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Henry Hobson: el único sobresaliente de la gala de los Oscar

Una semana después de la entrega de los Oscar ya casi nos hemos olvidado de la ceremonia. Un excesivamente comedido Neil Patrick Harris se mezcló con el ya de por sí habitual y políticamente correcto guión de la gala. El resultado fueron un par de gags realmente buenos, repartidos en horas de aburrimiento, con ciertos momentos musicales que a pesar de intentar poner la nota de color a la gala, tampoco lo consiguieron.

meryl-patricia-speech-oscarPero no todo siempre es negativo. Toda gala de premios tiene sus hits. Y los Oscar también nos dejaron imágenes para el recuerdo: Meryl Streep hooligueando el discurso de Patricia Arquette, los calzoncillos de Neil Patrick Harris, la manera tan adorable de aplaudir que tienen Wes Anderson y su queridísima esposa… Imágenes que quedarán en nuestras retinas largo tiempo. Tanto como los espectaculares diseños que inundaron la gala durante sus 5 horas de duración, y no hablamos precisamente de vestidos, sino de las preciosas caretas que presentaban cada nominación.

Todos y cada uno de los grafismos presentados en la gala tienen un nombre: Henry Hobson. Británico asentado en L.A, director de cine y diseñador gráfico (¡por supueso!) Henry Hobson lleva trabajando en el diseño gráfico de la gala de los Oscar la friolera de 7 años, siendo este el primero en el que contó con el Estudio de Animación Elastic, de California, y la coproducción del veterano Lee Lodge.

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Nominadas a mejor guión original

De cara a la edición de este año, Hobson decidió dinamizar las caretas gráficas, siempre manteniendo la elegancia que caracteriza a la gala, y lo consiguió: la idea de fotografiar los objetos más reconociblemente asociados a cada película para la careta de Mejor Diseño de Producción, o la de trazar las líneas de los bocetos de los trajes en Mejor Diseño de Vestuario son solo dos ejemplos.

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Nominadas a mejor diseño de producción

Hobson además fue el responsable de diseñar las imágenes de background durante la performance que levantó en ovación a todo el patio de butacas, Glory (de la película Selma), nominada (y ganadora) a Mejor Canción.  También fue el encargado de diseñar los grafismos del ya habitual In Memoriam, momento lacrimógeno de la gala por excelencia, y que a todos nos cae mejor desde que el aplausómetro fue eliminado.

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In Memoriam: Robin Williams

La originalidad de Henry Hobson es conocida de largo. Ha diseñado los títulos de crédito de películas como n (Blancanieves, la leyenda del Cazador), Sherlock Holmes , Rango o The Help. Se ven los parecidos, ¿no?

 

Actualmente Hobson se encuentra sumido en la posproducción de su primera película independiente, protagonizada por Abigail Breslin y Arnold Schwarzenegger. Esperemos que se diseñe él mismo sus títulos de crédito y eso, al menos, será siempre un punto a favor.

Bryan Gallardo nos enseña que la vida no es una línea recta

En ocasiones decimos que algunos «nacen con un pan debajo del brazo», pero el artista que os traemos este mes, más bien «nació con un lápiz debajo del brazo». Bryan Gallardo es color, energía y sobre todo una línea llevada a la perfección, unos retratos que adquieren vida propia, gracias a una fantástica técnica pulida durante años.

Un trabajo que no rechaza a las técnicas más tradicionales, pero que como protagonista principal da el testigo a lo digital. Personas, pero sobre todo animales conforman la obra de un artista joven, pero que en poco tiempo conseguirá lo que pocos consiguen, triunfar. Porque la vida no se vive en línea recta, hoy Malatinta habla con Bryan Gallardo.

¿Quién es Bryan Gallardo?

Sin lugar a dudas, autodefinirse es bastante difícil, pero hay ciertos rasgos que me definen y dicen quién soy, por ejemplo, me encanta dibujar, ilustrar, oír música y jugar o ver basquetbol. Tengo 22 años y amo la comida. No soy el mismo de hace 15 años, ni seré el mismo en 2 semanas, siempre trato de aprender y crecer día a día, es parte de mi camino: la evolución y el cambio, incluso con miedo a perder la vergüenza y a afrontar diversas situaciones. No me considero creativo, ni el mejor, pero si amo lo que hago, aunque luego también sufro. Apasionado y ser humano con trastorno relacionado con la organización.

¿Te acuerdas de ese momento en el que decidiste que enfocarías tu vida a la ilustración?

