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Belleza creada a partir de la “nada”

El hombre, al igual que la naturaleza, se rige por ciclos cósmicos naturales viviendo en perfecta armonía con el resto de los seres vivos y ecosistemas que habita. Esta idea se podría definir como amor por la naturaleza, siendo la filosofía que los jardines coreanos desprenden desde hace milenios. El hombre busca así una belleza natural, creada por la propia naturaleza y sin ningún elemento artificial, para convertirla en la constante que podemos apreciar cuando el visitante pasea bajo sus árboles, muy lejos del recargamiento del jardín chino y de la artificialidad del jardín japonés.

El jardín coreano surge de la unión de cinco elementos básicos: el Taoísmo, el concepto de Ying y Yang y los Cinco Elementos, el Feng Shui, una mezcla de Budismo y Confucianismo, y el concepto de jardín monacal. Del Taoísmo, el jardín coreano toma la idea de persecución de la inmortalidad a través del rechazo de las cosas materiales. Este rechazo se consigue por medio del jardín monacal, que lleva al paseante a aislarse del mundo mediante su integración en la naturaleza. El Ying y el Yang junto a los Cinco Elementos (agua, fuego, aire, tierra, madera) crean y transforman el Universo constantemente mediante su presencia en el jardín. El Feng Shui sirve para controlar la energía que emanan los diferentes elementos que conforman el jardín  y la filosofía confuciana y budista queda patente en la construcción de templos, palacios, escuelas y casas dentro del perímetro del recinto.

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Estos jardines están formados por elementos naturales como agua, piedra y madera. En los lugares donde no hay elementos naturales, se crea un marco artificial para instalar la naturaleza. Muchas veces se utilizan elementos para contener parte del curso de un río pero sin impedir su camino natural. De esta manera, el visitante pueda apreciar los reflejos que se dibujan en el agua sin necesidad de interrumpir el flujo natural del río.

Normalmente, los jardines creados artificialmente se pueden encontrar en palacios y edificios nobles debido al desembolso monetario que requieren. No obstante, el uso de edificios arquitectónicos supone el elemento artificial integrado en el espacio natural en el jardín coreano. El uso de pabellones es muy típico de la arquitectura oriental. Los de pequeño tamaño, llamados jeong, se utilizan en hogares y jardines monacales. Los de mayor tamaño o nu se pueden encontrar adornando los jardines de los palacios y edificios gubernamentales.

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Además, es muy frecuente el uso de diferentes elementos espaciales que complementan el conjunto. Así, para delimitar el perímetro del recinto se utilizan muros. Las puertas se usan con una mera finalidad decorativa y para dar paso a maravillosas vistas. En ocasiones se puede apreciar el uso de patios y de hwagye, una escalera floral formada tanto por árboles como por flores que dan un impresionante toque de color al recinto al llegar el otoño.

Algo que sorprende sin duda alguna es el uso de islas cuadrangulares en los estanques. Algunos de estos estanques se han formado gracias a pequeños riachuelos que confluyen en un mismo lugar y muchos de ellos contienen flores de loto en sus aguas que simbolizan las virtudes del hombre. Los seongnyeonji o cuencos de piedra se utilizan en los estanques para sostener y cultivar plantas o criar peces. Los seongnujo son piedras con forma de lengua que sirven para verter agua en forma de cascada a los estanques y ríos. Los hwaseok son piedras afiladas que sirven para decorar un estanque o una escalera floral.

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El resultado es un jardín creado a partir de la belleza que irradia la naturaleza en sí, un lugar para retirarse y pasar el tiempo, con el sonido de fondo del fluir del agua. La belleza de este lugar es el resultado del vacío o la nada: el jardín resulta bello por sí mismo, sin necesidad de elementos artificiales, pero que a su vez vacía espacios llenos y llena espacios vacíos. Y lo consigue adaptando el lugar para integrar los elementos naturales que recoge. Una experiencia sensorial que cambia con el paso de las horas y las estaciones y que puede captarse a través de los cinco sentidos.

Croma, el secreto que esconden los escenarios de fantasía

niños-cine-y-efectos-especiales-explicar-el-croma-children-and-visual-effects-chorma-keyTanto en cine como en televisión, las grabaciones en exteriores pueden resultar costosas y titánicas a lo que esfuerzos de producción se refiere. Yendo más allá, cuando el guion obliga al equipo a contar con escenarios imaginarios o que, por motivo de presupuesto, no se puede acceder a él, en infinidad de ocasiones se recurre al croma.

