Etiqueta: Florencia

Andrea Verrocchio, el maestro a la sombra de Leonardo

Con motivo del quinto centenario de la muerte de Leonardo Da Vinci, desde el pasado 9 de marzo, el Palazzo Strozzi de Florencia ofrece una restrospectiva de Andrea Verrocchio. Esta exposición es parte de las actividades programadas por la ciudad para conmemorar el aniversario del que ha sido su discípulo más célebre. Leonardo es, a fecha de hoy, uno de esos artistas que sigue asombrando tanto a público como investigadores después de medio milenio de ausencia. Hay partes de su vida y su obra que aún permanecen inconclusas y que siguen siendo un misterio para muchos. Por ello, remontarse a los inicios del joven Leonardo aprendiz puede ayudar a comprender alguna de esas partes menos conocidas y que todavía resultan misteriosas. Qué mejor manera para ello que dedicarle una retrospectiva al que fue su maestro y, en cierto modo, culpable del genio y la fama de este artista universal.

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Leonardo y la duda de Tongerlo

La fascinación que despierta Leonardo da Vinci se debe a muchos aspectos. Sus amplios conocimientos en ingeniería le convierten en precursor de muchos inventos posteriores. Su dominio del dibujo y de las técnicas pictóricas le convierte en uno de los grandes de la pintura.

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Ideas de escapadas urbanas para un fin de semana inolvidable

Los fines de semana son propicios para dar rienda suelta a la imaginación y poner en marcha la preparación de las escapadas más brillantes que se nos puedan ocurrir. Las escapadas de fines de semana se planifican con mucha ilusión, pero a menudo cuando ya se acerca el momento de la salida nos asalta siempre alguna interrogante que se nos ha quedado por fuera.

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Florencia muestra cerca de 90 obras del Museo Reina Sofía

El Palazzo Strozzi de Florencia abrirá al público el próximo sábado 20 de septiembre la exposición Picasso y la modernidad española, una muestra organizada por el Museo Reina Sofía y la Fundación Palazzo Strozzi. Las cerca de 90 obras que se exhibirán hasta el 25 de enero de 2015 pertenecen a la colección del Museo madrileño, a excepción de un par de ejemplares de la biblioteca de Florencia que se exhibe como material complementario. Entre ellas destacan algunas tan importantes como el Retrato de Dora MaarBusto y paletaEl pintor y la modelo, de Picasso; Siurana, el camino, de Miró; El violín, de Juan Gris; o Composición cósmica, de Óscar Domínguez.

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Cuando Martina Billi convirtió el arte en madera

Frescura, naturalidad y sinceridad, es lo que os traemos este mes. Nacida en plena Toscana, muy cerca de Florencia, cuna del arte por excelencia, Martina Billi nos presenta sus trabajos de pirograbado y bolígrafo sobre el material más noble y, que pocos se atreven a utilizar. Ser diferente es lo que define a un artista, y Martina ha conseguido, en poco tiempo, llamar la atención de un público necesitado de cosas nuevas e impactantes.

Un dibujo fresco y creativo, definen a esta italiana que un día decidió convertir nuestro país en el primer escaparate para su obra. Porque nos encanta la frescura, la naturaleza, el buen hacer y, por supuesto, la Toscana, hoy Malatinta habla con Martina Billi.

Si alguien te preguntara quien es Martina Billi, ¿qué le contestarías?

Dibujante e ilustradora nacida en Italia y afincada (momentáneamente) en Madrid.
martina

 

El pattern de Malatinta está diseñado este mes por ti, ¿qué quisiste reflejar en él?

El pescado representa algo que siempre esta en movimiento, difícilmente se le ve quieto y el hecho de que forme de un círculo «mordiéndose la cola» hace que el movimiento sea potencialmente infinito. También al alimentarse de su propia cola se nutre así mismo, simbolizando la capacidad que cada uno tiene de regenerarse.

