Mes: diciembre 2013 (Página 2 de 12)

Natalia Rak, ‘street art’ con acento polaco

Del lienzo al muro de una pared. El arte no entiende de soportes. Natalia Rak ha sabido versatilizar sus dotes artísticas, del amplio abanico pictórico que ofrece el óleo a las posibilidades técnicas del graffiti y la pintura industrial. Nacida en 1986, esta artista polaca empezó a descubrir sus destrezas pictóricas a la edad de 10 años. Graduada en Bellas Artes por la Universidad de Lodz, se especializó en pintura y dibujo artístico. Y desde hace unos años ha quedado cautivada por el Street Art.

Los impresionantes muros que decora no sólo llaman la atención por su tamaño, también por su calidad pictórica. A menudo, sus pinturas llenan la totalidad de la pared de un edificio e incluso vallas publicitarias de considerables medidas. En la actualidad, combina sus obras sobre muro y arte urbano con la producción de pintura en formatos medianos.

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Sus primeras temáticas abarcan representaciones femeninas de largos y abundantes cabellos, que recuerdan figuras oníricas e irreales, con extraños símbolos que crean escenas un tanto misteriosas y surrealistas. Poco a poco su abanico se ha ido ampliando con otro tipo de figuras humanas desligándose por completo de los cuentos de hadas, como podemos comprobar en su obra The Legend of the Giants o en su participación en el New York Art Battle: en la primera muestra cierta influencia de la tradición polaca en el vestido de la niña que riega una planta, en la segunda representa a un niño con gorra y atuendo urbano y tatuajes.

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Sus murales muestran un colorido vibrante, con un excelente conocimiento de la fisonomía humana y unos personajes muy realistas, aunque un tanto estilizados. El detallismo de sus composiciones es otro de sus puntos fuertes, enlazando así con la corriente hiperrealista que impera en estos momentos en el panorama artístico internacional.

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Entre sus últimas actuaciones en concursos artísticos cabe destacar el Walk and Talk Festival de la isla de Madeira, la Feria de Arte Urbano de Berlín, el Museo Central de Textiles de Lodz (Polonia) donde le fue otorgado un espacio público para realizar su obra El GPS del Amor, el No Name Fest de Francia, el Art Whino de Estados Unidos o el Art Battle de Nueva York en el que ha participado recientemente.

El genio del cómic, Stan Lee, cumple 91 años planeando nuevos proyectos

Las inocentadas no son las únicas protagonistas el día 28 de diciembre, el genio del mundo del cómic y creador de icónicos personajes, Stan Lee, cumple hoy 91 años, y por este  motivo desde Malatinta Magazine queremos felicitarle para que siga dando rienda suelta a su ingenio. El año pasado Lee contó para su nonagésimo aniversario con un homenaje muy especial, una obra firmada por el propio J. Scott Campbell.

stan lee scott campbell_El escritor, actor, productor y guionista parece que sigue planeando nuevos retos y dirige su camino hacia el séptimo arte ya que según ha afirmado en más de una ocasión la industria del cómic se ha ido transformando desde sus trabajos mano a mano con Jack Kirby y Steve Ditko y ahora el cine es una de las principales plataformas para dar a conocer a sus personajes. En la actualidad, los creadores de cómic tienen muy presente al escribir sus historias en la posibilidad de llevar a la gran pantalla

El padre de Spider-Man, Los Cuatro Fantásticos, Los Vengadores, X-Men, Hulk y Iron-Man mantiene bajo el más férreo hermetismo los detalles de su nuevo proyecto: un superhéroe que debutará directamente en el cine, si bien por el momento aún se desconoce fecha y director para esta película en la que también está implicado Avi Arad, antiguo presidente Marvel Studios.

Mientras tanto, y hasta que este futuro proyecto llegue a nuestras pantallas, nos recrearemos en la genialidad y la magia que Stanley Martin Lieber, su verdadero nombre, ha derrochado durante sus 91 años para deleitarnos  y amenizar nuestras vidas.

