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La obra que muestra los pedazos del ser humano

El artista estadounidense James Bullough lo ha conseguido. Su nueva serie ‘Breaking Point‘ estudia a través del movimiento y la expresión, el punto de comienzo y final de ese momento de “fractura”, “tensión” o “conexión” entre mente-cuerpo. Con sede en Berlín, Bullough ha dejado en esta ocasión las paredes de las calles alemanas para centrarse en una serie de pintura figurativa realista de óleo sobre multitud de soportes, en la que el movimiento y la integración de cada uno de los detalles definen la obra.

Momentos de éxtasis, relajación e incluso intimidad han sido el tema central de este artista norteamericano para dar vida a ‘Breaking Point’, demostrando al público que es posible establecer y crear sensaciones desafiando la percepción del espectador. Una serie que comenzó gracias a su trabajo junto a distintos bailarines, ya que con ellos podía “captar momentos de fractura existencial, interrupción y encontrar la brecha de cada uno de ellos a través del movimiento y expresión corporal”, como él mismo declaraba para mymodernmet.

'And At No Time Did She Ever Leave My Mind'

‘And At No Time Did She Ever Leave My Mind’

'Away'

‘Away’

'Colide'

‘Colide’

'Furthest Reach'

‘Furthest Reach’

'Good Hurt'

‘Good Hurt’

'Its A Must'

‘Its A Must’

'Unraveled'

‘Unraveled’

'Endless'

‘Endless’

'Never See It Coming'

‘Never See It Coming’

El gran “Maestro de la Luz” ruso

Cuando Catalina La Grande accedió al trono de Rusia, de la mano de su marido Pedro III, nunca llegó a pensar que sería recordada como una gran mecenas de las artes y las letras en el país que la acogió como emperatriz. Fue una de las más importantes coleccionistas de su tiempo que consiguió enriquecer la colección palaciega gracias a las sumas de dinero que invertía en adquirir obras provenientes de toda Europa. Y no sólo eso. Consiguió que la Ilustración calase entre las clases nobles y que las artes evolucionasen como nunca antes ni después se vio en la historia del país, tal vez debido a las constantes luchas internas y externas que durante los siglos XVIII y XIX tuvo que sufrir hasta alcanzar cierta estabilidad.

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Rusia ha sido fuente de grandes artistas durante la última mitad de siglo. Quizá sea la distancia, quizá las diferencias culturales, o tal vez el arduo clima y la vasta extensión de terreno que conforma al gigante europeo el causante de la ignorancia, en muchos casos desde el punto de vista de la Europa Occidental, del potencial artístico de este desconocido país. El realismo pictórico es uno de los movimientos que pega con más fuerza en la actualidad, aunque sin descartar otros.

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El artista Evgeny Lushpin es uno de esos pintores que no pasan desapercibidos y que son reconocibles bajo la estela del citado realismo. Es considerado uno de los grandes pintores del momento y uno de los “Maestros de la Luz”, emulando a Vermeer, Miguel Ángel, Leonardo, Rembrandt… con obras que parecen auténticas fotografías realizadas sobre lienzo. Su capacidad de llevar a la realidad paisajes y vistas de ciudades deja la piel de gallina a quien lo contempla. El efecto realístico es tal que se podría decir que sus obras se tratan de auténticos trampantojos que confunden la realidad de sus obras.

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La capacidad de análisis, de detallismo y de narración son consideradas el punto fuerte de cada una de sus pinturas. El espectador se traslada, literalmente, dentro de la obra, la cual parece cobrar vida por sí misma, para perderse por sus calles, caminos y callejuelas a fin de integrarse por completo y mimetizarse con la misma. Algo similar ocurre con sus canales o el interior de las casas que retrata. Los personajes que integran estas escenas resultan totalmente armónicos y en sintonía con el ambiente en el que se ubican, con escenas que hablan de la buena comunicación entre vecinos y la tranquilidad de la vida diaria. La belleza de la naturaleza también ocupa un lugar prominente, con escenas donde el agua y la luz se combinan en total majestuosidad, o la misteriosa fuerza de la noche que atrae como un imán a cualquier observador curioso que quiera entablar relación con lo enigmático.