Florencia, cuna y capital del arte, dónde clásicos y contemporáneos se dan la mano, ¿por qué decidiste dejar una ciudad como Florencia por Madrid?

©Martina Billi

©Martina Billi

Florencia es en sí una ciudad clásica, que deja poco espacio a cualquier manifestación de arte contemporáneo. Los tímidos intentos que la ciudad promueve estan íntimamente ligados a espacios institucionales y protagonizados por personajes ya muy conocidos en el mundo o en el mercado del arte.

Esto crea un panorama poco dinámico y poco sorprendente, cerrado a las nuevas propuestas. La visión queda atrapada en el tiempo y en el espacio, provocando que la tradición y excelencia artística que hizo de esta ciudad un punto de referencia durante mucho tiempo, ahora nos atrape, haciendo imposible o muy difícil la reinvención de nuevos espacios o presentación de nuevas ideas. Sin duda, la belleza de la ciudad sigue siendo fuente de  inspiración, aún habiendo pasado siglos, pero hay poca conexión con el mundo actual.

 

¿Crees que en España tenemos esa cultura artística que tanto intentan potenciar?

En las grandes ciudades, debido al flujo siempre cambiante de gente, suele haber la voluntad y apertura necesarias para la formación de espacios de creación dinámicos y multidisciplinares. Creo que se podría investigar una nueva y más concienciada forma de juntarse en espacios independientes y lejos de lo institucional. Estos espacios darían la posibilidad de compartir conocimientos, interactuar con personas que ya trabajan y, desarrollar una figura profesional. Lamentablemente todavía estamos más ocupados en competir que en compartir.

¿Qué piensas que te ofrece el dibujo que no te da la pintura?

Personalmente tiendo a pensar que los lenguajes comuniquen y se compenetren mutuamente. La pintura ha sido parte de mi experiencia y formación, aún a día de hoy sigue «participando» o haciendo incursión en algunos de mis dibujos o en la percepción que tengo de planos y superficies. Es una disciplina que requiere un tiempo un poco mas dilatado respeto al dibujo y unos tiempos de entrada un poco mas largos. El dibujo, que tambien necesita la misma dosis de concentracion me ofrece la inmediatez y dinamicidad que necesito para dar forma a una idea.

¿Por qué trabajos monocromos?

La ausencia de color ( o mejor el uso del blanco y negro) no es casual, viene de una enorme pasión por la fotografía, que también estudié. Durante años la fotografía en blanco y negro ha sido muy importante para mi, convirtiéndose en mi punto de referencia y fuente de inspiración. A través de la observación de innumerables revistas de fotografía que se coleccionaban en casa de mis padres a partir de los años 70, se ha ido formando en mi, una gran pasión por el blanco y negro. Siempre, para mi, la imagen dibujada ha sido ligada íntimamente con la fotografía en términos tanto de composición, como de atmósferas.
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Como tu misma comentas: «muchos de mis personajes aparecen como congelados en un momento preciso de reflexión, un instante muy íntimo y algo melancólico». ¿Piensas que tus obras dependen del estado anímico en el que te encuentres, cuando estas trabajando en ellas?

La verdad, supongo que cuando pasas tantas horas con un dibujo, es inevitable no interactuar con él. También, mi búsqueda pasa a través de estas zonas «muertas» o menos visibles que todos, o casi todos, experimentamos, por ejemplo, cuando reflexionamos sobre algo, en un momento de aburrimiento o de abstracción. Son zonas que suelen ser un poco solitarias, pero también son importantes en la formación de la identidad y sensibilidad de cada uno.

©Martina Billi

©Martina Billi

Todos tus trabajos tienen un nexo de unión, la madera. ¿Cómo surgió la idea de dibujar sobre ella?

