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El cautivador diálogo de Juliette Clovis

La fugacidad de la vida es uno de las constantes que acompaña al sentido de la vida desde que nacemos. Llegamos a este mundo para algún día morir. Una de las frases que más se utilizaba para recordar este pequeño detalle que pasaba inadvertido para muchos mortales victoriosos era la célebre “memento mori”. Recuerda siempre que eres mortal, que no eres un dios y que no eres invencible ni eterno. Con ello se intentaba que el sentido de la humildad predominase sobre la soberbia, un mensaje que en el Imperio Romano tenía un profundo significado y donde quedaba claro que la vanidad terminaba cuando la parca llegaba para conducir al descanso eterno.

La vanidad no es el eje central del artículo de hoy, pero sí lo es la fugacidad de la vida. Una artista francesa, Juliette Clovis, ha dejado claro que la muerte es una constante que nos atañe a todos, pero ligado a una reflexión mucho más profunda y que tiene que ver con el don de la creatividad y la figura femenina.

La representación de la mujer ha sido uno de los temas más abordados a lo largo de la historia del arte. Para Juliette, el papel que ha desarrollado a lo largo de la historia y en la sociedad contemporánea es el tema recurrente en muchas de sus obras. Desde la figuración de seres híbridos, sacados de la mitología, de la historia o de las leyendas y tradiciones más antiguas, hasta figuras de carne y hueso que viven en el imaginario popular, todas ellas tienen una influencia intensa y predominante en sus cerámicas.

Pero sus imágenes van un paso más allá. Sus cuerpos femeninos aparecen invadidos por elementos de la flora, una profusión floral que remiten a los sonidos, aromas, visiones y sensaciones de los bosques más profundos, la jungla más salvaje, la pradera más liviana. Incluso cualquier elemento de la fauna es susceptible de cobrar vida sobre la feminidad representada.   Todo ello lleva a preguntarse sobre el equilibrio que puede existir entre la naturaleza y la figura femenina, sus más profundas conexiones sobre el poder creador de la vida que ambas protagonistas comparten, pero también sobre el poder de la muerte a la que ninguna escapa.

El diálogo que se establece resulta profundo y cautivador. La creación es el tema primordial que subyace en sus esculturas pero con una visión que aporta un toque contemporáneo a sus obras. A la tradición aprendida en los talleres artesanales de Limoges, donde la porcelana no ha perdido seguidores, se une una temática abordada desde una perspectiva más acorde con los tiempos modernos y sin perder el hilo de la historia que la precede.

¿Qué hacen nuestros juguetes cuando no les estamos viendo?

Toy Story, la película de animación que en 1995 estrenaba Disney, ya nos dejaba entrever lo que para muchos había sido hasta entonces una duda existencial. ¿Qué hacen nuestros juguetes cuando no les vemos?. Pues sí, señores y señoras, los juguetes tienen una vida a nuestras espaldas como el famoso vaquero Woody o el intrépido Buzz Lightyear y, ahora, el instagramer @hot.kenobi les ha pillado con su objetivo para dejarnos a todos con la boca abierta.

Un Spiderman en su afán de destrozar una lata o el siempre polifacético Iron Man cazando Pokemon son algunas de las instantáneas que nos deja el famoso instagramer japonés en su perfil y del que el actor Robert Downey Jr que da vida a “Tony” Stark en la gran pantalla, se hacía eco en su cuenta de twitter.

That was a very happy thing that happened in my life. (again) #robertdowneyjr

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Lo que comenzó como un juego de niños y gracias a su visión y calidad técnica por la fotografía y la escenografía ha hecho que este japonés haya conseguido que su pasión por las figuras de acción triunfe en la red. Personajes de todas las razas y editoriales haciendo de las suyas en un popurrí visual que hace las virguerías de los amantes del mundo del cómic y las figuras de acción.

The Walled Off, el hotel con ‘las peores vistas del mundo’

Entre la provocación, la discordia y el arte de vanguardia. Así se presenta el hotel que el artista callejero Banksy ha creado en pleno corazón de Palestina. The Walled Off Hotel, se encuentra en uno de los enclaves más hostiles de Oriente Medio, concretamente en la ciudad de Belén. A escasos metros podemos toparnos con el muro que en 2003, levantó el gobierno de Israel y que, curiosamente, es uno de los principales reclamos ‘del hotel con las peores vistas del mundo’, como confiesa el desconocido grafitero en el comunicado enviado a la prensa.

El arte de ruptura de Banksy está muy presente en cada uno de los detalles del edificio, impregnado por el estilo colonial británico. La carga simbólica de cada escultura, de cada cuadro y mural que pueblan las paredes del hotel, intentan ser un reflejo de la realidad que vivimos, más allá de la mera provocación que supone situar un hotel de estas características en plena Cisjordania.