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Camper celebra 25 años de Twins con Bernhard Willhelm

“¿Por qué a lo largo de la historia un par de zapatos ha sido siempre simétrico?” Esta fue la pregunta con la que comenzó la historia de Twins en Mallorca allá por 1998. Por aquel entonces, Camper ya era una empresa distinta, con valores diferenciados y que proponía una forma diferente y revolucionaria de diseñar y vender sus zapatos. Así que, fiel a su personalidad, Camper creó una nueva idea diseñando un par de zapatos donde el derecho era diferente al izquierdo. Para Lorenzo Fluxá, fundador de la compañía: «El concepto Twins fue pensado con los pies, no con la cabeza. Pasó mucho tiempo antes de que a nadie se le ocurriese poner sus orejas a la altura de sus pies y escuchar lo que sienten, sus preferencias y sus gustos estéticos».

Los Twins enseguida se convirtieron en un producto de éxito y en perfectos embajadores de la marca. Cuando Camper abrió sus primeras tiendas fuera de España en París, Londres y Milán en 1992, sus modelos fueron recibidos con auténtico entusiasmo. A partir de su éxito, Twins se convirtió en el concepto perfecto para llevar a cabo colaboraciones con importantes artistas como Miró, Pep Roselló, Susana Muñiz, Juan Gatti o Anthon Beeke y más recientemente, con los diseñadores londinenses Swash, Doshi Leven y el equipo creativo japonés Mint Design.

camperTemporada tras temporada ha habido nuevas historias que contar: una punta redondeada y la otra puntiaguda, uno con cordones por delante y otro por detrás, botones contra cremalleras, mensajes divertidos, gráficos opuestos… Ahora, para celebrar su 25 aniversario, Twins ha unido fuerzas con el impredecible y provocativo diseñador Bernhard Willhelm. El resultado: dos atrevidos modelos envueltos en un vibrante juego de colores. El extraordinario giro está en los estampados, ya que cada zapato parece estar sumergido en un bote de pintura, dibujando gruesas rayas y jugando con el contraste de colores: grises y blancas en un lado y azul  y verde en el otro. La propia simetría de cada zapato le proporciona el efecto asimétrico, porque como a Bernhard Willhelm le gusta decir: «el caos es maravilloso». Esta edición limitada del 25 Aniversario de Twins la encontraréis en seleccionadas tiendas Camper, así como en Camper.com

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El diseño del todo a un euro

Si, si… En tiempos de crisis hay que buscar la forma más barata de conseguir algo. ¿Pero a quién queremos engañar? Ya sea en momentos en los que tenemos que apretar el cinturón hasta cortarnos la respiración o cuando podemos permitirnos sentirnos generosos y dejar propina hasta al camarero que nos ha tirado el café por encima las ofertas son un reclamo que pocos podemos evitar. ¿A quién no le ha tentado alguna vez un dos por uno, se ha paseado por un outlet o ha regateado con el dueño de ese puesto en el mercadillo del pueblo? Pues eso. Pero el hecho que nos dejemos llevar por precios tentadores no significa que no podamos escoger con sabiduría.

Por ejemplo, aunque queramos decorar nuestra casa con los muebles y los elementos decorativos más caros y exclusivos del mercado no dejaríamos de pasarnos por el tan recorrido Ikea para comprar ni que sea un set de vasos de colores o una cortinas para la habitación del niño.

Pues lo mismo pasa con el Bazar Chino que tenemos al ladito de casa. Son como mini ikeas esparcidos por todo el territorio y con horarios demasiado flexibles. En estos pequeños comercios podemos encontrar todo el menaje indispensable para la cocina, ideas para almacenamiento y decoración para cualquier acontecimiento importante del año.

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No es de estañar, entonces, que alguna vez nos hayamos encontrado paseando por sus pasillos para completar el diseño de alguna estancia y/o darle un aire oriental a las paredes de nuestro hogar.

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Encontramos auténticas joyas del vintage perfectamente precintadas. Ollas como estas que nos recuerdan al menaje que tenia nuestra abuela y que pueden ser nuestros por 9,99 euros.

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O elementos para la cocina con diseño vanguardista para almacenar lo que sea que queramos almacenar.

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Elementos muy propios de nuestra tierra como estas aceiteras que le pueden dar ese toque campestre a nuestra cocina por dos euros.

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Y un atractivo set de escobas, cubos, barreños y cuencos multicolor que aunque no sean de alta calidad combinan con esos muebles de lineas finas y modernas que nos acabamos de instalar.