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Las obras de este gran artista están causando una increíble impronta en su país natal y sus ventas se van incrementando año tras año. El poder de la pintura y de la obra de arte original, armónica y bella atraen de manera singular a los coleccionistas que ya ven en Lushpin la reencarnación de un nuevo maestro de los pinceles, a la antigua usanza y conservando el aire de misterio y autenticidad que hacen único a todo artista genial.

Antonio Duarte y el arte de hacer lo que uno quiere

¿Eres de los que piensa que el arte se aprende en las aulas? o por el contrario, ¿crees que hay gente que nace con talento y no necesitan que nadie les enseñe a ser genios?. El arte, la creatividad y la imaginación no están reñidas con la profesión, sino con el ser y, eso, es lo que le ocurrió a nuestro artista de este mes, Antonio Duarte. Ingeniero de profesión, pero amante de los pinceles y los lápices por vocación. Un día decidió que lo suyo era mancharse las manos lejos de los planos, las escuadradas y cartabones y, hoy, nos presenta su particular imaginario.

Con un estilo realista que busca la simpleza en los detalles y la perfección en los trazos, Duarte nos presenta una obra en la que la acuarela, la tinta y el lápiz se vuelven protagonistas de una ilustración estética y colorista. Porque nos encanta que la gente arriesgue y, por supuesto, somos aférrimos amantes de la tinta y la trama, hoy, MalaTinta habla con Antonio Duarte.

 ¿Quién es Antonio Duarte?

Mi nombre es Antonio Duarte, para los más allegados Jipi. Soy ingeniero de Diseño Industrial y futuro Ingeniero Industrial. Amante del séptimo arte y de la sencillez. Los que me conocen dicen que soy un estudiante de bellas artes truncado. No les quito razón.

El pattern de este mes está diseñado por ti, ¿qué quisiste reflejar en él?

En el pattern intento reflejar los sueños, gustos, supersticiones y fantasías de la gente, combinado con una búsqueda continua de tratar el color, la numerología y la geometría.

arale-bola-dragon¿Cómo llegó un ingeniero industrial al mundo de los pinceles?

Desde pequeño me gustaba dibujar. Quise estudiar bellas artes, pero finalmente decidí dedicarme al mundo de la ingeniería, ya que no considero que tengas forzosamente que estudiar arte para hacer lo que te gusta. Poco a poco he intentado empaparme de diferentes técnicas y materiales ya que todo lo aprendido lo he conseguido de manera autodidacta. Gracias a esto, he conseguido apasionarme más aún por lo artístico. Para mí, la ilustración es una vía de escape de la rutina y una manera de plasmar mis inquietudes y pensamientos, con ellas solo intento plasmar lo que tengo en mi cabeza.

 

Tú mismo comentas “no considero que tengas forzosamente que estudiar arte para hacer lo que te gusta”, ¿piensas que el arte no se aprende en las aulas?

Creo que la técnica puede aprenderse en las aulas y avanzar mucho en la técnica, pero la pasión por el arte y el talento creo que se lleva dentro y no se crea.

Si me arrepintiera de algo…

Creo que en la vida no hay que arrepentirse de nada. Lo que hacemos en cada momento se hace por que se considera que es lo oportuno. Si después nos damos cuenta de que nos equivocamos, esto debe servir para mejorar y aprender.

Tu obra se caracteriza por la fusión geométrica y el animalismo, ¿crees que confiere una entidad especial a tu trabajo?

Me inspiro en la vida diaria, en lo que ocurre a nuestro alrededor, en ideas de amigos, de todo un poco. No me gustaría catalogarme o meterme en ningún registro en concreto, ya que me gusta estar en constante aprendizaje e intentar tocar diferentes disciplinas, pero principalmente uso la tinta, acuarela y el lápiz.

Admiro a…

Jeff dekal, Elfandiary, Chris Samnee, Erik Jones, Andrew Hem, ARYZ, BLU. Aunque tengo especial cariño por un gran profeta en mi tierra del olivo como es Belin.

¿Qué te gustaría hacer que aún no has hecho?

Viajar a Sudáfrica y Japón.

¿Cómo te enfrentas a la hoja en blanco?

Sabiendo que al comienzo voy a pensar que hasta que no este terminada no estaré contento con la pieza.

¿Qué artista o artistas dirías que han influido en tú trabajo?

Uno de los artistas que más ha influido actualmente en mi evolución ha sido Emmanuel Lafont.

Para terminar, nos gustaría saber ¿qué nos espera de Antonio Duarte?