Lo recuerdo pero no fui consciente, no fue una decisión que tome en un solo instante. Desde pequeño me ha gustado dibujar, pero jamás pensé que de ello podría vivir y conocer más gente, para mi dibujar es seguir siendo un niño, sin preocupaciones y haciendo lo que me gusta. Cuando enfoque mi vida a las artes visuales y al diseño fue un año antes de entrar a la universidad, recuerdo que estuve a punto de entrar a la rama de ciencias sociales, pero en la fila me di cuenta que eso no era para mi, así que entré a humanidades y artes donde pude empezar a aprender asignaturas como modelado o comunicación visual. Al entrar en la universidad ni siquiera sabía lo que era la ilustración, y poco a poco fui descubriendo esta maravilloso mundo. En mis vacaciones lo que siempre hacía era dibujar, inspirado por todo el trabajo que había en Behance me propuse abrir mi cuenta y subir trabajos por simple gusto, no había ni un cliente o una tarea detrás. Empecé a colaborar, pero sin la idea de que me dedicaría en parte a la ilustración, hasta que mi trabajo llego a una casa editorial e ilustré un par de libros. Poco a poco me di cuenta que algo que quizás era mi hobbie podía convertirse en mi trabajo, por lo que muchas veces no lo percibo como trabajo.

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Si no pudieras dibujar. ¿Qué harías?

Me gustaría ser fotógrafo de Red Bull o cronista en ESPN. Amo los deportes y ser parte de todo lo que involucra el trabajo en ambas misiones me atrapa bastante. Afortunadamente haber colaborado con Tongue Magazine (México) en un artículo para el X Fighters 2014 me ayudó a hacer realidad un sueño. Igualmente me encantaría ser un aclamado deportista extremo como Travis Pastrana o un basquetbolista como Michael Jordan, incluso fotógrafo en Suicide Girls (risas).

Vemos que tu obra es principalmente digital. ¿Piensas que la ilustración tradicional se está quedando en un cajón olvidada?

No lo creo, aún hay muchos artistas o diseñadores que hacen uso totalmente de elementos “tradicionales” como el carboncillo o las acuarelas para crear su obra, cualquiera que se elija es totalmente respetable, incluso muchos partimos de un breve boceto en lápiz o un rayón que hacemos en nuestras libretas o viceversa, del archivo digital se continua por ejemplo con medios de reproducción como la serigrafía. Para mi, lo valioso es en la fusión de las técnicas tradicionales con las digitales, ya que se pueden obtener resultados inigualables, y sin lugar a duda, las texturas con las que se experimenta en el trabajo manual y físico jamás las encontraremos en lo digital, ya dependerá de cada uno.

¿Diseño gráfico o ilustración?

La ilustración es una rama del diseño gráfico, así como el diseño de identidad, el diseño editorial o la ilustración. Si tuviera que elegir entre un proyecto relacionado con la creación de un logo o un texto para ilustrar, elegiría la ilustración pero depende del proyecto mismo, tiempo, objetivos, etc. Por lo regular me gusta trabajar en aquellos que me den libertad para expresar lo que tengo en mente basado en las especificaciones del brief o donde pueda proponer más opciones, pero definitivamente la ilustración lleva la ventaja.

Tus trabajos tienen una protagonista principal, las líneas. ¿Por qué?. ¿Qué significan para ti?

18Porque están en todos lados. Mi papá es arquitecto y crecí entre planos, escritorios y escuadras, desde que tengo memoria como diseñador igualmente mi estilo ha estado basado en líneas partiendo del minimalismo hasta un estilo mucho más orgánico en estos últimos dos años. Siempre he deseado mirar como la gente ve el mundo desde su interior y como tenemos diferentes percepciones. Mis retratos son una interpretación personal de todo lo que observo y cada línea es única e irrepetible, justo como todos estos nodos o puntos que en renders invisibles son parte de un todo, pero que revelados a nuestra vista nos dan una cantidad infinita de información siempre y cuando nosotros nos acerquemos. Muchas veces, en nuestra sociedad vemos las cosas o personas como un todo y no nos permitimos adentrarnos a conocer la esencia de lo que vivimos, por eso tanta línea y tantos planos, me ha ayudado a comprender la belleza de la vida y de las criaturas que vivimos en este planeta, es sorprendente encontrar tanto en cosas tan pequeñas.

Además de las líneas te vales del retrato, pero sorprende que tus modelos sean animales. ¿Qué ves en ellos?

