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El eterno retrato de los Borbón de Antonio López

Que nadie se atreva a decir que Antonio López, pintor de cámara de la Casa Real, es lento en su cometido: “Yo voy a mi ritmo”, ha llegado a comentar el artista manchego al ser preguntado por el retrato que está realizando sobre los Reyes y sus tres hijos iniciado hace ya 17 años. El proyecto, que encargó Patrimonio Nacional en 1994, sigue en marcha y está situado entre sus prioridades, tal y como él mismo reconoce: “El de la Familia Real es el más urgente. Lo quiero acabar y entregarlo ya”. Pese a todo, este lienzo no es el único proyecto que se trae entre manos, a pesar de que los 300.000 euros que se acordaron fueron abonados en su cuenta hace más de una década.

1308652175650El artista hiperrealista, que lleva a cabo su labor en su taller madrileño en el barrio de Chamartín, tiene que cumplir a rajatabla con las premisas impuestas por la Casa del Rey a la hora de llevar a buen término este especial encargo. Entre ellos, que la tela, de 3,40 metros de longitud por tres metros de altura no puede salir de palacio, por lo que el pintor y escultor manchego debe presentarse en Zarzuela cada vez que pretende mancharse las manos de pintura. “Es una obra muy buena y, para terminarla, se requiere impedir las distracciones. Confío en que estemos ya ante el empujón final de este cuadro”, declaró el pasado mes de mayo Rodríguez Spiteri, director de Patrimonio Nacional, dejando entrever el deseo de la Casa de que se termine el trabajo cuanto antes.

López se defiende asegurando que “el cuadro está en constante transformación, pero como todo en la vida”. Y no le falta razón. La instantánea que está retratando de la Primera Familia data de 1992, cuando las infantas todavía eran dos jóvenes solteras y nadie había oído hablar de la princesa Letizia, que comenzaba a dar sus primeras clases de Periodismo en Madrid. Mucho ha llovido desde entonces y poco se podría vaticinar del cambio que ha sufrido la institución monárquica desde entonces. El ‘huracán Corinna’ y el ‘tornado Urdangarin’, que amenazan ahora con acabar con la Corona en España, no tendrán ni una pincelada de sentido en la obra de Antonio López, que a pesar de ser testigo de esta realidad, se afana con esmero en reproducir a la familia feliz y unida que eran los Borbón por aquel entonces y que cada día más se esfuerzan por hacérselo ver a su disgustado pueblo.

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Un meticuloso pintor de pincel fino

Es uno de los artistas españoles más importantes y su cotización en el mercado del arte supera a la del resto. Así fue al menos en 2008 cuando la casa de subastas Christie’s adjudicó su cuadro Madrid desde las Torres Blancas por 1,74 millones de euros, lo que posicionó su obra como la más cara de un autor con vida de España. Pero no sólo las cifran avalan su trayectoria, sino que los premios que cuenta en su haber respaldan esta apreciación. Fue galardonado con el Premio príncipe de Asturias de las Artes, con el Velázquez de las Artes Plásticas y premio príncipe de Viana de la Cultura. Una colección de trofeos única que demuestra el respeto que muestra el gremio a su obra.

1308049913736Pero a él esto no le importa en demasía y su interés se centra en que sus creaciones sean casi como instantáneas que reflejen la realidad tal y como él la ve. Su forma de acercarse al objeto a retratar se desarrolla a lo largo de años o incluso décadas, ya que cada pincelada es estudiada al milímetro, cada movimiento de mano tiene sentido y, por lo tanto, no deja nada al azar. Esto es primordial a la hora de que la esencia del objeto quede reflejada a la perfección en sus lienzos, llegando a parecer en ocasiones auténticas fotografías. Es por ello que siente predilección por paisajes de la capital, por retratos de sus familiares y sobre todo objetos de la vida cotidiana como puede ser un mugriento retrete, un tocador de una vivienda cualquiera o una pieza de carne sobre un sencillo plato.