¿Por qué abrir un hotel aquí?

La ironía es uno de los pilares fundamentales de este proyecto. ¿Los motivos de su apertura? Según reza en la propia página web del hotel “Este lugar es el centro del universo -cada vez que Dios viene a la tierra parece que sucede cerca de aquí. La arquitectura y el paisaje son impresionantes, la comida deliciosa y la situación actual extraordinaria y conmovedora. Este es un lugar de inmenso significado espiritual y político- y con muy buen falafel. Le garantizamos que no se sentirá decepcionado

Sin ir más lejos, la fecha de apertura del hotel -11 de marzo- coincide con el cien aniversario de la toma de posesión de Palestina por parte del Imperio británico. Sofás de cuero, se mezclan con vajillas de porcelana china. En la entrada, la escultura de un mono vestido de botones recibe a los huéspedes con prendas de mujer asomando de las maletas que porta. Crítica política y social se entremezclan en cada uno de sus rincones.

Cada una de las habitaciones están decoradas por diversos artistas como Sami Musa o Dominique Petrin, además del propio Banksy. El hotel también servirá como escaparate para dar a conocer a artistas autóctonos, tanto con exposiciones dedicadas a la pintura, como con la muestra de música palestina que tendrá lugar del 4 al 7 de abril.

Este pequeño parque temático también tendrá espacio para la música en el particular piano bar donde, cada noche, irán estrenando conciertos pregrabados que músicos como Elton John, 3D de Massive Attack, Trent Reznor y Atticus Ross de Nine Inch Nails, Hans Zimmer o Flea -bajista de Red Hot Chili Peppers- por el momento se han sumado al proyecto.

<iframe width=”560″ height=”315″ src=”https://www.youtube.com/embed/uivaFJvLHfI” frameborder=”0″ allowfullscreen></iframe>El hotel contará con 45 empleados palestinos ofreciendo habitaciones compartidas de 30 dólares la noche.

La escultura también se pixela

Con la llegada de la imagen digital el concepto de color pasó a medirse a través de los llamados píxeles. Un píxel se convertía así en el menor elemento homogéneo de color que combinándose entre sí daba lugar a una imagen. Cambiaba así el concepto artístico del color que se enriquecía con la llegada de los programas informáticos aplicados a la pintura y el diseño. Mucho ha llovido desde entonces y los píxeles forman parte de nuestro día a día, llegando para quedarse.

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Un artista taiwanés ha ido un paso más allá y ha incorporado el mundo del píxel al de la escultura. Utilizando materiales como el barro y la madera, Hsu Tung Han crea verdaderas obras píxeladas en tres dimensiones. Las posiciones y posturas de los personajes varían considerablemente al igual que el tamaño de la representación, que puede ir desde el simple busto hasta la totalidad del cuerpo. Pero todas ellas tienen en común el parecer estar componiéndose o descomponiéndose a través del pixelado.

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Con ello el autor puede estar haciendo una crítica feroz al uso excesivo de la tecnología en la vida cotidiana, que los países asiáticos desarrollan con tanta facilidad y les hace perder el sentido de la realidad terrenal y humana. También esa crítica va dirigida a la invasión digital de todos los programas informáticos que sirven para mejorar las imágenes en general y llevan a desvirtuar la realidad creando otra que no tiene nada que ver con lo que es tangible y humano.

JustMAD8, la feria de arte emergente más importante del país

Una año más JustMAD se asienta en la capital, celebrando su octava edición en el lugar que la vio nacer. El Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid, mejor conocido como COAM de Madrid, acoge del 21 al 26 de febrero de 2017 la feria de arte emergente más importante de nuestro país que por tercer año consecutivo dirige Gregorio Cámara.

Una edición que da cabida a las propuestas de los artistas más emergentes, reforzando su compromiso con la oferta galerística y espacios alternativos tanto españoles como internacionales. Comisariada por la venezolana Isabela Villanueva, la feria se ha visto reducida, debido a su fuerte apuesta por la calidad, disminuyendo la selección de galerías a la planta entrada, planta jardín y primera planta del COAM.