En algunos, mascotas que me gustaría tener como el husky, en algunos otros casos, seres vivos con los que he convivido y que son increíbles. Cuando empecé a dibujar nunca me pasó por la mente enfocar mi trabajo a la naturaleza y a los animales, siempre traté de trabajar con rostros de seres humanos como una especie de tributo u homenaje a su trabajo que había influenciado mi vida. Poco a poco, empecé a darme cuenta de la importancia que tienen los animales en nuestro mundo y a experimentar con este tema, también como un proceso de sensibilización. Veo en ellos libertad, determinación y felicidad, fuerza e independencia, valores que como persona busco o que me llenan de satisfacción. De todos ellos se pueden aprender cosas maravillosas como la compasión, la amistad y las ganas de vivir.

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Retratos llenos de color. Un color llamativo que no mina el retrato, sino que lo crece. ¿Cómo eliges los colores que acompañarán a la obra?

Es difícil elegir una sola gama de colores para una pieza, por eso muchas veces en mis proyectos llego a tener de 3 a 6 variaciones, es como elegir tenis o un auto. En algunas piezas busco que los colores sean parecidos a los naturales de cada animal, otras veces como vayan surgiendo en mi mente o como los hayan solicitado. Las teorías del color también me ayudan, sobre todo uso el círculo cromático diseñado por Johannes Itten, aunque también la inspiración viene de otras obras de colegas con gamas majestuosas como las de Danny Ivan, Mink Couteaux, Carlos Lerma o Romain Trystam.

Nos comentas que el proceso de creación de tu obra es rápida, entre 4 y 12 horas. ¿Haces algún sketch previo? o ¿dibujas directamente?

Cuando empecé a dibujar cada pieza me tomaba incluso una semana o más, poco a poco he ido puliendo mi técnica bajo la12 premisa de ir evolucionando y añadiendo detalles que le den más fuerza. Todo está en los detalles. Con el paso de los años y la continua práctica el tiempo de producción ha ido disminuyendo, he hecho 3 ilustraciones o 4 en un solo día, depende del proyecto, tamaño y demás factores, pero normalmente una pieza como el gorila está lista en 8 horas a veces divididas en 2 o 3 días. Me baso en algunas fotografías para obtener la composición que tengo en mente, luego hago un boceto rápido enfatizando los detalles que considero relevantes como la mirada y la terminación, por ejemplo de la cola o del pelaje. Corrijo ángulos, proporciones y perspectiva hasta que llego al resultado y comienzo con el trazo final, siempre de lo general a lo particular tratando cada línea individualmente. Ya con el trazo viene la magia del color y todo el proceso de post-producción para darle salida a todos los formatos establecidos. Pronto espero hacer un video del proceso, una especie de time-lapse.

Como tu mismo comentas, artistas de la talla de Luke Dixon, Florian Nicolle o Jeremy Kyle han sido fuente de inspiración para ti, pero…¿Qué ha quedado de ellos en tu trabajo?

Por una parte admiro su dedicación, sus ganas de crecer y que por encima de todo, aman lo que hacen, eso ha sido lo que me ha conquistado y que trato de aplicar a mi vida. Por otro lado, su trabajo de líneas y el grado de perfección que plasman en cada pieza, al igual que el estilo grunge que caracteriza sus obras. Los tres y otros más que considero como los dioses de la ilustración, son personas con las que he podido charlar y que me han demostrado que todo lo que te propones lo puedes alcanzar, son diseñadores e ilustradores que han emprendido muchas misiones sin miedo a fallar y que siempre se han mantenido fieles a ellos mismos. También he podido aprender de ellos, la forma en la que llevan sus redes sociales y portafolio en línea, son unos maestros, ¡colaborar con alguno de ellos sería maravilloso!.

Eres joven en esto de la ilustración, pero eso no te ha impedido ser capaz de destacar entre los grandes. Ahora quieres embarcarte en la creación de una marca. ¿Con qué tienes pensado sorprendernos?

Me considero aún un niño en esto de la ilustración, muchas veces veo el portafolio de otros sorprendentes ilustradores y la depresión aparece inmediatamente, pero siempre continuo con mi trabajo y con esta promesa de crecer sin olvidar de donde vengo. Dentro de las cosas que me apasionan está la ropa y la necesidad de individualidad que todo ser humano tiene, acompañado de compartir lo que hago. Por ello, junto con otros amigos nos reunimos para crear Yolka Mx, una marca diferente dedicada a difundir la belleza animal de México en artículos como playeras, prints, stickers y más. Ha sido un trabajo difícil pero bastante satisfactorio. Otros planes relacionados con la creación de una línea de ropa u otros artículos son lo que trabajo, pero aún no hay nada seguro, espero pronto poderles mostrar lo que tenemos entre manos. Pintar un muro sería algo increíble.