Según los entendidos en técnicas cinematográficas, el croma es “un proceso electrónico que combina las señales de salida de dos o más cámaras entre si y/o con otras fuentes externas (imágenes generadas por ordenador) obteniendo como resultado una mezcla uniforme y visualmente indetectable”. Ahora, para aquellos que no son tan entendidos, se podría explicar esta herramienta de gran ayuda en cine y televisión como la superposición de una imagen sobre un fondo verde, azul o rojo, siendo lo más utilizado el verde.

El croma es casi igual de antiguo que el propio cine pero, como en el mismo, ha ido evolucionando con la ayuda de la tecnología y la informática hasta llegar a ser recurrente en prácticamente el 90% de las producciones audiovisuales. El realismo que se ha logrado con la evolución de las nuevas tecnologías y el ingente ahorro económico que supone contribuye a ello. Es por eso que las series de mayor éxito de los últimos tiempos se hayan dejado seducir por las ventajas de esta técnica en la mayoría de sus secuencias.

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Ejemplo de ello es la aclamada Juego de Tronos, donde se utiliza el sistema cromakey para recrear paisajes de gran viveza y similitud a lo narrado en los libros. Utilizando como base ciertas zonas privilegiadas de la geografía global, en esta serie también se aprovecha de la tecnología del croma para crear espectaculares escenarios que van mucho más allá de la realidad y que transportan a los televidentes a un mundo de fantasía de bestseller.

Otra de las series que más utiliza este sistema es The Walking Dead. Aparte de lo espectacularidad de los efectos especiales y la caracterización de los extras que se desarrolla durante horas, el croma forma parte fundamental de sus grabaciones en la que se retrata sin igual un escenario apocalíptico donde los zombis se encuentran ahora en la cima de la cadena alimenticia y los humanos son simplemente presas que postergan su destino. La famosa cárcel que ha acompañado a los protagonistas durante las últimas temporadas luce con mejor aspecto que el que se muestra en la pequeña pantalla y esto, de nuevo, es gracias al croma.

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Lo mismo sucede en la exitosa Once Upon a Time, de la cual ya hemos hablado recientemente para dar la bienvenida a la tercera temporada. Al igual que ocurre con los otros dos ejemplos, sería imposible crear espacios fantásticos como los mostrados sin la ayuda de las técnicas digitales de imágenes por ordenador que no serían posible sin la colocación de un simple espacio en color verde. Magia.

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Pero no sólo series de ciencia ficción y fantasía utilizan este sistema. También producciones en la pequeña pantalla aplican esta técnica para dotar de mayor realismo a sus escenarios a bajo coste. Puede observarse en series españolas como Velvet, donde se recrea la Gran Vía madrileña en los años 60, o El Príncipe, que aprovecha el croma para reproducir fielmente escenarios de Ceuta sin tener que trasladar a todo el equipo hasta allí.

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La evolución del cine y la televisión nos lleva a unos sistemas cada vez más informatizados, perfeccionando las técnicas y llevando a extremos impensables la recreación de las secuencias pero, como se viene demostrando desde el inicio del cine, la utilización básica de estos recursos siempre parte de la base de técnicas que se crearon prácticamente a la par del cine.

La capital se viste de color para celebrar la primavera

Ya es oficial, el día 20 se inaugura la primavera y, como viene siendo habitual desde hace dos años, la capital acogerá el HoliMadrid 2014.  Una celebración que el próximo 29 de marzo, de 17:00 a 20:00, llenará de color  la explanada de la Plaza de Las Ventas y cuya entrada es totalmente gratuita.

holicartelUna tercera edición de la Primavera Hindú o Fiesta de los Colores que prevé superar las 3.000 personas de su última celebración en 2012. Organizada por la Escuela de Bollywood Club Masala y la ONG Fundació Asha Kiran, contará con la participación la actriz Alba Flores, maestra de ceremonias y  el grupo de baile del Club Masala de Madrid que amenizarán el evento.

Durante la celebración, se lanzarán más de 450 kilos de polvo de pétalos de flores de diferentes colores, repartidos en más de 2000 bolsas al son de la canción Tune Maari Entriyaan, de la película Gunday. Bajo el lema Same same but different, un arco iris de polvo de pétalos de flores lloverá sobre el público para recibir el cambio de estación. Las asociaciones organizadoras han colgado tutoriales en la página oficial del evento para que los asistentes a la fiesta puedan aprender la  coreografía y la bailen mientras se lanzan multitud de colores.