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Pero no todo lo que puedes encontrar en un chino tiene un diseño ikeniense o ikeniano (de Ikea) o con reminiscencias de los años 60, también y por supuesto existen los elementos de diseño oriental que dan ese punto étnico a nuestra vajilla o colección de estatuillas que decoran nuestra estantería. De hecho, estos bazares han popularizado estos gatos con el brazo móvil.

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Algunos diseñadores como el estudio Lo Siento han encontrado en estos gatitos dorados inspiración para crear esculturas efímeras como la que hicieron para la muestra de arte SWAB. Pincha aquí para ver el vídeo de la instalación.

No solo a los mortales de a pie nos van estos pequeños paraísos del todo a un euro. A famosos como la cantante Alaska y su madre, la mexicana América, les vuelven locas este tipo de establecimientos. En un capitulo del reality «Alaska y Mario» vimos como la madre de la cantante adquiría tantaitantos mini dragones en un Chino de la Plaza de la Luna en Madrid o se entusiasmaba al ver platos de colores en otro bazar de la capital.

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Queda claro que el precio no es el único reclamo de estas tiendas. Y es que si es bonito y, sobretodo, a ti te gusta porque no comprarlo a mejor precio.

 

Escultura efímera del gato dorado multiplicado por 100

Making off de la instalación que el estudio de diseño ‘Lo Siento’ hizo para la feria de arte del SWAB.

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La nuera de la baronesa Thyssen expone en Mónaco: «Aquí soy Blanca, la pintora»

imageBlanca Cuesta amplía fronteras y muestra sus cuadros fuera de España. La nuera de la baronesa Thyssen ha participado en una exposición colectiva en Mónaco con pintores españoles e internacionales con gran éxito de crítica. La temática era el agua y cada participante podía colaborar con más de dos obras.

A ella, como al resto de sus colegas, entre los que se encontraba el reconocido pintor Manuel Moreno, se les había seleccionado previamente para formar parte de esta expedición cultural a Montecarlo y que, bajo el título L’eau á l´oeubre, patrocinaba la Unesco. Blanca ya había expuesto con algunos de estos mismos artistas en el recinto de Casa de Vacas de El Retiro de Madrid. En esa ocasión, vendió su obra el mismo día de la presentación. “Y no lo ha comprado Borja”, comentaba con ironía al preguntarla por la identidad del propietario.

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Pocos sabían que la joven que colocaba sus cuadros bajo el nombre de Blanca Cuesta era la nuera de la baronesa Thyssen, considerada en el mundo del arte como una importante mecenas y coleccionista privada con museos abiertos en varias ciudades de España. “Ofrecerme exponer no tiene que ver con un interés mediático porque aquí soy Blanca Cuesta, pintora”, asegura la mujer de Borja.

“Realizada por alguien con talento”

Los expertos calificaron la obra de Cuesta de “importante, colorista, creativa y realizada por alguien con talento”. Al recordar Blanca ese testimonio, explica que esto demuestra que para ella “la pintura no es un capricho”. “Me entusiasma y tomo clases para aprender diferentes técnicas”, asegura la joven.

Sus cuadros no están mal cotizados. Los precios arrancan entre los 3.000 y 6.000 euros en adelante. Ella misma contaba a este medio que le sorprende la buena aceptación que están teniendo sus pinturas, aunque es consciente de que la crisis también ha afectado al arte. “Yo tengo la inmensa suerte de tener a Borja, que es una seguridad familiar ­–confesaba­–. Tengo amigos artistas y sé lo que cuesta cada pincel, cada tubo de pintura, cada lienzo, cada marco… Cuando se habla de una venta de 6.000 euros, quita el tanto por ciento de la galería, del marchante, del material y te aseguro que al final al pintor le queda una cantidad ridícula. Si a esto le añadimos el 21% de IVA, pues ya me dirás”.

Además de Blanca, en esta exposición de Mónaco participaron pintores españoles como Pedro Castrortega, Juan Antonio Tinte, Manuel Picó, Manuel Moreno, Marta Maldonado, Rosa Gallego, Aracely Alarcón, Vicente Verdú y Mayte Spinola. La obra de esta última, tía del torero Miguel Baez Litri, forma parte de las colecciones privadas de los Reyes de España, Jordania, Marruecos y de Simeón de Bulgaria y la duquesa de Alba.

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* Imágenes cedidas por Blanca Cuesta.