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Si cada paso que das fuera acompañado de una banda sonora. ¿Cuál sería?

Definitivamente la de El Señor de los Anillos, compuesta por Howard Shore o la de Batman creada por Hans Zimmer, ambas de composición épica y con mucha fuerza, sobre todo para cuando el éxito te acompaña o cuando te enfrentas a una guerra o misión que parece difícil, aunque no dejaría la alegría y movimiento de la música de Daft Punk o el inigualable sentimiento que brinda el hip hop o las melodías de Calle 13.

¿Qué más nos queda por ver de Bryan Gallardo? 

El futuro pinta prometedor, y es porque vivir haciendo esto, disfrutándolo al máximo no tiene precio, me ilusiona mucho trabajar haciendo lo que me apasiona y compartirlo, así que aquí seguiremos. Viene trabajo relacionado con la ilustración, igualmente en proyectos involucrados con la música, algunas exposiciones, series de ilustraciones para playeras 100% hechas en México, carteles edición limitada en serigrafía, experimentación, viajes y espero algún día que Nike me llame para hacer algunas ilustraciones y regalarles playeras, ese siempre ha sido mi sueño. Admiro mucho el empuje de artistas emergentes y consolidados mexicanos en la escena mundial, y espero algún día estar ahí. No busco fama, ni mucho menos, sólo espero que el trabajo de todos nosotros reciba el merecido reconocimiento, y seguir disfrutando lo que el presente nos da. Espero colaborar con los artistas que admiro y aprender de todo lo que venga, crecer como ser humano y ya dejar aquellas características que me hacen daño, me encantaría diseñar tatuajes, hacer libros y poner una taquería a la cual estarán cordialmente invitados.

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Kinder Surprise

Cuando el cliente se convierte en tu peor pesadilla

Que la publicidad sea el medio perfecto por el que las marcas consiguen enganchar al público es indiscutible. Hamburguesas gigantes llenas de color y sabor, perfumes capaces de enamorar al mismísimo Brad Pitt o huevos de chocolate rellenos de juguetes que más quisiera haber tenido el gran Steve Jobs en su infancia. Estos son algunos de los muchos ejemplos que invaden nuestra atención. Cada día los medios de comunicación están más al servicio de los gigantes del consumo, pero y ¿si le diéramos una vuelta a esos anuncios surrealistas de los que las grandes compañías se nutren para engañar a sus clientes?. Eso es lo que debió pensar el diseñador gráfico ruso Ilya Kalimulin. Cansado de ser ninguneado por las grandes marcas decidió reflejar con un toque de ironía y buen gusto lo que para él deberían mostrar.

En sus trabajos nos presenta un Heinz pinchado en vena, Kinder Surprise muy ‘surprise‘ o unas zapatillas pro Burguer King que gracias a un perfecto manejo del photoshop nos hace pensar en el verdadero fin del consumo.

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Disculpas aceptadas

Lo siento: son dos palabras que unidas se convierten en pasaporte para abrir una puerta ya cerrada, re dirigir una conversación o arrancar de nuevo una sonrisa amigable. Pero esta disculpa significa algo más en el mundo del diseño. Lo Siento fue el nombre que Borja Martínez, director creativo, decidió escoger para dar nombre al estudio de diseño gráfico que creó hace ya siete años.

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Lo siento nació así «con la idea de hacer lo mejor posible en su trabajo y aportar algo genuino al diseño gráfico. La idea de emocionar está presente siempre». Lo Siento «demuestra nuestra pasión por nuestro trabajo» y de paso también sirve para pedir disculpa de antemano al cliente si su diseño no es de su agrado. «Si no gusta, lo siento», dicen.

Se definen como «artesanos del diseño» y no es de extrañar cuando ellos mismos afirman que serian capaces de diseñar aunque un día en su estudio no llegará la electricidad. Les gusta trabajar con las manos. «El mundo digital está obligando a que todo tenga el mismo perfil», añaden.

Si damos un paseo por Lo Siento veremos que sus creaciones quieren salir de la pantalla del ordenador. Los volúmenes parecen ser indispensables en sus diseños.

«La idea es visualizar la comunicación des de un punto de vista más táctil», aseguran.

