Vuelve a dividirse en dos partes. En la gira por recintos cerrados una pirámide de monitores y LED’s  dominan con dinamismo el escenario. Los fuegos artificiales de nuevo aparecen en una orgía lumínica. Para la gira de estadios aumentan la apuesta con largas pasarelas hacia el centro del terreno.

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En 2015, con la publicación de Drones –otra vez sobrevuela la conspiranoia en la perturbadora mente de Bellamy- toman como referencia el exitoso 360º Tour de U2 que les mantuvo girando entre 2009 y 2011. La idea es clara: un escenario en mitad de la pista, con pasarelas adyacentes y con vista de 360 grados, el aprovechamiento del espacio es máximo al igual que la espectacularidad del mismo. Y sí, hay drones volando por el recinto.

¿Cuál será el siguiente reto de Muse?

Los festivales que no te puedes perder

Cada año aumenta el número de festivaleros/as, ya sea por la subida del IVA, el nivel económico de los jóvenes, etc. Lo cierto es que 3 o 4 días de festival resultan muy rentables tanto por experiencias como musicalmente hablando. Los organizadores de estos eventos se están ajustando a la nueva realidad y ofrecen mucho más que música, creando por ejemplo, actividades paralelas o mejorando las zonas de acampada.

Los premios Fest reconocen el trabajo que hay detrás de los festivales y en su última edición han galardonado a festivales y a artistas en catorce categorías: te presentamos a algunos de los ganadores:

MEJOR FESTIVAL DE GRAN FORMATO 2014: BBK LIVE

Del 9 al 11 de Julio. Música pop y rock, ubicado en Bilbao con zonas verdes para acampar en el monte Kobetamendi. Y que por cierto, también ha recibido el Premio a mejor zona de acampada. Franz Ferdinand, Crystal Figther, The Prodigy o The Black Keys pasaron este año por sus escenarios. El BBK Live también ha ganado este año el Premio a mejor zona de acampada.

MEJOR FESTIVAL PEQUEÑO FORMATO: FESTIVAL MIL-ENNI (15 Banc Sabadell Festival Mil-Enni)

Ubicado en Barcelona, se trata de un ciclo de conciertos de 6 meses de duración. Nos encontramos con una gran mezcla de estilos: desde Niña Pastori hasta Russian Red, pasando por Elefantes o Raphael.

MEJOR PRODUCCIÓN: BARCELONA JAZZ FESTIVAL (46 Voll-Damm Festival Internacional de Jazz de Barcelona)

Tuvo lugar del 27 de Octubre al 29 de Noviembre. Se trata de un Festival con mucha carretera a sus espaldas: desde 1966 traen lo mejor del Jazz a la ciudad condal. Además de música no faltan las exposiciones y proyecciones cinematográficas.

MEJOR FESTIVAL REVELACIÓN: VIDA FESTIVAL

Del 3 al 6 de Julio en Vilanova y la Geltrú. Hay mucho más que música (indie y pop, por cierto), en Vida Festival importa mucho el cuidado del medioambiente y el fomento de los negocios locales.

MEJORES ACTIVIDADES PARALELAS: MONKEY WEEK 

Los días 10, 11 Y 12 de Octubre de 2014 en el Puerto de Santa María. Conferencias, mesas redondas, presentaciones, exposiciones proyecciones…Multitud de actividades además de la música. Pero en Monkey Week nos encontramos con bandas que aún no son conocidas. Un espacio para que comiencen a sacar cabeza grupos desconocidos. Todo esto por bares, plazas y salas del Puerto de Santa María.

FESTIVAL MÁS SOSTENIBLE: BONA NIT

Festival de menor tamaño, con la mirada puesta en la sostenibilidad y la ecología. Se celebró el 19 de Julio en Barcelona. En 2013 también recibieron el mismo galardón de manos de la organización internacional “A grenner Festival”.

FESTIVAL MÁS TECNOLÓGICO: LOW FESTIVAL

Ha sido el primer festival en implementar las pulseras con chip RFID también aportaron otras novedades como el pago inteligente mediante pulsera en las zonas VIP o el wi-fi gratis en las Zonas VIP.

Los festivales traen muchas novedades: aplicaciones tecnológicas, sostenibilidad, mejores instalaciones…pero por encima de todo está la música. Cada año tienen más repercusión y se va mejorando la organización de los eventos, un sector que en estos años de crisis ha seguido creciendo. Varios días de acampada viviendo grandes experiencias, tus artistas favoritos en directo y ambiente cuanto menos alegre, son las claves del éxito de los festivales en nuestro país.

En primavera comienza la época festivalera…¿ya has decidido a cuál vas a ir tú?

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