Etiqueta: Cubismo

Las editoriales de moda se fusiona con el arte más cubista

Arte y fotografía dos mundos cada día más solapados. Instagram abrió la veda, ahora podemos encontrar multitud de aplicaciones de retoque fotográfico que nos ofrecen la posibilidad de combinar ambas disciplinas con el objetivo de conseguir una mayor originalidad a nuestras instantáneas. Ahora, Shira Barzilay dibuja sobre fotografías de editoriales de moda su interpretación de las mismas al más estilo cubista.

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El cubismo desdibuja a los famosos a manos de Pablo Lobato

Retratos de famosos al estilo años 20

Elementos geométricos y colores planos son los ingredientes estrella de una colección de trabajos que tienen como protagonistas a famosos de la talla de Woody Allen, Robert De Niro, los Beatles, Queen, Bruce Lee o Johnny Depp.

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El tatuaje rinde culto al cubismo de Pablo Picasso

Pablo Ruiz Picasso. Malagueño de nacimiento y parisino de adopción, considerado uno de lo pintores más importantes de la historia del arte de nuestro país y del mundo, gracias a su trabajo e influencia en la evolución y creación artística, sigue siendo referente en todo el mundo.

1908 sería la fecha en la que el artista francés Georges Braque, amigo y compañero de Picasso, conseguiría formular junto al malagueño, las directrices por las que surgiría un nuevo movimiento artístico conocido como cubismo y del que más tarde artistas de la talla de Juan Gris, Brancusi o Delaunay seguirían fervientemente. Pero hoy en día, el cubismo no ha pasado de moda. Muralistas, artistas digitales, ilustradores y tatuadores han conseguido adaptar a sus ámbitos de trabajo esta corriente artística como sello personal.

Si hace unos meses os hablábamos del Post Neo Cubismo, término acuñado por el artista jienense, Miguel Ángel Belinchon Bujes, conocido como ‘Belin’. Hoy os traemos una amplia muestra de cómo Picasso no sólo no ha pasado de moda, sino que ha conseguido adaptarse y formar parte del complejo y versátil mundo del tatuaje.

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Picasso resucita en 3D

Si se habla de Cubismo es ineludible referirse a la figura de Cézanne. El artista francés consiguió descomponer los objetos en formas geométricas simples que permiten observar la realidad tal como es. Esta es la base sobre la cuál trabajarán Picasso y Braque para desarrollar uno de los movimientos más importantes que supuso un cambio sin igual en la forma de entender el arte. El descubrimiento del arte africano y las tallas en madera así como el arte primitivo constituyen los otros dos componentes ineludibles que ejercerán una notable influencia sobre el naciente movimiento.

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Ben Foster y su geometría escultórica

Como escenario, un paisaje natural asombroso y único. Como obra, las esculturas de un artista comprometido y respetuoso con la fauna y flora de su lugar de nacimiento. Ben Foster se inspira en el paisaje físico de su Nueva Zelanda natal para crear esculturas estáticas, estilizadas y abstractas. Desde las impresionantes montañas hasta el suave balanceo de las olas al llegar a la costa, todos los elementos que conforman la naturaleza de la isla aparecen mimetizados en sus figuras. No sólo eso. La creación artística le sirve para explorar las interacciones del hombre con la fauna y a su vez descubrir cómo se integran en el paisaje natural.

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La manera en la que el artista trata y da forma a las esculturas es el resultado de las diferentes conexiones que se establecen entre todos los organismos vivos. Sus obras invitan a la contemplación y al respeto por todo ser que habita el planeta. Y consigue integrar una obra hecha por la mano del hombre en un contexto natural al aire libre.

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El movimiento de sus figuras va implícito en los juegos de luces y sombras que se crean gracias a la luz que recae sobre las diferentes formas geométricas que integran la obra y al uso de pintura epóxica que le da un color homogéneo. La figura gana así tanto perspectiva como profundidad, a pesar de utilizar un material como el aluminio.

