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Escultura efímera del gato dorado multiplicado por 100

Making off de la instalación que el estudio de diseño ‘Lo Siento’ hizo para la feria de arte del SWAB.

La nuera de la baronesa Thyssen expone en Mónaco: “Aquí soy Blanca, la pintora”

imageBlanca Cuesta amplía fronteras y muestra sus cuadros fuera de España. La nuera de la baronesa Thyssen ha participado en una exposición colectiva en Mónaco con pintores españoles e internacionales con gran éxito de crítica. La temática era el agua y cada participante podía colaborar con más de dos obras.

A ella, como al resto de sus colegas, entre los que se encontraba el reconocido pintor Manuel Moreno, se les había seleccionado previamente para formar parte de esta expedición cultural a Montecarlo y que, bajo el título L’eau á l´oeubre, patrocinaba la Unesco. Blanca ya había expuesto con algunos de estos mismos artistas en el recinto de Casa de Vacas de El Retiro de Madrid. En esa ocasión, vendió su obra el mismo día de la presentación. “Y no lo ha comprado Borja”, comentaba con ironía al preguntarla por la identidad del propietario.

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Pocos sabían que la joven que colocaba sus cuadros bajo el nombre de Blanca Cuesta era la nuera de la baronesa Thyssen, considerada en el mundo del arte como una importante mecenas y coleccionista privada con museos abiertos en varias ciudades de España. “Ofrecerme exponer no tiene que ver con un interés mediático porque aquí soy Blanca Cuesta, pintora”, asegura la mujer de Borja.

“Realizada por alguien con talento”

Los expertos calificaron la obra de Cuesta de “importante, colorista, creativa y realizada por alguien con talento”. Al recordar Blanca ese testimonio, explica que esto demuestra que para ella “la pintura no es un capricho”. “Me entusiasma y tomo clases para aprender diferentes técnicas”, asegura la joven.

Sus cuadros no están mal cotizados. Los precios arrancan entre los 3.000 y 6.000 euros en adelante. Ella misma contaba a este medio que le sorprende la buena aceptación que están teniendo sus pinturas, aunque es consciente de que la crisis también ha afectado al arte. “Yo tengo la inmensa suerte de tener a Borja, que es una seguridad familiar ­–confesaba­–. Tengo amigos artistas y sé lo que cuesta cada pincel, cada tubo de pintura, cada lienzo, cada marco… Cuando se habla de una venta de 6.000 euros, quita el tanto por ciento de la galería, del marchante, del material y te aseguro que al final al pintor le queda una cantidad ridícula. Si a esto le añadimos el 21% de IVA, pues ya me dirás”.

Además de Blanca, en esta exposición de Mónaco participaron pintores españoles como Pedro Castrortega, Juan Antonio Tinte, Manuel Picó, Manuel Moreno, Marta Maldonado, Rosa Gallego, Aracely Alarcón, Vicente Verdú y Mayte Spinola. La obra de esta última, tía del torero Miguel Baez Litri, forma parte de las colecciones privadas de los Reyes de España, Jordania, Marruecos y de Simeón de Bulgaria y la duquesa de Alba.

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* Imágenes cedidas por Blanca Cuesta.

La tecnología tridimensional al servicio del arte imposible

Si existe un término que se niega a ser inmutable con el paso del tiempo es la palabra “imposible”; su significado va transformándose a medida de que el hombre, presa de su vocación trasgresora, quebranta cada uno los límites que se le imponen. En ocasiones esa barrera es la dificultad para convertir en tangible, palpable y materializable esa idea que vaga por la mente guiada por una inspiración más conceptual que física. ¿Cómo plasmar esas figuras imposibles, esas sinuosas formas y esos complicados ángulos que se recrean en la imaginación de los creadores sin posibilidad de encontrar un material que les haga  perceptibles a la vista ajena? Esta imposibilidad se desvanece hoy para los artistas gracias a las impresoras 3D y a la tecnología de impresión tridimensional.

Consideradas por muchos como el fenómeno revolucionario de este año, las impresoras 3D, si bien inventadas hace décadas, han experimentado un impulso que las hace ya imprescindibles en los campos de la medicina, ingeniería e incluso matemática.  No obstante, y como contrapeso a esta euforia inicial, sería preciso reflexionar sobre los cambios que entraña su uso, al igual que ha ocurrido con todo nuevo soporte que implica mayor sencillez y capacidad para clonar  objetos: implicará cambios drásticos no sólo en el consumo y mercado de productos sino también la vida diaria así como en el diseño y la creación artística en el futuro.

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A pesar de que se trata de una técnica aún incipiente en su aplicación en el arte, no son pocos los artistas que, dada su característica esencia visionaria, han sido capaces de ver más allá de la mera utilidad funcional de estas máquinas para concederles el don de germinar vida a pesar de su carácter inhumano. Basta diseñar la idea para que, como por arte de magia, poco tiempo después contemos con dicha obra en nuestras manos.