Ganas de seguir creciendo y poder sentirme orgulloso de lo que hago. Además de unas cuantas series e ideas que están tomando forma

2016-01-31-Majo

Aleah Chapin: desnudos reales de la madurez

Pechos caídos. Arrugas. Celulitis. Piel flácida. Un pecho extirpado. Estrías de la maternidad. Canas. Cuerpos im-perfectos. Cuerpos de verdad, de los que te encuentras por la calle al caminar.

Cuadros realistas y tan auténticos que parecen fotografiar lo que ya nadie quiere ver: una belleza real y sin tapujos, sin Photoshop pero sobre todo, la belleza de la mujer madura que no es políticamente correcto retratar. El cuerpo de tu madre, de tu abuela, o el tuyo dentro de unos cuantos años.

“La belleza eterna, hecha arte”, así reza su eslogan.

Ellas son las modelos preferidas de la americana Eleah Chapin, una joven de 28 años cuya obra posee tantos admiradores como críticos, ya que muchos consideran su arte desagradable. Empezó retratando los cuerpos desnudos de las amigas de su madre y no se dejó amedrentar por los ojos que no querían mirar, y siguió así ampliando su colección que ya se ha expuesto en varios lugares de Europa.

¿Te resulta difícil mantener la mirada en algunos de sus cuadros? No debería ser así. No tendría por qué ser así. No deberíamos tener que avergonzarnos de nuestro cuerpo, sea cual sea, tenga la edad que tenga.

Los mejores ‘Realistas de Madrid’ llegan al Thyssen

Del 9 de febrero al 22 de mayo de 2016, el Museo Thyssen-Bornemisza presenta una nueva exposición dedicada a un grupo histórico y generacional de pintores y escultores que han vivido y trabajado en Madrid desde la década de 1950, unidos tanto por las vinculaciones de su formación y de su trabajo como por sus relaciones personales y familiares. Antonio López, su esposa, María Moreno; los escultores Julio López Hernández y su hermano Francisco; la mujer de Julio, la pintora Esperanza Parada; la mujer de Francisco, la también pintora Isabel Quintanilla y muchos más; serán los encargados de dar vida a una muestra que lleva por título ‘Realistas de Madrid‘.

Madrid, punto de encuentro para artistas del realismo de los años 50

Antonio López - 'Lavabo'Por primera vez, en el último cuarto de siglo, una exposición establece como punto de encuentro y total protagonista a la capital madrileña. La muestra incluirá unas noventa piezas entre óleos, esculturas, relieves y dibujos, que se alternarán a lo largo de las salas para establecer diálogos entre los artistas y destacar los puntos que tienen en común, tanto en la elección de los temas como en la forma de abordarlos; unos nexos que se ven reforzados por esa relación tan estrecha que les une, ya sea familiar o de amistad, y por las coincidencias en su formación académica y su postura común frente al informalismo dominante en el panorama artístico español de los años cincuenta.

Muchas de las obras seleccionadas no se han visto en mucho tiempo en nuestro país y han sido elegidas por los dos comisarios de la exposición, María López, hija de Antonio López, y Guillermo Solana, junto a la comisaria técnica Leticia de Cos, de las propias colecciones de los artistas, de otras colecciones particulares y de instituciones internacionales. Además, la destacada presencia femenina en el grupo, de cuatro mujeres frente a tres hombres, tiene igualmente su reflejo en la exposición, como muestra de esa primera generación artística tras la Guerra Civil española en la que las mujeres ocupan un lugar relevante.

De lo íntimo a lo público

La muestra sigue un itinerario temático, no cronológico, que va conduciendo al espectador de lo íntimo a lo público; del bodegón a la ciudad; del plano corto, la escala pequeña y la proximidad, al gran formato y las vistas urbanas panorámicas. Es un recorrido por los temas que todos comparten: el bodegón, el interior doméstico, las calles y los patios, la figura humana, la ciudad de Madrid…y cuyo colofón tiene un único protagonista: un gran lienzo de Antonio López, ‘Ventana de noche‘ (2013-2015); una obra reciente, que se presenta por primera vez en España, y que destaca por su original visión de gran angular.