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Antonio de Felipe: graffiti y Pop Art comparten pared

¿Quién no ha visto a Charlize Theron promocionando un conocido perfume? Visualizamos a la actriz con aquellos detalles dorados representando la perfección y el lujo…¿Y si mezclamos esa imagen etérea con Gustav Klimt? El resultado no puede ser más impactante: elementos diferentes,de distintas épocas que parecen haber sido creados en la misma época- Ese es la sensación que la obra de Antonio de Felipe deja en quien se acerca a ver su obra. Pero ¿cómo se originan estas ideas? De Felipe viajaba en avión, venía de conocer la obra de Klimt mientras ojeaba una revista que ofrece multitud de productos para comprar en el trayecto, cuando vio el anuncio de Charlize Theron. Arrancó la hoja y trabajó para incorporarlos en una misma obra.

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Los mejores ‘Realistas de Madrid’ llegan al Thyssen

Del 9 de febrero al 22 de mayo de 2016, el Museo Thyssen-Bornemisza presenta una nueva exposición dedicada a un grupo histórico y generacional de pintores y escultores que han vivido y trabajado en Madrid desde la década de 1950, unidos tanto por las vinculaciones de su formación y de su trabajo como por sus relaciones personales y familiares. Antonio López, su esposa, María Moreno; los escultores Julio López Hernández y su hermano Francisco; la mujer de Julio, la pintora Esperanza Parada; la mujer de Francisco, la también pintora Isabel Quintanilla y muchos más; serán los encargados de dar vida a una muestra que lleva por título ‘Realistas de Madrid‘.

Madrid, punto de encuentro para artistas del realismo de los años 50

Antonio López - 'Lavabo'Por primera vez, en el último cuarto de siglo, una exposición establece como punto de encuentro y total protagonista a la capital madrileña. La muestra incluirá unas noventa piezas entre óleos, esculturas, relieves y dibujos, que se alternarán a lo largo de las salas para establecer diálogos entre los artistas y destacar los puntos que tienen en común, tanto en la elección de los temas como en la forma de abordarlos; unos nexos que se ven reforzados por esa relación tan estrecha que les une, ya sea familiar o de amistad, y por las coincidencias en su formación académica y su postura común frente al informalismo dominante en el panorama artístico español de los años cincuenta.

Muchas de las obras seleccionadas no se han visto en mucho tiempo en nuestro país y han sido elegidas por los dos comisarios de la exposición, María López, hija de Antonio López, y Guillermo Solana, junto a la comisaria técnica Leticia de Cos, de las propias colecciones de los artistas, de otras colecciones particulares y de instituciones internacionales. Además, la destacada presencia femenina en el grupo, de cuatro mujeres frente a tres hombres, tiene igualmente su reflejo en la exposición, como muestra de esa primera generación artística tras la Guerra Civil española en la que las mujeres ocupan un lugar relevante.

De lo íntimo a lo público

La muestra sigue un itinerario temático, no cronológico, que va conduciendo al espectador de lo íntimo a lo público; del bodegón a la ciudad; del plano corto, la escala pequeña y la proximidad, al gran formato y las vistas urbanas panorámicas. Es un recorrido por los temas que todos comparten: el bodegón, el interior doméstico, las calles y los patios, la figura humana, la ciudad de Madrid…y cuyo colofón tiene un único protagonista: un gran lienzo de Antonio López, ‘Ventana de noche‘ (2013-2015); una obra reciente, que se presenta por primera vez en España, y que destaca por su original visión de gran angular.