Este  trabajo con los volúmenes también se transfiere a sus esculturas efímeras. Aquí tenéis un ejemplo de esto, un diseño en movimiento con énfasis en sus volúmenes.

Esa pasión por el diseño y por su trabajo es diaria. Tanto es así que si no tienen ningún proyecto en el que trabajar, los cinco diseñadores que conforman el estudio se arremangan las mangas y se ponen a diseñar tipografía o lo que haga falta. «Es un motivo de exploración e investigación constante. Estas iniciativas nos pueden servir en un futuro para convertirse en proyectos empíricos para clientes». Un ejemplo de esto es esta tipografía en 4 dimensiones que ellos mismos han creado en sus ratos libres.

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Han conseguido mucho pero su reto es «seguir disfrutando de nuestra pasión y abordar proyectos bonitos donde el cliente encuentre en nosotros su mejor solución».

Este estudio trabaja para lo que los clientes necesiten: tipografía, vallas publicitarias, portadas de libros, packaging… «Toda disciplina artística puede tener un tratamiento por nuestra parte, siempre que fluyan las colaboraciones».

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Lo Siento, diseñando en movimiento

El estudio de diseño gráfico barcelonés llamado Lo Siento también diseña en movimiento. Un ejemplo, esta escultura efímera para la Feria de Arte SWABB en Barcelona.

De más a menos críptico

Hablamos de ella, pensamos en ella todos los días un ratito, discutimos por culpa de ella, sufrimos sus achaques, ocupa titulares en los periódicos de todos los continentes, la tememos la mayor parte del tiempo y algunos se encomiendan a cualquier Dios para que no convertirse en una de sus víctimas.

¿Ya sabéis de lo que estoy hablando? ¡Eso es! La crisis. La crisis económica que ha asolado las finanzas de países enteros, que ha destrozado la seguridad en muchos hogares, que ha dejado en la calle a muchos y que no ha permitido que entren en la rueda del mercado laboral a otros, obligándoles a ser becarios canosos.

Hemos puesto cara a los responsables de esa crisis: bancos, especuladores en general y políticos en particular. Pero MalaTinta no es lugar para señalar con el dedo a los que nos han arrastrado a esta situación.

Lo que sí que podemos hacer es mostraros como diseñadores gráficos e ilustradores de todo el mundo representan con sus dibujos y diseños su particular visión sobre esta epidemia.

Algunos diseños más crípticos como el de Andreu Buenafuente, el popular presentador de televisión, destacan el peso infumable de esta crisis.

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También hay los que lo hacen recordando a las viñetas tradicionales de los periódicos.

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Otros son mucho más funcionales y tratan de dar sentido al desastre financiero.

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Y luego están los más minimalistas pero con un gran mensaje detrás.

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Ditology: ¡dedos arriba, esto es un retrato!

De siempre se ha entendido que señalar es de mala educación, pero nunca el dedo índice ha dado tanto juego como con Dito Von Teese. Hasta ser apuntado puede suponer toda una experiencia con este ingenioso artista italiano, que ha retratado desde personajes históricos hasta dibujos animados utilizando como lienzo su dedo índice y como herramienta el diseño digital.

Este diseñador gráfico afincado en Bolonia (Italia) comenzó esta colección de retratos famosos como original método para no desvelar su personalidad en las redes sociales: “Quería esconderme detrás de mi dedo. Hace tres años cuando quería abrir mi cuenta de Facebook, me di cuenta que quería ser libre de las relaciones opresivas y de los no muy buenos amigos, así decidí crear un avatar”, comentaba Il Dito, como también es conocido, a CNN México hace unos meses.

No obstante, la buena acogida de sus creaciones por parte de los usuarios de la Red le empujó a crear el blog Ditology, donde muestra la colección de avatares que han servido para esconderse durante más de tres años. Para él, sus aplaudidos retratos “quieren expresar la manera en que todos nos escondemos detrás de una máscara. Quiero estimular a la gente a ser curiosa para que busque el misterio de su propia identidad». Y lo ha conseguido.

Una horda de fans reclama cada vez nuevas versiones de su ya famoso dedo, en cuya yema han sido representados desde Hitler a Pikachu, pasando por Frida Kahlo, Steve Jobs, Barack Obama o Silvio Berlusconi. Decenas de personajes de actualidad que en breve podrían dar el gran salto y extenderse sin freno a través de camisetas, jugueteos o libros, ya que este artista está en busca de patrocinadores que se encandilen con sus obras. Arriba los dedos de Dito Von Teese y larga vida a sus polifacéticas yemas.

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