Entrada general: 12 €

– Entrada reducida: 8 € para mayores de 65 años, pensionistas, estudiantes previa acreditación y familias numerosas

– Entrada gratuita: menores de 12 años y ciudadanos en situación legal de desempleo

Foto portada: ‘Naturaleza Muerta de la Sandía’ – María Moreno

Crisbel Robles y el arte de la poesía ilustrada

Ferias, galerías y festivales que cada día confían más en un arte que hasta “hace relativamente poco tiempo” no se consideraba un arte. La ilustración está sufriendo un proceso de transformación que para muchos eruditos de “entonces” era algo impensable. Ver, sentir y, sobre todo, conseguir que el público disfrute con la ilustración nos hace creer que, por fin, el mundo da lo que muchos años esperábamos recibir. Crisbel Robles es una de ellas. Una artista polifacética, cuyo amor por la ilustración nos hace emocionarnos en cada trazo.

Figuras que son sin ser. Momentos, paisajes que evocan versos ilustrados fundidos con sus protagonistas que nos gritan desde su propia realidad. Ése es el mundo de Crisbel. Un mundo en el que todos nosotros tenemos cabida.

Porque nos apasiona su trabajo, su trazo y su creatividad. Hoy, Malatinta habla con Crisbel Robles.

¿Quién es Crisbel Robles?

Una apasionada del lápiz a la que le gusta plasmar poesías visuales.

El fondo de Malatinta de este mes está diseñado por ti ¿cómo lo definirías?

EstudioNormalmente la mirada es muy protagonista en mi obra pero en este caso he optado por taparla con el pelo para que resulte enigmática y provoque mayor curiosidad en el espectador. He querido centrar la atención en los labios rojos y a su vez como transición para invitar a pasear por la imagen, ya que es un elemento muy característico en mis chicas, además de considerarlo un símbolo de feminidad, sensualidad y fuerza.

Te declaras una apasionada de tu profesión. Te licenciaste en Bellas Artes por la Universidad de Granada y como tú misma comentas “a veces afirmo que la volvería a hacer”. ¿Qué piensas que te aportó?

Es difícil seleccionar entre tantas cosas, podría resumirlo en que me enseñó muchos recursos creativos y lo más importante, es que aprendí que hay que insistir hasta dominar la técnica: la constancia es la base de un buen resultado.

Crisbel Robles - 'Azulclaritocasiblanco'

Crisbel Robles – ‘Azulclaritocasiblanco’

¿Crees que en la universidad realmente te preparan para enfrentarte a la realidad del artista?

Crisbel Robles - 'Más allá'

No sé como estará la formación en las facultades en estos momentos, pero en mi promoción no fue el caso. Tuve muy buenos profesores que nos advertían de que la vida profesional no era para nada lo que estabamos viviendo en la facultad, aunque lo que sí que es cierto, es que nunca llegas a imaginarte a qué se refieren. Cuando empiezas a trabajar de manera profesional sientes que empiezas de nuevo una carrera, por ejemplo, hubiese estado genial que nos enseñasen el funcionamiento del artista ‘freelance’, tipos de iva según cada tipo de encargo, modalidades de contratos… y varios conceptos importantes que nos hubiesen hecho el trabajo más fácil.

¿Qué harías que no hiciste?

Como suele decir Puño, el modo de impartir las clases de las facultades es muy litúrgico. Estamos muy acostumbrados a recibir “la charla” del profesor e irnos a casa. Sinceramente, si volviese a la facultad preguntaría más.

Tu obra se caracteriza por una ilustración figurativa en la que diversos elementos se combinan para dar vida a momentos presentes, pasados y futuros ¿cómo planteas tu trabajo?

Casi siempre llevo un blog en el que apunto frases o hago bocetos de poses que me resultan emotivas. Después los mezclo, a modo de ingredientes y los voy trabajando hasta conseguir que la composición transmita lo que quiero de una manera muy elaborada y a su vez muy instintiva. Una vez tengo todo abocetado y veo que funciona, me pongo a trabajarlo en el papel definitivo.

¿Temes a la hoja en blanco?

No, para nada, cuando me pongo frente a la hoja en blanco es para plasmar una idea muy trabajada previamente.

¿Piensas que las galerías y ferias de arte cada vez apoyan más al ilustrador?

Por supuesto que sí, cada vez surgen más opciones para exponer y dar más visibilidad a nuestro trabajo. La ilustración está de moda y es muy gratificante ver cómo se impulsa la ilustración en ferias, galerías y tiendas especializadas que dan cabida a nuevas formas de expresión.