Debido a su capacidad para exaltar la belleza de la destrucción, inmortalizar en silencio momentos sublimes y subyugar lo que en esencia es incontrolable, el artista Eyal Gever se configura como uno de los principales exponentes del arte en 3D. Su proceso creativo surge de la simulación tridimensional de procesos en desarrollo que posteriormente transforma en momentos escultóricos. El punto de partida de este artista es la colisión de conceptos radicalmente opuestos: movimiento y reposo, control y libertad, rigidez y elasticidad… conviven en armonía en sus esculturas en las que resuena la fragilidad de la vida.

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“Artista, escultor, músico, aventurero digital, arquitecto de la imaginación, creador de problemas…”, así se define Joshua Harker a sí mismo en su web. Este artista estadounidense -pionero en la impresión 3D en arte y escultura-  es uno de los creadores más reconocidos a la hora de materializar esculturas imposibles. Tras sus obras Crania Anatómica Filigre y Anatómica di Revolutis, su última creación en 3D, Quixotic Divinity, ensalza el simbolismo de los adornos humanos y, para ello, se ha inspirado en las máscaras y adornos ceremoniales asiáticos, africanos  y latinos, entre otros. Su minuciosidad es fiel reflejo del detalle que es capaz de plasmar este tipo de tecnología cuando es dominada por un artista de su calibre.

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Neri Oxman, arquitecta y profesora de Media Arts and Science en el MIT Media Lab (Instituto de Tecnología de Massachusetts dedicado a la investigación en la convergencia del diseño, la multimedia y la tecnología)  es una experta en esculpir obras tridimensionales, muchas de las cuales alberga el MoMA de Nueva York en su colección permanente. Esta artista  ha dedicado su carrera a explorar la intervención de las tecnologías de diseño digital en la materia y el medio ambiente.

Las esculturas de Kevin Mack se basan en el uso de una multiplicidad de herramientas y procesos digitales: combina las tecnologías más innovadoras con las técnicas tradicionales. Por su parte, el belga Nick Ervinck se apoya en la exploración para crear esculturas inspiradas el cuerpo humano tan complejas que tan sólo es posible hacerlas realidad a través de esta técnica.

Afortunadamente, el hecho de que la humanidad conviva a diario con ese carácter fluctuante de la vida aún no ha mermado nuestra capacidad para sorprendemos cuando somos testigos de la magia: ver cómo lo  imposible deja de serlo, en esta ocasión,  gracias a estos desafiantes creadores y a la tecnología que se pone al servicio del arte más original e imaginativo.

 

BoaMistura devuelve al Chorrillo su luz

BoaMistura nos presenta por fin el documental Somos Luz, basado en su intervención artística en la comunidad del Chorrillo en Panamá. Una comunidad  poblada de personas que llegaban con el objetivo de participar en la construcción del canal que une el Caribe y el Pacífico, pero que en 1989 se ve invadida por las fuerzas de EEUU. Una intervención que provocó una enorme destrucción, junto a un daño psicológico y social irreparable en la sociedad panameña del Chorrillo. Un barrio violento y sin ley, en el que bloques de pisos llenos de color formados por pequeñas viviendas sin habitaciones en escasas condiciones de salubridad caracterizan la zona: “El barrio está muy sucio. Es un lugar que queda al margen de la recogida de basura y las infraestructuras públicas”, cuenta Javier Serrano (arquitecto panameño).

Un trabajo con un mensaje de -comunidad- y 2.000 metros cuadrados de extensión que abarcaba 50 viviendas, junto a sus respectivos corredores y núcleos de escaleras del edificio Begonia I, creaban el proyecto Somos Luz. Un proyecto que gracias a la ya famosa técnica de la anamorfosis, técnica en la que BoaMistura es especialista, se hacía realidad. La anamorfosis provoca que desde un determinado punto de vista el elemento cobre una forma proporcionada y clara. Una intervención que forma parte de la serie Crossroads, en la que BoaMistura rehabilita espacios comunitarios, mediante arte urbano, concienciando a sus vecinos y haciéndoles tomar parte activa en el proyecto.

En este caso la composición cobra vida con la ropa tendida o cuando alguien se asoma al balcón, desde la que se puede leer SOMOS LUZ. “Esa palabra es bonita y tiene mucho significado, en el sentido de que le da a entender y pienso yo que aquí hay vida. La luz para nosotros puede significar muchas cosas a pesar de que tenemos tanto contratiempo, tanta pobreza, tanta maldad, tantas cosas…”, declaraciones de Yolanda, vecina del Chorrillo, pieza clave del documental.

Decoración navideña para guerreros Jedi

Seguro que a estas alturas ya tenéis el árbol puesto y la casa más que decorada: lucecitas de colores, flores de pascua, bolas navideñas, velas, bandejas de turrón hasta en el servicio… Las casas en esta época se vuelven un completo batiburrillo de cosas navideñas que acaban siendo siempre las mismas, recicladas de un año para otro, tesoros recuperados de generación en generación…
Pero para aquellos que sintáis esa llamada, la llamada freak, para aquellos que el año que viene abandonéis por fin a vuestros maltrechos padres y estrenéis nueva casa, no podemos dejar de proponeros esta animada decoración navideña que hará las delicias de vuestros amigos más cinéfilos.