Entrada general: 12 €

– Entrada reducida: 8 € para mayores de 65 años, pensionistas, estudiantes previa acreditación y familias numerosas

– Entrada gratuita: menores de 12 años y ciudadanos en situación legal de desempleo

Foto portada: ‘Naturaleza Muerta de la Sandía’ – María Moreno

Gil Gijón en Selecta 2014

La facultad de Bellas Artes de San Carlos de Valencia ha convocado, otro año más, el proyecto Selecta, donde Gil Gijón ha sido seleccionado como artista para mostrar sus trabajos en la Kir Royal Gallery. Nacido en Puertollano, en 1989,  ha completado su formación universitaria con cursos profesionales orientados al perfeccionamiento de la pintura y escultura de la mano de artistas de la talla de Antonio López, Venancio Blanco o Juan Carlos Albaladejo.

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Su reciente obra es el resultado de la investigación llevada a cabo sobre la utilidad del polvo de los hogares como materia prima para sus creaciones. Para ello crea obras pictóricas y escultóricas donde intenta reflexionar sobre la caducidad de la materia y el ser, apelando a la memoria y a la identidad. Así, el polvo resulta la huella que imprime el paso del tiempo. Los retratos son efímeros, como una ilusión que se desvanece al pasar por su lado, como el polvo que se acumula sobre un mueble, resultando artificial y efímera como la vida misma.

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La exposición estará abierta del 4 de julio al 30 de agosto en la galería Kir Royal de Valencia.

 

Almodóvar aparca el cine y busca fortuna en los bodegones

Pedro Almodóvar deja el cine y se dedica al bodegón. El cineasta manchego aparca su faceta como director icónico de nuestro país para mostrar una nueva visión de sí mismo, como fotógrafo de bodegones. Un nuevo prisma para acercarse a una de las figuras más importantes del séptimo arte patrio para aquellos que se acerquen a partir del próximo día 21 de septiembre en Madrid, concretamente en la popular galería de arte ‘La Fresh Gallery

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Redefiniendo el arte figurativo con Daniel Segrove

La pintura figurativa es uno de los estilos pictóricos que más conocimiento de la técnica se necesita para conseguir un buen resultado final. Hoy en día, quizás sea el estilo más demandado por la sociedad y por las galerías y, eso se nota, ya que podemos observar los enormes cambios que está sufriendo. Hoy hablamos con Daniel Segrove, amante del retrato y de la necesidad interna de expresar sus sentimientos a través de su gran pasión, la pintura. Pintor y, sobre todo, amante de las emociones, su objetivo es el de conseguir plasmar en el lienzo todos los sentimientos que la obra le genera.

Una obra en la que la técnica mixta y el retrato se hacen dueños y señores de la sala, Segrove lo tiene claro, «aún me queda mucho por evolucionar». Porque nos encanta la pintura figurativa y la lucha interna para conseguir nuestros sueños. Hoy. MalaTinta habla con Daniel Segrove.

Quién es Daniel Segrove?

Soy un joven artista emergente de San Francisco, California. Me gradué en la Academy of Art University en 2014 Well I am a young emerging artist from San Francisco California. I graduated from Academy of Art University in 2014 y, desde entonces he estado centrado al cien por cien en mi carrera artística.

Si estuvieras detrás de una persona que está observando tu obra, ¿qué piensas que diría de ella?

Esperaría que encontraran mi trabajo inspirador y sintieran algún tipo de conexión. Personalmente mis trabajos preferidos que más he disfrutado son aquellos que no sólo tienen una gran carga emocional, sino aquellos que me han dado fuerzas para crear. Espero poder dar al público la misma motivación e inspiración.

¿Cómo definirías tu trabajo?

Lo definiría como arte contemporáneo figurativo, ya que mi obra se centra en las emociones humanas que se combinan con la expresión física.

Como artista, ¿te sientes apoyado por el gobierno?

Vivir en los Estados Unidos tiene muchos privilegios. Uno de ellos, es el de ser libre de hablar como artista de cualquier tema, aunque sea controvertido. Me siento muy agradecido por tener acceso totalmente gratuito a todos los museos del país, encontrando inspiración, gracias a la cantidad de artistas increíbles que puedes encontrar en ellos.

¿Qué piensas cuando estás retratando a alguien? 