Recientemente te hemos visto en La Fiambrera junto a la también ilustradora Martina Billi, en vuestra primera exposición colectiva, ¿cómo fue la experiencia?

Crisbel Robles - 'Thorn'

Crisbel Robles – ‘Thorn’

Breve pero ¡intensa!. Exponer en un espacio tan fantástico como el que ofrece La Fiambrera ha sido una experiencia genial. Cuando quedamos empatadas en el concurso VeoVeo y el premio era exponer me pareció todo un honor que además lo hiciéramos juntas ya que nuestra obra encaja a la perfección. Era fiel seguidora del trabajo de Martina en redes sociales, por lo que exponer con ella ha sido todo un regalo. A su vez estamos muy contentas con la buena acogida que ha tenido por parte del público.

La ilustración para mi es…

Un modo de vida que si no existiera tendría que inventarse.

Mis ilustradores favoritos son…

Klimt, Egon Schiele, Audrey Kawasaky, Kelly Smith o Norman Rockwell entre otros.

¿Qué queda de esa niña que pintorrajeaba los cuadernos con sus lápices de color?

Pues creo que mucho. Constancia, curiosidad y una pasión que siguen estando muy presentes en mi, espero que por muchos años.

Para terminar nos encantaría saber…¿Qué se trae entre manos Crisbel Robles?

Martina y yo estamos organizando otra exposición conjunta y por otro lado seguir trabajando fuerte, tanto con la obra personal como con los encargos editoriales.

 

Lee Price, realismo figurativo a vista de pájaro

Como una invitada fugaz que observa en silencio mientras lanza su mirada desde arriba… así se introduce Lee Price en los espacios íntimos, solitarios y privados en los que ellas han dado rienda suelta a la compulsiva ingesta de alimentos.

Esta pintora realista figurativa procedente de New York lleva veinte años retratando con su óleo cargado de detalles a diversas mujeres, y en esta ocasión, capturadas en plena crisis de autocontrol.

Price es capaz de plasmar, con la minuciosidad de una fotografía a vista de pájaro y a través de autoretratos que ponen rostro a múltiples caras femeninas, estas conductas obsesivas, ineludibles e irreflexivas, esa lucha de algunas mujeres con su propio cuerpo a través de sus obras hiperrealistas.

Sus instantáneas inmortalizan el instante en el que ellas se descubren a sí mismas en aquellos momentos secretos en los que se deleitan buscando una solución inexistente en unos alimentos cargados de culpa, un consuelo temporal a través de efímeros  instantes de placer en la comida a la que adjudican cualidades ficticias que exprimen hasta la saciedad más obsesiva.

Vergüenza, intimidad, adicción… se retratan con un hiperrealismo sorprendente en las bañeras, camas y cuartos de baño, espacios privados en los que Price se ‘cuela’ para mostrar a través de una ilusión perfilada al óleo, semejante a una experiencia extracorpórea, las complicadas relaciones entre comida y mujeres en ocasiones, por un lado, y los comportamientos fuera de control y sin posibilidad de contención por otro.

Esta comida más emocional que nunca se desenvuelve sin disciplina en espacios tan íntimos como inusuales para disponerse a comer, espacios que sirven de escenario no sólo para expresar la falta de autocontrol sino también la pérdida del tiempo.

Sin censura ni juicios, Lee Price se pregunta qué es lo que verdaderamente nos alimenta y plasma con sumo realismo a mujeres en una soledad consciente acompañadas por el desgaste de tiempo y energía perdido en alimentar las obsesiones y la incomodidad ante su propio cuerpo, siempre demasiado grande o pequeño, pero nunca idóneo ni adecuado… una idea recurrente  en la conocida obra ‘Alicia en el País de las Maravillas’ para esta artista.

Platos vacíos en la bañera, camas repletas de dulces ingeridos de forma compulsiva, durmiendo entre melocotones... Sus obras han experimentado igualmente un proceso sobre el comportamiento ante la comida, si bien las primeras capturan momentos de acción compulsiva, ésta última refleja una transición, de la ‘comida basura’ a la sana alimentación, de la obsesión a la capacidad de permanecer indiferente ante ella  e incluso dormida.

Descubre en este vídeo más claves esenciales de esta artista:

 

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