Series Omo River – Isabel Muñoz – Galería Blanca Berlin

Este año la feria seguirá apostando por el arte más internacional, en el que podremos disfrutar de galerías y artistas de 14 países, como Italia, Polonia, Portugal, Alemania, Bélgica, Brasil, China, Colombia, Cuba, Eslovaquia, EEUU, Rusia y Venezuela. El comisario belga, afincado en New York, Tim Goossens, que recientemente ha comisariado la trienal Trademarks y la exposición Shapeshifters en Los Ángeles, será el responsable de la sección Curated Venture. En ella, se articulan diálogos entre la obra de un artista de cuatro galerías españolas y la de seis artistas internacionales, seleccionados por Goossens. De esta forma, se busca generar oportunidades de colaboración en el plano internacional, dando a los artistas, una mayor visibilidad y repercusión fuera de nuestras fronteras, artistas como Sarah Grass (New York) con Javier Vázquez de Banus Gallery (Madrid), Gustavo Ferro (Brasil) y Klaas Rommelaere (Bélgica) con Pilar Sagarra de Eka&Moor (Madrid) forman parte de esta sección.

Izaskum Escandón – Gallery Aurora Vigil

Un años más JUST RESIDENCE vuelve a la feria y, con este son cuatro, en los que nueve artistas de siete países diferentes trabajarán con distintos materiales, en torno a la “Recuperación y transformación del paisaje industrial”. Avilés es el destino elegido para desarrollar la residencia, bajo el comisariado del artista cubano Carlos Garaicoa. Cuatro semanas, en las que el portugués Antonio Machado Pinheiro de Amorín, la rusa Olga Kozmanidze, los alemanes Eliza Goldox y Philipp Valenta, la chino-británica Jolene Mok, el eslovaco Juraj Florek, la cubana Diana Fonseca y los españoles Lidia Orán Llarena y José Sánchez tendrán la oportunidad de disfrutar de una experiencia creativa en un entorno nuevo y en convivencia con otros artistas.

Foto portada: Tiempo de Silencio – Jorge Hernández – Gallery Aurora Vigil

Los mundos en miniatura de Vera van Wolferen

El mundo de la miniatura es el gran desconocido para una amplia parte del arte. En sí, el término empezó designando a los maravillosos libros ilustrados que surgieron durante la Edad Media en toda Europa y que decoraban las páginas de textos sagrados, en un principio, y profanos, posteriormente, con imágenes de vivos colores y formas delicadas. Los talleres más famosos eran los flamencos que, posteriormente, darían paso a la pintura gótica tan descriptiva, detallada y meticulosa que haría conocida artistas tan importantes como Van der Weyden, Bouts, Memling o Van Eyck.

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La miniatura actual poco tiene que ver con estos preciados tesoros del medievo y sirve para designar obras con un tamaño mucho más pequeño del habitual. La artista holandesa Vera van Wolferen es una gran conocedora de las disciplinas escultóricas, en particular de la talla en madera, y del arte de la miniatura de su país natal. Por ello, Vera ha desarrollado su obra bajo la destreza de lo pequeño, creando verdaderas obras de arte que recogen el mundo más ingenuo e infantil.

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Estas obras de pequeño tamaño recogen una serie de pequeñas historias y de pequeños mundos que aparecen encapsulados en pequeños frascos de cristal, capturando ese instante e inmortalizándolo para siempre. El trabajo es meticuloso hasta el final pero la artista lo disfruta al máximo dejando al descubierto su particular forma de concebir el arte y la vida.

Asombrosos crustáceos mecánicos

Cuando en el mundo del arte se piensa en estudios previos y bocetos o borradores realizados a pluma muchos vuelven su vasta memoria hacia las obras del genial Durero. Desde niño quedó claro que su pasión por el dibujo le conduciría hacia la pintura, ya que pocos autorretratos de artistas se conservan realizados a la joven edad de trece años. Toda la obra del artista alemán asombra por la capacidad de adaptación, de fusión y creación de antiguas formas y novedades que provenían de los grandes focos artísticos italianos de finales del siglo XV y principios del XVI. Inigualables son sus estudios de animales y plantas realizados en acuarelas y que resultan asombrosos para cualquiera que los admira.

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En la actualidad, pocos son los artistas que se interesan por los “estudios” aunque ello es referencia fundamental para entender el funcionamiento biológico de cualquier ser vivo que se quiera representar. El artista francés Steeven Salvat se ha sentido fascinado por el mundo de los crustáceos. Hasta aquí, todo parece normal. La representación de un cangrejo o una langosta no es algo nuevo dentro del mundo de los bodegones. Sin embargo, Salvat va un paso más allá y traslada la anatomía de estos artrópodos al mundo de los artefactos mecánicos.

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El aspecto físico de los crustáceos camufla así un interior mecánico de múltiples engranajes, manivelas, muelles y tornillos, que dejan al descubierto la complejidad del movimiento de estos animales acuáticos que resultan desconocidos a la vez que misteriosos para el resto de seres del reino animal.

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