He crecido en un entorno natural, al lado de Florencia, en plena Toscana, donde este material siempre a estado al alcance de todos. Cuando estaba en la universidad de Bellas Artes, pintaba con óleo sobre madera, pero solía hacer largas preparaciones en yeso que dejaban la superficie lisa y blanca. En realidad, la madera es un material noble, orgánico y que tiene su propia historia, ¿para qué taparlo y no mostrar su belleza? Desde entonces, uso la madera como soporte para mis dibujos.

Una ilustración que se desvincula de la animación, acercándose al realismo. ¿Qué dirías a todos aquellos que a día de hoy piensan que la ilustración depende al cien por cien de la animación?

Creo que en el vasto mundo de la ilustración hay espacio para todo. No creo que sea obligatorio conformarse con una idea establecida de cómo tiene que ser una ilustración, si no seguir las imágenes mentales que se forman en nuestro imaginario. En mi caso, son imágenes realistas que alcanzan un toque surrealista, sólo gracias a los montajes y a los collages que hago con varias piezas dibujadas.

Nos comentas, que ya en Madrid empezaste en distintos mercados y ferias de diseño independiente como la de Lavapiés, La Boca, Nomada Market, Mercado de Motores y en la ultima edición del Mercado Central de Diseño, en el Matadero. Lugares en los que los artistas más independientes y contemporáneos se reúnen para mostrar sus trabajos, pero…

¿Crees que en un país en el que la crisis ha hecho tanto daño, ésta es la única vía en la que el artista puede darse a conocer y vivir de su arte?

Empezando por el hecho de que es bastante complicado vivir del arte, ahora mas que nunca, estas ferias y mercados representan un escaparate donde es posible enseñar y vender nuestro trabajo. En mi caso, ya que llevo apenas un año en Madrid, ha sido fundamental participar en este tipo de eventos, en la medida en que he podido conseguir nuevos contactos de trabajo y darme a conocer. Puede ser una forma de juntar y valorar varios trabajos hechos a mano, creando un interés o llamando la atención del público hacía el diseño independiente de personas que tratan de trabajar en un país, en el que la crisis ha afectado cualquier ámbito laboral. Desde luego, creo que hay otras formas de promocionar o trabajar.
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Cada vez más, vemos como ilustradores de renombre o juniors que están empezando en el «mundillo» de la ilustración, se tiran a la piscina del tatuaje. ¿Crees que es compatible? o ¿el buen ilustrador no puede ser buen tatuador?

Es totalmente cierto, cada vez más pintores e ilustradores intentan trabajar en el campo del tatuaje. Creo que las razones pueden ser varias, primero el tatuaje tiene una base de dibujo que no puede no llamar la atención de quien trata de hacer de esta disciplina su profesión; también la supervivencia puede ser otro motivo de acercamiento. En mi caso el interés por el tatuaje mezcla las dos cosas, nace por afinidad estética y se concreta en una tienda de tatuajes de Barcelona en la que he trabajado durante una temporada en 2007 cuando vivía allí. Para los que se nutren de imágenes, es difícil separar las disciplinas y los lenguajes y tampoco es tan útil, creo que es el deber de cada uno, elegir en lo que quiere profundizar e investigar, nada se improvisa de un día para otro y todo lo que nos interesa de verdad y que ejerce una influencia profunda se refleja en nuestro trabajo, el resto es mera apariencia.

¿Qué dirías a todos los estudiantes, amateurs o profesionales como tú, que intentan hacerse un hueco y vivir del arte?

Que no pierdan la esperanza ¡nunca! Y que defiendan el trabajo que hacen, frente a la ignorancia y a la indiferencia.

¿Una banda sonora?

Ultimamente pasa mucha salsa y mucha cumbia…
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Para terminar, darte las gracias por esta fantástica entrevista, pero no nos queremos despedir sin antes saber ¿qué nos depara Martina?

Espero que esto sea un año rico y lleno de colaboraciones. Hay muchas ideas y entusiasmo. Probablemente una exposición en septiembre con una amiga pintora y alguna participación en mercados, ¡todo lo que salga será bienvenido!

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