Los ecos del Cubismo son más que patentes en la utilización de esas formas geométricas para crear figuras. Dichas formas,  son las más simples que se pueden encontrar en la naturaleza y la manera más sencilla de reducir cualquier objeto para poder reproducirlo posteriormente. Todas las culturas tribales muestran en sus manifestaciones artísticas la geometría como principal elemento decorativo. En la cultura maorí, tanto la talla escultórica como las formas geométricas están claramente presentes. Foster ha conseguido añadir a esa base el elemento abstracto para conseguir un trabajo original a la vez que curioso.

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Sus creaciones resultan elegantes, dinámicas y táctiles, independientemente del material metálico utilizado. Asimismo, no resultan piezas forzadas por la mente del artista, sino obras que son el resultado de un trabajo industrial meticuloso y armónico fruto de un diálogo entre la creación humana y el entorno natural donde se crea.

A partir del próximo 15 de julio, Foster estará presentando sus nuevas obras en Auckland, en una muestra titulada Nexus, en la galería de arte contemporáneo Sanderson.

El padre de la pintura “moderna” cumple 175 años

Un 19 de enero del año 1839 llegaba al mundo, en Aix-en-Provence, uno de los pintores que, a pesar de pasar desapercibido, marcaría un punto de inflexión en el arte del siglo XIX a través de su peculiar manera de concebir el espacio y la realidad. Aunque muchos le engloban dentro del movimiento impresionista, se puede decir que junto a Van Gogh, Gauguin y Toulouse-Lautrec conforma ese grupo de pintores que desarrollará una carrera mucho más personal y alejada de los presupuestos del primer Impresionismo, conformando el llamado Postimpresionismo.

Desde sus comienzos en la Academia Suiza de París  siente una profunda admiración por Delacroix y Courbet. La rebeldía se convierte en su principal bandera para hacer oír los ideales de un joven artista cuyas primeras obras muestran violencia, sensualidad, asesinatos y orgías fruto de un carácter solitario, apasionado e impulsivo y que se manifiesta a través de fuertes contrastes, colores oscuros y una pincelada espesa a golpe de espátula.

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Cultiva una fuerte amistad con Émile Zola y pronto empieza a acudir a las tertulias del Café de Guerbois donde una serie de jóvenes pintores, entre ellos Monet, Renoir, Pisarro y Degas, se reúnen para discutir sobre arte en torno a la figura de Manet. Este contacto con los futuros impresionistas cambia por completo su forma de entender la pintura y se convierte en discípulo de Pisarro. Nace en él un profundo interés por las estructuras de la naturaleza, busca trabajar al plein air y su paleta evoluciona hacia colores más suaves con composiciones mucho más calmadas y cuidadas.

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De ese mismo interés por las estructuras de la naturaleza surge un profundo estudio de la esencia que conforman los objetos que le lleva a una descomposición de las formas. Los objetos se pueden descomponer en formas geométricas básicas y, a partir de ellas, volverlos a construir. Para ello intenta crear una nueva imagen que una la realidad con la conciencia, a través de la sensación visual que provoca la estructura de la realidad misma a través de su aguda mirada y de la reflexión que resulta. Fruto de ello es su reelaboración del concepto de espacio, que es el resultado de la realización sobre el plano de los distintos puntos de vista que genera un objeto. El color le sirve para construir masas, volúmenes o luces y la perspectiva que observamos no es una sóla, sino varias que generan nuevas relaciones entre los elementos que conforman el cuadro y se consiga romper con la perspectiva renacentista.

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No es de extrañar que Matisse, Picasso, Braque y Gris le considerasen el padre de la pintura del siglo XX, ya que sus estudios y su obra ponen las bases para lo que será el Cubismo y las Vanguardias posteriores. Tanto por su gran aportación al mundo del arte y por ser uno de esos artistas que han pasado “desapercibidos”, hoy le rendimos un pequeño homenaje desde Malatinta Magazine.

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