Hay muchas fases y niveles de decoración navideña en una casa; pueden fallar las flores de pascua, quizás las velas, el adorno en la puerta, los bastoncillos dulces, pero lo que nunca puede faltar (o al menos no debería) es el árbol. Ese elemento tan sagrado (y casi siempre tan sintético) que cada vez va teniendo menos pelillos ya que es irremediable que éstos se caigan al sacarlo de la caja que lo protege durante todo el año.
Hay infinitas medidas para el mencionado árbol, la mayoría de los conocidos fluyen desde los 30 cm en las familias de gnomos hasta los 3 metros si vives en una mansión y eliges al más robusto ejemplar de tu jardín para decorarlo.

Qué fan de Star Wars no ha soñado alguna vez con tener un árbol coronado por el maestro Yoda o por el mismísimo Darth Vader. Pues todo es ponerse, chicos. Una marioneta en el caso de Yoda o un casco de Darth Vader y su correspondiente capa pueden ayudar a que tu árbol imponga ternura o absoluto canguelo cuando tus amigos entren en tu salón.

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Si has decidido coronar tu árbol con el Jedi de los Jedi, Yoda, puedes hacerte con un pack de luces como éstas y terminar de ‘yodeizar’ tu árbol.
No te lo recomendamos si has escogido la opción Darth Vader: demasiados sentimientos encontrados…

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Pero todo tiene solución, tu árbol puede seguir teniendo luces aunque hayas decidido disfrazarle de Darth Vader: te proponemos éstas de Boba Fett, que también soy muy ‘molonas’.
Si no eres fan de Fett, seguro que lo eres de R2D2, así que también puedes desperdigar unos cuantos por tu árbol.

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Las bolas navideñas son otro elemento que has de tener en cuenta a la hora de decorar tu árbol. Algunas de las que te presentamos a continuación tienen una elaborada mano de obra, pero si eres un poco apañado con el pincel o tienes facilidad con los Lego, seguro que puedes conseguir algo parecido.

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Si tienes como tradición montar el portal de Belén, puedes construirte uno como estos. Con algunos muñecos Lego y un poco de paciencia tampoco es tan complicado.

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Cuando hayas dejado a todos tus amigos boquiabiertos, puedes terminar la sorpresa sacándoles unas cervezas como éstas…Si existieran algún día. Diseñadas por Tyler Christmas (os juramos que el nombre no es broma) estas cervezas serían el complemento perfecto en toda nevera de fan que se precie.

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Tener una decoración navideña estilo Star Wars es posible. No os desaniméis, ¡que la fuerza os acompañe!

El patriotismo gourmet de Jonathan Icher y Anastasia Parquet

Fotografía, body painting y gastronomía, tres formas diferentes de crear arte, pero unidas en un mismo proyecto bajo el título Fat Flag. Un proyecto que vio la luz, gracias a la estrecha relación entre dos artistas franceses: El fotógrafo Jonathan Icher y la maquilladors Anastasia Parquet. Una serie que tras horas de maquillaje dio como resultado un -patriotismo gourmet-.

Fotografías en las que comida y modelo hacían de nexo entre sensaciones e imágenes. Modelos de nación creados como cliché del país. Un huevo frito, el clásico del desayuno inglés; un buen croissant, del francés; una pieza de nigiri de salmón japonés, junto a la famosa y querida hamburguesa de Estados Unidos y, desde luego, el símbolo gastronómico italiano por excelencia: El espagueti. Todo ello unido a un body painting creado a la perfección para el momento y una fotografía en la que la luz y expresión nos hace recordar con un simple vistazo cada país, ayudan a conformar Fat Flag.

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Meninas, toreros y fauvismo: El retrato de Pedro Naranjo

Ayer se inauguró en Espacio 303 (Madrid), el último trabajo del artista sevillano Pedro Naranjo con su obra Regalos con Arte: Meninas y Toreros. Una muestra en la que el pintor nos acerca desde su visión más fauvista a la tradición y raíces más españolas. Obras en la que la expresión y un cambio en la manera de ver personajes tradicionales del mundo del toreo o de la alta sociedad, con recuerdos a un Diego Velázquez más adaptado a las tendencias del s.XXI, se muestran a un público cada vez más estricto y con ganas de ver algo diferente.

Pinturas en las que lienzos realizados en acrílico sobre cartón cobran sentido. Trabajos que configuran una exposición temáticamente centrada en meninas y toreros ataviados con indumentaria de época: tocados y trajes un poco vanguardistas y abstractos, ellas, y patillas y monteras típicas del siglo XIX, los segundos. El uso de colores vivos, puros y expresivos que se imponen a la representación naturalista, junto con pincelas sueltas realizadas con sentido, dotan de una mayor expresividad a la muestra.

La exposición permanecerá abierta al público desde el próximo lunes hasta el 23 de enero de 2014, de lunes a domingo, de 10 a 22 horas.

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