Una festividad con el objetivo de unir a la comunidad hindú con otras culturas, pretendiendo simbolizar la igualdad sin diferencia de sexo, religión o clase social. Una explosión de luz y alegría vestirá a Madrid con los colores de la India para recibir la primavera en la fiesta hindú más internacional.

Wall Of Clash: graffitis a base de tweets

El pasado martes, Malatinta Magazine tuvo la oportunidad de disfrutar en vivo y en directo del #WallOfClash, uno del eventos de arte urbano más interesantes de la capital de la mano de Converse. A golpe de spray y de los 140 caracteres de Twitter, Madrid dijo adiós a la pared blanca que habitaba la sede del COAM gracias a los artistas urbanos Okuda y Suso 33.

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Una experiencia única, donde la participación de la gente fue el factor indispensable para ir dando vida al gran mural colocado en el patio del edificio. La premisa era sencilla: la gente enviaba un tweet con el hastag #wallofclah, acompañado de lo que quería ver y Okuda y Suso33 iban dando vida al gran muro colocado en el lugar. Un total de siete horas de intenso y frenético trabajo, durante las cuales ambos artistas fueron dándole forma a la obra, mientras los allí presentes disfrutábamos del nacimiento, paso a paso, de la creación artística (eso sí, amenizado con buena música y unas cuantas cervezas, en un día que ya anticipaba la ansiada primavera).

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Bajo la campaña Sneaker Clash de Converse, el #wallofclash contó con dos reputados artistas urbanos que ya tienen un largo recorrido en esto del arte callejero. Por un lado, el cántabro Okuda ha pintado en importantes eventos de arte urbano (Urban Art Festival, Cultura Urbana, Meeting of Styles), participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales alrededor del mundo y han sido muchas las marcas que han utilizado su firma para aportar color a su imagen. Por otro, el controvertido SUSO33 que es, nada más y nada menos, uno de los precursores en nuestro país del graffiti iconográfico. Alejada de los estereotipos y formalismos del arte académico, su obra se centra en la comunicacón directa con el espectador con un reconocible y efectista lenjuaje que le ha llevado la cumbre del arte urbano, paseando sus aerosoles en incontables exposiciones nacionales e internacionales. Casi nada.

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El resultado final fue inmejorable: una fusión de estilos bajo surrealistas cabezas multicolores repletas de ‘pensamientos’ con las dispares ideas de los internautas. Un gatito de la suerte, un oso sexy, una corona, un pájaro naranja… todo junto pero no revuelto, como si de un puzzle se tratara donde todo encajaba a la perfección, y todo, gracias a la creatividad colectiva y al arte individual. Y para que lo comprobéis vosotros mismos, os dejamos el step by step de esta original obra. ¡Pura esencia del arte callejero!

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Un joven destruye una obra al intentar tomarse un selfie

Acabáis de leer bien. Poneos en situación. Un grupo de estudiantes en un museo de Milán y muchos móviles de última generación. Hasta ahí todo normal, pero entonces, uno de ellos tiene la ‘brillante’ idea de tomarse un selfie (forma cool de denominar las clásicas autofotos) con una escultura del Siglo XIX. El joven se sube a la estatua y para más inri, se sienta en el regazo de su pierna izquierda. ¿Resultado? Desmonoramiento directo del yeso y terracota con amputación ipso facta, ¡vaya mala pata!

Las autoridades de la academia se percataron del terrible accidente el pasado martes, y a pesar de que la cámara de seguridad se encontraba lejos de la obra y no hay imágenes del momento, varios testigos afirman que fue un “vándalo” que quiso tomarse el selfie del año subiéndose a ella, según publica el diario italiano Repubblica. Por suerte, la obra era una réplica de El Sátiro Borracho, que se encuentra en los pasillos de la Academia de Bellas Artes de Brera en Milán, mientras que la estatua original se encuentra en Alemania. La parte dañada ya ha sido analizada y fotografiada por los restauradores, que ya han diseccionado la zona afectada. De momento, y hasta que le reconstruyan la pierna, El Sátiro Borracho no sólo estará ebrio, sino también cojo.

Si es que ya lo dicen los cárteles: ¡se mira pero no se toca!

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Mo Caró, el ilustrador del séptimo arte

Si hay una palabra que define a Mo Caró es, sin duda, polifacético. Nacido en el seno de una familia de artistas de la cual heredó su completa pasión por la ilustración en particular y el arte en general, este catalán ha hecho casi de todo: artista de storyboard, dibujante de cómics, mimo, actor de novela gráfica, spots publicitarios…una buena cantidad de trabajos a sus espaldas demuestran que aún siendo hijo de ilustrador, tampoco ha sido tarea fácil llegar donde está. Hoy nos cuenta en Malatinta cómo llegó a hacer de su hobbie un sueño y, ese sueño, realidad.