La tecnología tridimensional al servicio del arte imposible

Si existe un término que se niega a ser inmutable con el paso del tiempo es la palabra “imposible”; su significado va transformándose a medida de que el hombre, presa de su vocación trasgresora, quebranta cada uno los límites que se le imponen. En ocasiones esa barrera es la dificultad para convertir en tangible, palpable y materializable esa idea que vaga por la mente guiada por una inspiración más conceptual que física. ¿Cómo plasmar esas figuras imposibles, esas sinuosas formas y esos complicados ángulos que se recrean en la imaginación de los creadores sin posibilidad de encontrar un material que les haga  perceptibles a la vista ajena? Esta imposibilidad se desvanece hoy para los artistas gracias a las impresoras 3D y a la tecnología de impresión tridimensional.

Consideradas por muchos como el fenómeno revolucionario de este año, las impresoras 3D, si bien inventadas hace décadas, han experimentado un impulso que las hace ya imprescindibles en los campos de la medicina, ingeniería e incluso matemática.  No obstante, y como contrapeso a esta euforia inicial, sería preciso reflexionar sobre los cambios que entraña su uso, al igual que ha ocurrido con todo nuevo soporte que implica mayor sencillez y capacidad para clonar  objetos: implicará cambios drásticos no sólo en el consumo y mercado de productos sino también la vida diaria así como en el diseño y la creación artística en el futuro.

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A pesar de que se trata de una técnica aún incipiente en su aplicación en el arte, no son pocos los artistas que, dada su característica esencia visionaria, han sido capaces de ver más allá de la mera utilidad funcional de estas máquinas para concederles el don de germinar vida a pesar de su carácter inhumano. Basta diseñar la idea para que, como por arte de magia, poco tiempo después contemos con dicha obra en nuestras manos.

Debido a su capacidad para exaltar la belleza de la destrucción, inmortalizar en silencio momentos sublimes y subyugar lo que en esencia es incontrolable, el artista Eyal Gever se configura como uno de los principales exponentes del arte en 3D. Su proceso creativo surge de la simulación tridimensional de procesos en desarrollo que posteriormente transforma en momentos escultóricos. El punto de partida de este artista es la colisión de conceptos radicalmente opuestos: movimiento y reposo, control y libertad, rigidez y elasticidad… conviven en armonía en sus esculturas en las que resuena la fragilidad de la vida.

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“Artista, escultor, músico, aventurero digital, arquitecto de la imaginación, creador de problemas…», así se define Joshua Harker a sí mismo en su web. Este artista estadounidense -pionero en la impresión 3D en arte y escultura-  es uno de los creadores más reconocidos a la hora de materializar esculturas imposibles. Tras sus obras Crania Anatómica Filigre y Anatómica di Revolutis, su última creación en 3D, Quixotic Divinity, ensalza el simbolismo de los adornos humanos y, para ello, se ha inspirado en las máscaras y adornos ceremoniales asiáticos, africanos  y latinos, entre otros. Su minuciosidad es fiel reflejo del detalle que es capaz de plasmar este tipo de tecnología cuando es dominada por un artista de su calibre.

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Neri Oxman, arquitecta y profesora de Media Arts and Science en el MIT Media Lab (Instituto de Tecnología de Massachusetts dedicado a la investigación en la convergencia del diseño, la multimedia y la tecnología)  es una experta en esculpir obras tridimensionales, muchas de las cuales alberga el MoMA de Nueva York en su colección permanente. Esta artista  ha dedicado su carrera a explorar la intervención de las tecnologías de diseño digital en la materia y el medio ambiente.

Las esculturas de Kevin Mack se basan en el uso de una multiplicidad de herramientas y procesos digitales: combina las tecnologías más innovadoras con las técnicas tradicionales. Por su parte, el belga Nick Ervinck se apoya en la exploración para crear esculturas inspiradas el cuerpo humano tan complejas que tan sólo es posible hacerlas realidad a través de esta técnica.

Afortunadamente, el hecho de que la humanidad conviva a diario con ese carácter fluctuante de la vida aún no ha mermado nuestra capacidad para sorprendemos cuando somos testigos de la magia: ver cómo lo  imposible deja de serlo, en esta ocasión,  gracias a estos desafiantes creadores y a la tecnología que se pone al servicio del arte más original e imaginativo.

 

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