Desde que era un niño siempre me he sentido atraído por la pintura figurativa, aunque hoy en día considero que mi trabajo no sólo se centra en este tipo de arte, sino en mis propias ideas y expresiones. La figura me sirve como vehículo a través del cual recorro nuevas ideas. Lo que trato de capturar en mi obra quizás no sea el retrato en sí, sino la emoción que proyecto en cada uno de ellos.

¿Cómo describirías a las personas que retratas? ¿Qué significan para ti?

Suelo dibujar a la gente cercana a mi, pero también dibujo imágenes que encuentro interesantes. Quiero que mi trabajo muestre figuras que transciendan no solamente como una obra bien elaborada, sino como una imagen con una gran presencia psicológica.

¿Es importante conectar con las personas que retratas? 

Sin lugar a dudas me siento totalmente conectado a ellos cuando les pinto. Me provocan un fuerte impacto, tanto bueno como malo. Por un lado retratar alguien que amas me ayuda a utilizar y aprovechar los sentimientos más íntimos y profundos que me provoca esa persona creando una obra más genuina. Por otro lado, sin embargo, retratar a las personas que te importan provocan en mi una presión autoimpuesta que hacen del trabajo un proceso aún más desafiante.

El año pasado ganaste el primer premio en la categoría de pintura figurativa y el tercer premio en la categoría de pintura contemporánea , ¿crees que para un artista es muy importante haber obtenido algún premio en su carrera?

Personalmente no creo que los premios desde el punto de vista competitivo sean importantes para un artista. El arte es muy subjetivo para el espectador y considero que es muy complicado decidir y valor qué es mejor y qué es peor. Una obra que esté más dirigido a un público menos especializado y en masa no significa que sea mejor que una obra más conceptual y personal.

¿Piensas que las técnicas tradicionales están, cada vez más, desplazando a un segundo puesto a las más tradicionales?

Creo que las técnicas digitales están apartando a las técnicas tradicionales en muchos campos del mundo artístico, pero es normal, estas cosas ocurren. La tecnología avanza en la mayoría de las profesiones y no considero que el arte tenga que ser la excepción. Sin embargo siento que las bellas artes siempre serán más elogiadas y valoradas en sus técnicas tradicionales que en las digitales. Con materiales y soportes no digitales puedes crear las misma presencia y texturas que si las realizaras por ordenador y las imprimieras.

Si volvieras al pasado y pudieras encontrarte contigo de pequeño, ¿qué le dirías a ese chico?

Es difícil saber qué le diría a ese chico, pero no le diría nada que pudiera cambiar mi camino, porque me gusta mi vida. Solamente me diría que siguiera creando, que continuara buscando nuevas inspiraciones y que nunca olvidara el crecer como artista.

¿En qué estás trabajando actualmente?

Ahora mismo estoy trabajando en una serie para unas exposiciones que tengo pendientes, pero sigo intentando centrarme en la técnica mixta de la pintura figurativa. Trato de redefinir mi propia voz y dirección artística mientras expando my carrera profesional.

¿Te veremos en España algún día?

¡Eso espero!, la mayoría de mis artistas favoritos son españoles como Antonio Lopez Garcia, Golucho, Diego Velázquez y Francisco de Goya. En 2014 estuve en Madrid y Barcelona y me parecieron increíblemente bellas. Visité todos los museos que pude, empapándome de todos los maestros que encontré como isnpiración. Sin lugar a dudas ¡espero volver muy pronto!

La magia de la ilustración de moda por David Downton

Desde hace casi dos décadas, David Downton es considerado uno de los ilustradores de moda más importantes del mundo. Y no es para menos. Su trabajo ha aparecido en las revistas más importantes del globo, ha colaborado con marcas de la talla de Chanel, Oscar de la Renta o Tiffany, y sus pinceles han retratado a icónicos nombres del mundo del cine y de la moda como Linda Evangelista, Catherine Deneuve, Cate Blanchett, Rachel Weisz o Carolina Herrera.

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