Siendo hijo de padre dibujante e ilustrador  y madre actriz, resulta obvio que viviste el mundo del arte y el espectáculo desde bien pequeño. Prácticamente naciste con un lápiz en la mano. Pero ¿en qué momento te diste cuenta de que querías y podías dedicarte profesionalmente a la ilustración? ¿Tuviste algún momento revelador que recuerdes especialmente?

Yo pienso que es algo con lo que nací y no le daba mayor importancia, era tan cotidiano en mi entorno que jamás pensaba en dedicarme a ello. Es más, no quería y siempre intentaba explorar otros campos, pero siempre dentro de lo artístico…  Pero sí puedo recordar ese momento de satisfacción personal cuando algo que realizas te llena y sólo me ocurrió 2 veces en mi adolescencia y juventud : la primera fue cuando realicé un cuadro para mi cantante favorito por aquel entonces, admirado por muchos, GEORGE MICHAEL, y el cual tuve el placer de entregarle. La segunda fue muy entrañable por su significado cuando realicé un cuadro collage conmemorativo para la que fue mi escuela de EGB. Con ello se cerraba un periodo de mi vida y la de la escuela, que se despedía de la enseñanza cerrando sus puertas. Eso ocurría estando mi mujer embarazada. Dos momentos reveladores que pedían a gritos que me dedicara a esto de ilustrar.

Has pasado por el cómic, el storyboard, spots de publicidad, hasta has actuado en las fotonovelas de Corin Tellado… ¿En qué ámbito te sientes menos cómodo?

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Todo lo que respira arte me tranquiliza y me da felicidad, así que con todo ello me siento cómodo, no puedo decir que me incomode nada que sea arte, puedo interpretar un papel como actor, realizar un espectáculo como mimo,  anunciar una bebida, o bailar BreakDance, ¡¡y todo lo aquí mencionado lo he podido experimentar en algún momento de mi vida!!  Cuando naces rodeado de arte nada de ello te hace sentir menos cómodo.  Me siento muy agraciado con mi vida y con todo lo que me ha traído.

Sé que las comparaciones son odiosas, pero tus ilustraciones respiran un aire muy Drew Struzan, otro grande de la ilustración cinematográfica. ¿Te gusta que te comparen con él o te sientes presionado?

No me importa ser comparado con el  maestro Struzan ¡¡me hace sentirme halagado!! ¿a quién no le gustaría que lo compararan con un maestro de cualquier profesión reconocido por lo que hace? ¡A mí sí! También es cierto que la presión no te la quita nadie (risas) pues cada ilustración nueva que realizas tiene que ser superior o igual que la anterior y nunca bajar el listón porque estás perdido. Ahora tenemos mucho talento en un mundo con más facilidades para encontrarlo que en tiempos pasados.

¿Qué género que te inspira más que otros para ilustrar?

La fantasía, sin duda alguna. Porque al fin y al cabo cuando un artista pinta, está creando fantasía en todos sus ángulos.  El género fantástico de galaxias repletas de distintas especies de aliens, o mundos imaginarios de reinos en espesos bosques habitados por seres semi-humanos… es lo que más me invade personalmente.

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Recientemente has ilustrado la nueva apuesta de los martes de Telecinco El Príncipe. ¿Crees que es cierto lo que se dice, sobre todo de series americanas, acerca de que en la televisión actual se están ofreciendo personajes e historias mejores que las que puede haber hoy en día  en el cine?

Es cierto que hace unos años que la televisión comenzó a tener su reconocimiento en esto de la pantalla y a contar historias de cualquier tipo y género sin problemas de presupuesto.  ¿Quién hubiera imaginado poder ver a una estrella de la gran pantalla en la pequeña?  Esto está ocurriendo porque el arte de los guiones televisivos y su técnica de narrarlos es tan buena como la de las grandes superproducciones de cine. Estamos viviendo el boom de la imagen narrada, se están entrelazando en un sentido único las series con las películas de cine, historias que pasan de la gran pantalla a la televisión y a la inversa. Personalmente pienso que en el futuro ambos tipos de producción llegarán al mismo nivel y con ello podremos ver a ambos indistintamente en cualquier tipo de pantalla… de hecho ya está ocurriendo. ¿Veremos series en salas de cine? ¡Yo pienso que sí!

¿Cine o televisión? ¿Qué consumes más?

Últimamente con tantos canales de pago y tan buenos, diría que más televisión. El cine se está quedando para aquella película especial que esperas verla en pantalla grande, pero es que si no espabilan pronto tendremos una pantalla gigante en el salón y la sala de cine…¡que me espere otro día!  Es triste decir esto, pero es que el sistema está cambiando y pronto lo veremos.

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Hablando de televisión, es inevitable que te mencione algo… Muchos de los que estamos entre los 20 y los 30 recordamos la serie de dibujos Mofli, el último koala para la que trabajaste como dibujante. Y los fanáticos de Mofli casi sufrimos un infarto con el final. ¿De qué manera crees que han evolucionado las historias de animación? ¿Crees que antes eran más directas o lo son más ahora por la rápida evolución de los niños en la actualidad?

mofli0222 años tenía cuando dibujaba a Mofli; a las ordenes de Jordi Amoros y junto a otros dibujantes como: Ventura, Usero , Sauri, Jan y su hijo Carlos López, Pepe Rubio, mis hermanos,  mi padre y muchos más. En definitiva … ¡toda una familia!  Esto sí que era directo al corazón del niño, pero ahora es producir animación para cubrir un espacio…

De todas las películas de las que has ilustrado carteles, ¿con cuál te quedarías? ¿Hay alguna por la que sientas especial cariño? O alguna con la que hayas sufrido más que con las demás y por la que sientas un recuerdo “agridulce”…

Le tengo un especial cariño a la portada del 25 aniversario STAR TREKSin-título-2 THE NEXT GENERATION, es la que despertó el interés por mi trabajo a todo un mundo nuevo, el fenómeno fan de las series de culto, conocidos por todos como…frikis;  un mundo del cual me siento muy contento de formar parte. Gracias a esta ilustración comparto con todos ellos una aventura de amistad que lleva ya casi 3 años;  las galaxias, Indiana Jones, el mundo hobbit, y muchos otros me han conquistado el corazón. ¡¡¡Viva el mundo FRIKI!!!

Una película que sueñes poder ilustrar oficialmente.

Sin duda es lo que todo el mundo espera oír: STAR WARS , ya no solo por mí personalmente, si no ya por todos los seguidores de clubes de fans a los que me debo, y a los que me gustaría dar la satisfacción de tener el cartel oficial de la séptima entrega de Star Wars. Y a todos ellos podérselo dedicar.

¡Muchas gracias por tu tiempo!

¡Gracias a vosotros por haberme hecho recordar y explicar cosas bonitas de mi vida!

Mo Caró es sin duda un artista que ha puesto todas sus ganas en llegar donde quería, se ha lanzado a la piscina con todo, algo que es digno de admiración. ¡Desde Malatinta esperamos que ese sueño de ilustrar Star Wars VII se llegue a hacer realidad!

Mo Caró

Mo Caró

Monumentales esculturas pintan el cielo de Vancouver

Un viaje a la India en los años noventa fue la inspiración para la artista Janet Echelman y un error con los suministros de pintura que aguardaba allí para realizar su trabajo la casualidad que motivó la originalidad de su obra. Fue en un pueblo pesquero donde esta artista se percató del colorido y variedad de las redes utilizadas, la pieza central que ahora protagoniza sus gigantescas y asombrosas creaciones.

Porto_Echelman_PhotoEnriqueDiazArte tradicional y modernidad se fusionan a la perfección en unas obras que forman parte inherente del espacio urbano que ocupan. Su más reciente escultura aérea, Unnumbered Sparks, estrenada el pasado día 17 de marzo en Vancouver con motivo de la celebración del Ciclo de Conferencias TED2014 es su pieza de mayor tamaño, con 700 pies de largo que se instala entre el Fairmont Waterfront Hotel y el Centro de Convenciones de Vancouver donde tiene lugar este encuentro. De hecho, el enorme tamaño de sus obras obliga a esta artista, que lidera el Estudio Echelman, a utilizar fibras de peso ligero para poder elevar sus monumentales esculturas.

Sus piezas, inspiradas en la naturaleza, decoran y llenan de colorido el cielo y así pintará con estas fibras ultraligeras el de la ciudad canadiense hasta el día 23 de marzo. Hasta entonces podremos disfrutar de las bellas instantáneas que ha dado lugar esta escultura monumental cuyo momento más espectacular arranca con la llegada de la noche gracias a su brillante iluminación.

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